Filmakademie Baden-Württemberg Campus Magazin 24/25

24 

CAMPUS MAGAZIN(E) 

FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG 

25

CAMPUS MAP 

The technical departments of 

the Filmakademie provide the technical 

infrastructure for administration, teaching 

and production. 

Cinema 

IT-OfficeNet 

Mobile Technology (Rental) 

Production Design Workshop 

Sound Stages 

Recording Studios 

Video Editing 

TECHNICAL 

DEPARTMENTS 

In the area of administration, 

responsibilities include student 

management, finance and accounting, 

annual financial statements, controlling, 

risk management, procurement, legal 

issues, job and personnel planning 

and development, as well as general 

administration and business organization. 

Casting Office 

Commercial Administration 

Financial Accounting 

General Administration 

Library, Video & Media Library 

Personnel & Fees 

Office of Student Affairs 

Teaching Administration 

ADMINISTRATION 

The range of study courses reflects the 

entire spectrum of topics in the media 

industry, from screenwriting, directing and 

cinematography to animation, production 

design and editing, from production, film 

music and sound design to motion design 

and interactive media, spread across 3 study 

courses: 

Film and Media 

Film Music and Sound Design 

Production 

In addition, the following postgraduate 

diploma courses are offered: 

Animation / Animation & 

Effects Producer 

Animation / Technical Director 

Film Journalism 

Film Music 

Film Sound Production & Film 

Sound Design 

Interactive Media 

Motion Design 

Production Design 

ACADEMY OF 

PERFORMING ARTS 

The neighbouring ADK prepares students 

comprehensively – and uniquely in Germany – 

for careers both on stage and in film. The 

interdisciplinary, practice- and project-oriented 

training takes place in cooperation between the 

study courses directing, dramaturgy, acting, and 

stage & costume design across all years and study 

ATELIER 

LUDWIGSBURG-PARIS 

programmes. 

The Atelier Ludwigsburg-Paris is an EU-funded one-year 

further education programme for aspiring international film 

producers and distributors who have already successfully 

finished a study course. It is an autonomous institution under 

the umbrella of FABW and with the film schools La fémis 

(France) and NFTS (England) and broadcaster ARTE as main 

partners. 

ALUMNI NETWORK 

FRIENDS OF FABW 

ASTA 

GENDER E 

The alumni network ensures regular contact 

The promotional association Friends 

The General Student Committee AStA is elected 

The Filmakademie i 

and exchange with Filmakademie graduates, for 

of Filmakademie Baden-Wuerttemberg 

directly by the student body at the beginning of 

constitutionally req 

example by maintaining the alumni homepage, 

(Förderverein der Filmakademie Baden- 

each academic year. It represents the interests of 

women and men an 

sending out newsletters, organizing events 

Württemberg e.V.) was founded in 1993 and 

the students within and outside the Filmakademie 

of existing disadvan 

and forwarding offers for jobs, workshops or 

now has over 400 members. It is recognized 

and performs advisory and supportive tasks in the 

Opportunities Offic 

scholarships. 

as a non-profit association for tax purposes 

service of the student body of FABW. 

and men in career a 

and, in accordance with its statutes, focuses 

disadvantages and q 

on promoting exellence. 

the reconciliation o

Workshops for external students: 

Film Acting 

In the Film Acting Workshop and the 

English-language International Screen Acting 

Workshop, young acting talents can expand 

their classical training to include film acting 

for 8 weeks. Teaching includes theoretical 

and practical excercises under the guidance 

of renowned industry professionals. 

TEACHING 

The Animationsinstitut is part of the 

Filmakademie, but at the same time has its 

own organizational structures in many areas. 

Management 

Research & Development 

Staff Units 

Teaching 

Technical Deptartments 

ANIMATIONSINSTITUT 

FMX - Film & Media Exchange is organised 

by Filmakademie Baden-Wuerttemberg. It is a 

globally influential trade conference that focuses 

on the development and trends in the design, 

technology and business of animated films, visual 

effects, interactive and immersive media. 

FMX 

MANAGEMENT 

In the area of teaching, the management is responsible, among 

other things, for the conception, planning and implementation 

of teaching, the acquisition of teaching personnel, study 

coordinators and project supervisors, commissioned 

productions, the development of the Ludwigsburg/Stuttgart 

region as a media location for alumni and start-ups, as well 

as cooperation with regional and national broadcasters and 

production companies. 

STAFF UNITS 

The staff units are directly assigned to the management. 

QUALITY 

s committed to the 

uired equal opportunities for 

d works towards the elimination 

tages for women. The Equal 

ers advise and support women 

dvancement, the elimination of 

uestions of work-life balance and 

f work and care. 

INTERNATIONAL OFFICE 

The International Office organizes mobilities 

in the form of excursions and guest studies 

at partner institutions abroad. Its Englishlanguage 

International Class brings together 

24 incoming students each year in the summer 

semester. The mission of the International 

Office is to enable all students of the 

Filmakademie to have an experience abroad in 

the course of their studies. 

Assistant to the Director 

Commissioned Productions 

Communications & Public Relations 

Controlling 

Distribution & Licences 

Diversity & Inclusion Strategy Coordinator 

Festivals 

Head of Studies 

Legal Advisor 

Scholarships / Pitchings 

Sustainability Management and Special Tasks 

University Communication

RUBRIK 

Worte und Bilder: 

Fast Food 

für die Seele 

Was für eine interessante 

Zeit, in der wir leben! 

PROF. THOMAS SCHADT 

Direktor der Filmakademie 

Baden-Württemberg 

DR. JAN PINKAVA 

Leiter des Animationsinstituts 

2

EDITORIAL 

„Ein Bild sagt mehr als tausend Worte“, besagt ein altes Sprichwort, 

das darauf hinweist, dass ein Bild, insbesondere ein bewegtes Bild, 

nicht nur eine komplexe Idee ausdrücken, sondern auch eine 

Geschichte erzählen kann. Genau dies tun wir an der Filmakademie 

Baden-Württemberg. 

Das Internet ist gefüllt mit Abermilliarden von Worten und Bildern. Zahlen, die das menschliche 

Vorstellungsvermögen überschreiten. Diese Anhäufung menschlichen Schreibens und Bildermachens 

lässt sich mit den unermesslichen Kohlenstoffvorkommen vergleichen, die in Form von 

Kohle und Öl die industrielle Revolution und unsere darauf fußende, nicht nachhaltige Wirtschaft 

angetrieben haben. Nun, im Informationszeitalter, in dem alles in Daten umgewandelt wird, 

werden Wörter und Bilder wie Rohstoffe abgebaut, um die datenhungrigen Maschinen zu versorgen, 

mit denen unser modernes Leben verflochten ist. Wir waren gezwungen, merkwürdige neue 

Worte zu lernen. Die Veränderung begann langsam und auf einmal ging es ganz schnell. 

Das menschliche Verknüpfen von Worten und Bildern über Crowdsourcing-Dienste schuf die riesigen 

Datenbanken, die notwendig waren, um die sogenannten neuronalen Netze mit Deep Learning 

zu trainieren. Und diese Netze konnten bald zuverlässig Katzen, Hunde, Schuhe und Handtaschen 

erkennen – eine wirklich beachtliche Leistung. 

Der Durchbruch kam mit der Entwicklung sogenannter Transformer, die nicht nur die Muster in 

den Daten, sondern auch deren Kontext erlernten. Dies löste den Boom in der Spracherkennung, 

der Gesichtserkennung und der maschinellen Übersetzung aus, der unser Leben grundlegend verändert 

hat. 

Large Language Models (LLMs) auf Basis sogenannter Generative Pre-Trained Transformer (GPT) 

wurden durch „selbstüberwachtes Lernen“ trainiert. Dabei bringt sich die Maschine selbst bei, fehlende 

Wörter in riesigen Mengen von Textdaten zu erraten, ohne dass menschliches Eingreifen erforderlich 

ist. 

Es stellte sich heraus, dass transformerbasierte LLMs in der Lage sind, unerwartetes „emergentes 

Verhalten“ zu zeigen, das über ihr ursprünglich vorgesehenes Training hinausgeht. Je größer die 

Modelle, desto komplexer ihr Verhalten - der Wettlauf um immer größere Datenmengen hatte begonnen. 

Einer Schätzung zufolge werden hochwertige, von Menschen erstellte Textdaten im Internet 

bis etwa 2028 erschöpft sein. 

Nun können KI-Systeme, wie ChatGPT und Gemini, Texte in beliebiger Menge und zu jedem erdenklichen 

Thema und Format erzeugen – seien es Computercodes, Kochrezepte oder Drehbücher. 

Ein verlockendes Angebot, wenn man gerade Unterstützung bei einer Programmieraufgabe benötigt, 

eine spontane Kochidee sucht oder unter Zeitdruck an einem ersten Konzept arbeitet. Doch die 

Systeme können auch vollständigen Unsinn erzeugen. 

Forscher*innen arbeiten weiterhin daran, zu verstehen, wie die von ihnen entwickelten großen 

Sprachmodelle tatsächlich funktionieren, um deren „Halluzinationen“ zu beheben. 

Wir haben bereits erlebt, wie generative KI-Systeme – mit Namen wie Stable Diffusion, DALL-E, 

Midjourney, Imagen, Runway und Sora – innerhalb kürzester Zeit aus wenigen Worten, in Form 

von Prompts, beeindruckende Bilder, ja sogar bewegte Bilder herbeizaubern können. Es ist quasi 

Zauberei, denn wir verstehen weder, was es ist, noch wie wir es richtig kontrollieren können. 

3

EDITORIAL 

Manchmal sind diese Bilder unheimlich oder seltsam, wie der Surrealismus von DALL-Es Namensvetter 

Salvador. Ihre raffinierten Details, fotorealistischen Texturen und Lichtverhältnisse rufen die 

alternative Realität eines Traums oder Albtraums hervor. Doch diese Seltsamkeit ist (meist) optional, 

denn es lassen sich auch bezaubernde Motive erschaffen, die nahezu jede Nuance der Fotografie 

oder jeden Grafik- und Malstil nachbilden können. 

Mit übermenschlicher Geschwindigkeit erstellt generative KI (GenAI) wunderbare Collagen aus den 

Werken von Mensch und Natur. 

Dieses Machtgefühl ist berauschend. Wer braucht noch Künstler*innen? Die Bildsprache ist „demokratisiert“. 

Denn nun ist es doch möglich, mit der Magie der KI jedes Bild zu erschaffen, das wir 

uns vorstellen können. 

Aber was können wir uns überhaupt vorstellen? Schnell, denken Sie an etwas! Sehen Sie es vor Ihrem 

inneren Auge? Nein? Kein Problem. Die magische Maschine kann das Bild für uns erschaffen. 

Geben Sie einfach ein paar Worte ein, die beschreiben, was Sie sich vorstellen. Wünschen Sie sich 

etwas – der Zauber kann beginnen! 

So läuft das. Und wie auch im Märchen, in dem ein erfüllter Wunsch oft eine unerwartete Wendung 

nimmt, wird auch hier der Zauber bald verblassen. Nicht, weil die Bilder nicht beeindruckend 

wären oder die Technik nicht verblüffend. Sondern weil ein Bild mehr sagt als tausend Worte. So 

lässt sich zwar mit wenigen Worten ein Bild generieren, aber es braucht doch viele Worte – vielleicht 

tausend oder mehr –, um genau dieses eine Bild zu erschaffen, das man wollte. Oder zumindest 

etwas Ähnliches, falls man sich noch erinnert, was es ursprünglich war. 

Alternativ kann man schlichtweg akzeptieren, was die Maschine liefert, und sich in den frühen 

Feierabend verabschieden. 

Wenn man nur drei Wünsche frei hätte, könnte es auch passieren, dass man mit einer Wurst auf der 

Nase endet. Doch es handelt sich hier nicht um ein Märchen. Man kann sich nämlich immer weiter 

Neues wünschen, Misslungenes verwerfen und die Prompts verfeinern, um das Bild schrittweise 

zu verbessern, bis es gut genug ist – zumindest in den Augen der Kund*innen. Mit Beharrlichkeit 

und Zeit verbessert sich dann auch die eigene Fähigkeit, der Maschine Anweisungen zu geben, 

bis schließlich die Deadline vor der Tür steht. Abgang der Künstler*innen, Auftritt der Prompt-Ingenieur*innen. 

Für manche Aufgaben, wie Musikvideos und Logos, mag das ausreichen. Doch Profis, die auf 

Feedback reagieren müssen und zuverlässige Werkzeuge für spezifische Ergebnisse benötigen sowie 

Künstler*innen, die genau wissen, was sie wollen und keine Kompromisse eingehen, suchen 

weiterhin nach Möglichkeiten, die Vorstellungskraft der Maschine kontrollierbarer, vorhersehbarer 

und besser bearbeitbar zu machen. 

Unterdessen warten die großen Hollywood-Studios, deren Existenz auf dem Spiel steht, darauf, 

dass die amerikanischen Gerichte über zahlreiche Urheberrechtsklagen entscheiden. Es bringt also 

nichts, an Künstler*innen zu sparen, wenn die Kosten für Anwält*innen am Ende ein Vielfaches 

betragen. 

Autor*innen, Künstler*innen und Führungskräfte erkennen, dass das volle Potenzial von GenAI 

noch in der Zukunft liegt. 

An der Filmakademie gilt: “Learning by doing”. Die Studierenden werden dazu ermutigt, mit KI- 

Tools zu experimentieren. Dadurch sollen sie das nötige Verständnis und die Kompetenzen erlangen, 

4

in ihrer eigenen Arbeit fundierte, ethische Entscheidungen zu treffen. Unser Unterricht fördert das 

Stellen von Fragen: Hilft das KI-generierte Bild oder Drehbuch dabei, Ideen auszudrücken? Kann 

dieses Werkzeug dabei helfen, die zugrundeliegenden Absichten zu klären oder besser zu kommunizieren? 

Was willst du damit sagen? Warum ist dieses Thema für dich und dein Publikum wichtig? 

Wenn die Studierenden wissen, warum sie Töne oder Bilder schaffen — zu welchem Zweck und als 

Teil welcher künstlerischen Absicht — dann sind sie besser darauf vorbereitet, die Werkzeuge der 

generativen KI zu nutzen oder auch nicht, um so die Fragen zu beantworten, die für sie und das 

Publikum wichtig sind. 

Die Frage nach dem „Warum“ wird von der Künstlichen Intelligenz nicht beantwortet. Noch nicht. 

Es wurde viel virtuelle Tinte über die fehlende Moral der Maschinen vergossen, über ihren Mangel 

an Geschmack und Verständnis für Wahrheit oder Unwahrheit; all das ist wahr und wird es wohl 

bleiben, bis wir verstehen, wie man eine Hirnoperation an einer Blackbox durchführt, oder bis 

Roboter lernen, unter uns zu leben und unser menschliches Dasein zu teilen. 

Dies erinnert uns daran, nicht zu erwarten, dass maschinell erzeugte Texte, Töne oder Bilder mehr 

Bedeutung enthalten, als jene, die wir ihnen vorgeben oder die wir uns vorstellen. 

Wenn wir nur Spektakel und Unterhaltung suchen (und wer braucht dies nicht manchmal?), dann 

kann uns diese magische Maschine mehr als ausreichend damit versorgen. Wenn wir jedoch 

wollen, dass unsere Kunst eine menschliche Bedeutsamkeit enthält, dann liegt es immer noch an 

uns, den „Menschen im Loop“. 

Werden wir in einem unendlichen Spiegelkabinett gefangen sein, in dem gebrochene Reflexionen 

keine neuen Einsichten bieten? Oder werden wir aus dem Leben schöpfen, unserem eigenen 

Innenleben und dem der Anderen? Wird Schreiben zu einer Zusammenfügung von Multiple- 

Choice-Versatzstücken Test-User-geprüfter IP (Intellectual Property) oder zu einem Ausdruck 

gelebter menschlicher Erfahrung? Werden wir oder unser Publikum in der Lage sein, den Unterschied 

zu erkennen? 

Zumindest sollten wir weder die Stimme der KI als unsere eigene bezeichnen, nur weil wir sie 

gebeten haben, etwas zu sagen, noch sollten wir unsere Unterschrift unter ein GenAI-Bild setzen, 

nur weil wir den Prompt geschrieben haben. 

Wie auch immer wir diese mächtigen Werkzeuge zur Verstärkung unserer eigenen Bemühungen 

einsetzen, das Denken und Fühlen müssen wir selbst in die Hand nehmen. Es darf nicht der 

„Effizienz“ der KI überlassen werden. 

Herzlichst 

Prof. Thomas Schadt 

Dr. Jan Pinkava 

5

Words and Pictures: 

Fast Food 

for the Soul 

What an interesting time 

to be alive! 

PROF. THOMAS SCHADT 

Managing Director of Filmakademie 

Baden-Wuerttemberg 


Director of Animationsinstitut 

6

EDITORIAL 

According to the old saying, “a picture is worth a thousand words” 

(„Ein Bild sagt mehr als tausend Worte“) which is to say, that a 

picture, and especially a moving picture, can not only express 

a complex idea, but can also tell a story. That is what we do at 

Filmakademie Baden-Wuerttemberg. 

The internet is full of words and pictures. Trillions of them. Such numbers are beyond true 

human comprehension. This accumulation of human writing and picture making has been likened 

to the aeons of carbon deposits which, in the form of coal and oil, have fueled the industrial revolution 

and our unsustainable petro economy. So now, in the information age, when all things are 

transformed into data, words and pictures are being mined to feed the data-hungry machines with 

which our modern lives are intertwined. We have had to learn strange new words. The change 

came slowly, then quickly. 

It was the pairing of words and pictures, by humans, through crowdsourcing services, that created 

the huge databases necessary for training so-called Deep Learning neural networks to reliably 

recognize cats and dogs and shoes and handbags. That was already impressive. 

The breakthrough came with the invention of so-called Transformers that learn not just the patterns 

in the data, but also wider context. This began the boom in speech recognition, face recognition 

and machine translation, which has transformed our lives. 

The Large Language Models (LLMs) built on Generative Pre-Trained Transformers (GPTs) were 

trained through “self-supervised learning” in which the machine teaches itself to guess missing 

words in astronomical amounts of text data, with no human intervention. 

Transformer-based LLMs turned out to be capable of unexpected “emergent behaviour” beyond 

their explicit training. The bigger the models, the more complex the behaviour, and the race was 

on to mine ever more data. According to one estimate, the high-quality human-created textual data 

on the internet will be used up by about 2028. 

Now AI agents, like ChatGPT and Gemini, can produce any quantity of text, about any subject, in 

any format, from computer code, to cooking recipes, to screenplays. Very appealing if you need 

help with that programming assignment, or if you need to know what you can cook with what is 

in the fridge, or if you’re staring down that deadline for a first draft. They can also produce complete 

nonsense. 

Researchers are still trying to understand how the Large Language Models they created actually 

work, so they can begin to fix their “hallucinations”. 

We have seen how Generative AI systems – with names like Stable Diffusion, DALL-E, Midjourney, 

Imagen, Runway, and Sora – can turn a few words, in the form of prompts, into impressive 

pictures, even moving pictures, as if by magic. And magic it is, because we don’t yet understand it, 

nor yet how to properly control it. 

Sometimes the pictures are uncanny or weird, like the Surrealism of DALL-E’s namesake Salvador, 

with refined detail, photographic textures and lighting, suggesting the alternative reality of a dream 

or nightmare. But weirdness is (mostly) optional, and we can also conjure images of charming subjects, 

replicating almost any nuance of photography or almost any style of graphic art or painting. 

7

EDITORIAL 

With super-human speed, Generative Artificial Intelligence (GenAI) makes wonderful collages from 

the works of man and nature. 

The sense of power is intoxicating. What need have we of artists? Imagery is “democratized.” 

Surely, we can now create, with the magic of AI, any image that we can imagine. 

So, what can we imagine? Quick, imagine something! Do you see it with your mind’s eye? No? 

Never mind. The magical machine can imagine the image for us. Just describe what you would like 

to imagine, in a few words. Make a wish. Let the magic begin! 

So it goes. And like the fairytale wish fulfilled, the magic soon turns to dust in our hands. 

Not because the images are not appealing. Not because the technology is not astonishing. But 

because a picture is worth a thousand words, or more, and although you can make a picture with 

a word to two, yet still a thousand words, or more, are needed to make the picture that you wanted 

to make, or something somewhat like it, if you can still remember what that was. 

Or, you can accept what the machine gives you, and go home early. 

If you only had three wishes, you might end up with a sausage on your nose. But this is not a fairytale. 

You can keep wishing, discard failures, and refine your prompts to make the image more and 

more specific, until the job is done well enough; at least to your client’s satisfaction. With persistence 

and time, your prompting skills improve, and then your deadline arrives. Exit the artist. 

Enter the prompt engineer. 

For some work, like music videos, and logo graphics, that may be enough. But professionals, who 

need to respond to feedback and need reliable tools to achieve specific results, and artists, who 

know what they want and will not compromise, are still looking for ways to make the machine’s 

imagination more controllable, more predictable, more editable. 

And the Hollywood studios, with their survival at stake, are waiting for the copyright lawsuits to 

work their sluggish way through the American courts. It’s no good if you spend less money on artists, 

if you then have to spend many times more on lawyers. 

Writers, artists and executives are learning that the promise of GenAI is still in the future. 

At the Filmakademie we learn by doing. Students are encouraged to experiment with AI tools to 

gain the understanding and competence necessary to make informed, ethical choices in their own 

work. Our teaching emphasises the asking of questions: Does an AI-generated image or script help 

you to express your ideas? Can this tool help you to clarify your intention or to better communicate 

it? What are you trying to say? Why is this subject important to you and to your audience? 

When students know why they are creating sound or picture – for what purpose, as part of which 

artistic intention – then they are better prepared to make use of Generative AI tools, or not, to answer 

the questions that matter to them and the audience. 

The “why” questions are not answered by Artificial Intelligence. Not yet. 

8

Much virtual ink has been spilled to remind us that machines have no morals, no taste, no understanding 

of truth or falsehood; all of which is true, and may remain true until we understand how 

to perform black-box-brain surgery, or robots learn to live among us and share our human condition. 

This reminds us not to expect machine-generated text, or sound, or picture to mean anything more 

than what we tell it to mean, or what we imagine it to mean. 

If all we need is spectacle and entertainment (and who doesn’t sometimes?) then the magic machine 

can make us fat with it. If we want our art to mean something human, then it is still up to 

us, the “humans in the loop.” 

Will we be trapped in an infinite hall of mirrors, whose fragmented reflections offer no new 

insights? Or will we draw from life; our inner-life and the lives of others? Will writing become 

multiple-choice recombination of audience-tested IP, or an expression of lived human experience? 

Will we, or our audience, be able to tell the difference? 

At the very least, we should not call the AI’s voice our own, simply because we asked it to say something, 

or add our signature to a GenAI image, just because we wrote the prompt. 

However we employ these powerful tools to amplify our efforts, we must do the thinking and feeling 

for ourselves, not outsource thinking and feeling to the “efficiency” of AI. 

With kind regards 


Dr. Jan Pinkava 

9

INHALT 

2 

EDITORIAL 

Worte und Bilder – Fast Food für die Seele 

98 

ALUMNI IM FOKUS 

Milena Aboyan 

12 

SPOTLIGHT FMX 2024 

Was KI schon kann und was (noch) nicht 

20 

DREHBERICHT 

Mit dem E-Porsche in die Toscana 

108 

EDITION FABW 

Kurzgeschichtenbände 

26 


Roland Stuprich 

38 


112 

DOZIERENDE IM PORTRÄT 

Prof. Hans Beller 

122 

SPOTLIGHT DIVERSITÄT 

Chor AKApella – 

Vielfalt der Stimmen und Persönlichkeiten 

68 

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS 

76 

INTERNATIONALE NETZWERKE 

84 

MEET THE STAFF 

Thomas Lechner 

126 

AUFTRAGSPRODUKTIONEN 

132 

FÖRDERVEREIN 

Eine Million Euro für studentische Projekte 

94 

SPOTLIGHT NACHHALTIGHEIT 

Auf dem Weg zur ökologischen Nachhaltigkeit 

10

CONTENTS 

6 

EDITORIAL 

Words and Pictures – Fast Food for the Soul 

89 


Thomas Lechner 

16 

SPOTLIGHT FMX 2024 

What AI can do – and what it cannot (yet) 

96 

SPOTLIGHT SUSTAINABILITY 

On the Road to Ecological Sustainability 

24 

FILMING REPORT 

Driving E-Porsche to Tuscany 

32 

ALUMNI IN FOCUS 

Roland Stuprich 

104 


Milena Aboyan 

110 

EDITION FABW 

Short Story Collections 

118 

LECTURERS IN PORTRAIT 

Prof. Hans Beller 

38 


72 


124 

SPOTLIGHT DIVERSITY 

AKApella Choir – Diversity of Voices and Personalities 

130 

COMMISSIONED PRODUCTIONS 

80 

INTERNATIONAL NETWORKS 

132 

FRIENDS OF FABW 

One Million Euros for Student Projects 

11

SPOTLIGHT: FMX 2024 

Jan Pinkava 

THE SOUND OF DUNE 2 – Martin Kwok 

12

DIE FREUDE WAR MIT 

HÄNDEN ZU GREI- 

FEN: IN TURBULENTEN ZEITEN HAT SICH 

DIE FMX BEWÄHRT ALS ORT SPEKTAKULÄRER 

PRÄSENTATIONEN, INTENSIVER WORKSHOPS 

UND LEBHAFTEN NETWORKINGS. SIE BOT 270 

SPEAKERN UND MEHR ALS 3600 BESUCHERIN- 

NEN UND BESUCHERN DIE PLATTFORM, DIE SIE 

BRAUCHEN, UM DIE BESONDERE, VERTRAU- 

LICHE ATMOSPHÄRE ZU SCHAFFEN, FÜR DIE 

DIE STUTTGARTER KONFERENZ BEKANNT IST. 

VOR ALLEM EIN THEMA WAR IN ALLER MUNDE: 

KÜNSTLICHE INTELLIGENZ UND IHRE AUSWIR- 

KUNGEN AUF DIE FILM- UND MEDIENPRODUK- 

TION. 

„Die Rückkehr zu vier Präsenz-Tagen im Haus der Wirtschaft 

hat einen riesengroßen Unterschied gemacht“, 

sagt FMX Project Manager Mario Müller. „Das Gebäude 

hat gebrummt wie früher, der Film & Media Exchange 

selbst wurde zur lebendigen, atmenden Plattform für 

das diesjährige FMX-Motto ‚Connecting Ideas‘. Es gab so 

viel Austausch in diesem Jahr wie lange nicht mehr, und 

das war das größte Geschenk für die FMX und die Community.“ 

Der Ideenaustausch gehört zur DNA der FMX seit ihrer 

Gründung, 2024 hat sie ihn erstmals explizit zum Motto 

erhoben. Der Interoperability Track, kuratiert vom diesjährigen 

Programme Chair Sol Rogers, drehte sich darum, 

wie die Zusammenarbeit unter Kreativen optimiert 

werden kann. 

UND 

KANN 

WAS KI 

„Alles läuft besser, wenn Künstlerinnen und Künstler 

die gleiche technische Sprache sprechen über Pipelines 

und Entfernungen hinweg, ohne in Übersetzungsprobleme 

oder Kommunikationsengpässe zu geraten”, sagt 

Jan Pinkava, FMX Conference Chair und Leiter des Animationsinstituts 

der Filmakademie Baden-Württemberg. 

“Vielleicht brauchen wir ein attraktiveres Wort als Interoperabilität, 

um eine so wichtige Idee auszudrücken!” 

WAS (NOCH) NICHT 

EIN STARKER FOKUS AUF DIE MÖGLICHKEITEN, 

DIE KI BIETEN KANN 

Europas wichtigste Konferenz für Animation und Visual 

Effects (VFX), interaktive und immersive Medien widmete 

sich natürlich all diesen Themen und vielen mehr, 

etwa dem Metaverse und Digital Humans, guten Arbeitsbedingungen 

und gleicher Teilhabe. Ein Phänomen war 

dabei omnipräsent. Jan Pinkava sprach vom “Elefanten 

im Raum“ beim Panel „30 Years from Now”: Künstliche 

Intelligenz. 

„Für viel Aufregung sorgt das verblüffende Potenzial der 

generativen KI, den kreativen Prozess zu verändern – das 

Geschichtenerzählen, die Bilderzeugung, die Tonproduktion, 

fast jeden Bereich unserer Arbeit“, sagt Jan. „Doch 

bei allem Hype und allen Bedenken wird sich erst in 

der Praxis zeigen, was wirklich Sache ist. Wie die Baseball-Legende 

Yogi Berra gesagt hat: Es ist schwer, Vorhersagen 

zu treffen, besonders über die Zukunft.“ 

Mit ihrem langen Streik im Jahr 2023 erkämpften die 

Hollywood-Autor*innen einen Deal, der Künstliche Intelligenz 

als Werkzeug erlaubt, aber nicht als Ersatz für 

Menschen. Bei der FMX diskutierten alle irgendwann 

über die Auswirkungen von KI auf VFX, Animation, 

Medienproduktion insgesamt. Und trotz aller Bedenken 

– Jobs, Kontrolle – lag ein starker Fokus auf den Chancen, 

die KI den Kreativen eröffnet. 

GESCHICHTEN ERZÄHLEN, DIE SONST NICHT 

ERZÄHLT WORDEN WÄREN 

Andy Cochrane, der Kurator des KI-Tracks, formulierte 

es so: “Ich glaube, wir stehen im Moment am Anfang 

eines irrwitzigen Neustarts, der länger als ein Jahrzehnt 

dauern wird.“ Er sagte auch: “Dank KI bin ich 

im vergangenen Jahr öfter von einer Idee in meinem 

Kopf zu einem fertigen Produkt gelangt als in den gesamten 

20 vorangegangenen Jahren meiner Karriere.“ 

Beim Abschlusspanel teilte Andy sich die Bühne mit den 

13


Speakern des KI-Tracks. Sie diskutierten den Stand der 

Dinge beim Thema Künstliche Intelligenz, das derzeitige 

Überangebot an Anwendungen und das Fehlen einer Paketlösung 

auf Knopfdruck. 

Der erfolgreiche KI-Influencer Bilawal Sidhu demonstrierte 

in seiner Präsentation, wie einfach man mit einem 

iPhone unglaubliche Bilder produzieren kann. Aus 

seiner Sicht ist das die “Demokratisierung der Echtzeit-VFX-Fähigkeiten: 

Wir werden audiovisuelle Werke 

produzieren, die es vorher nicht gegeben hätte, weil es 

zu teuer war. Wir werden interessante Geschichten erzählen, 

die niemals erzählt worden wären, weil sie im 

bisherigen Verfahren kein grünes Licht bekommen hätten.“ 

Sein Vorbehalt: „Wenn du nichts Interessantes zu 

sagen hast, wird dir die KI nicht helfen. Hinter Stoffen, 

die die Aufmerksamkeit des Publikums bekommen, 

steckt eine künstlerische Vision.“ 

DAS PUBLIKUM LIEBT MENSCHLICHE 

HANDSCHRIFTEN 

Ben Hansford, Professor an der University of California 

(USC), stimmte dem voll zu – und begann seine KI-Präsentation 

mit einer Ermutigung: “Das Wichtigste in der 

Film- und Medienschulen 

müssen Wege finden, 

die Verwendung von KI 

zu regulieren. 

Medienproduktion seid ihr!”, rief er ins voll besetzte Auditorium. 

Dann zeigte er einige vielversprechende Bilder 

und Clips, die seine Studierenden in wenigen Tagen 

mit Video-Generating AI produziert haben. Beim Panel 

sagte Ben: “Dies ist ganz einfach die unglaublichste Gelegenheit 

aufzuhören, um Erlaubnis zu betteln und anzufangen, 

mehr von dem zu tun, was man liebt.” 

Einfache Medieninhalte könnten bald von KI produziert 

werden - aber keine besonderen, sagen Expert*innen. 

“Wir haben jetzt schon um ein Vielfaches mehr Content 

als Zeit, ihn zu konsumieren”, sagte Rob Bredow, SVP 

und Chief Creative Officer beim VFX-Studio ILM, beim 

“30 Years from Now” Panel. “Wenn es also eine Million 

Mal einfacher ist, Inhalte zu erschaffen, von welchen 

werden wir uns angezogen fühlen? Ich glaube, es werden 

Geschichten sein, die aus einem bestimmten Grund 

erzählt werden. Wir mögen bestimmte Künstler, wir lieben 

menschliche Handschriften in den Geschichten.“ 

KAUM HÖRBARE DIALOGE DER BEATLES 

HERAUSARBEITEN 

Der Sound Editor Martin Kwok benutzt lieber den Begriff 

Machine Learning als KI: “Das ist wesentlich präziser.“ 

Bei der FMX 2024 erzählte er dem Publikum von 

seiner Arbeit als Dialog-Editor an den atemberaubenden 

Klanglandschaften in Denis Villeneuve’s DUNE 2. 

Bei einer Masterclass an der Filmakademie Baden-Württemberg 

erweiterte er seinen Vortrag auf den Dokumentarfilm 

THE BEATLES: GET BACK – und erklärte, dass 

das Team bahnbrechende Machine-Learning-Werkzeuge 

nutzte, um Tonspuren voneinander zu trennen und 

dadurch kaum hörbare Dialoge zwischen den Musikern 

deutlich herauszuarbeiten. 

Film- und Medienschulen müssen Wege finden, die 

Verwendung von KI zu regulieren. Eine Gesprächsrunde 

mit vier Vertreterinnen und Vertretern internationaler 

Hochschulen beleuchtete den aktuellen Stand der 

Dinge. Das Ergebnis: Es ist kompliziert. Schulen aus aller 

Welt, darunter das Animationsinstitut der FABW 

als enger Partner der FMX, präsentieren Studienpläne 

und Studierenden-Projekte, sammeln Inspirationen und 

neue Impulse. 

ECHTES NETWORKING: 

BEDINGUNGSLOSE CONNECTIONS 

14

Auch Jenseits von KI ereignete sich viel Bemerkenswertes. 

Der VFX-Magier Jay Worth, bekannt für seine Arbeit 

mit Jonathan Nolan an Serien wie WESTWORLD und 

FALLOUT, sprach bei der FMX über Letztere. Er zeigte, 

wie das VFX-Team Aufnahmen aus der namibischen 

Wüste ins postapokalyptische Los Angeles verwandelte, 

indem es Wahrzeichen wie den Flughafen LAX oder 

Bob’s Donuts einfügte. Jay erzählte auch die Geschichte, 

wie er den jungen belgischen VFX-Artist Gilles Augustijnen 

entdeckte, den er für eine Schlüsselszene in der Serie 

THE PERIPHERAL anheuerte. Die beiden trafen sich 

bei der FMX zum ersten Mal persönlich – und erzählten 

ihre jeweilige Version ihrer gemeinsamen Geschichte. 

Besonders inspirierend: Ein Panel zum Thema Mentorship. 

Die FMX-Kuratorin Imke Fehrmann, Julie Ann 

Crommett und Nosipho Maketo-van den Bragt, engagierte 

WIA-Mentorinnen (Women in Animation) und erfolgreiche 

VFX-Produzentinnen. Sie diskutierten über starke 

Verbindungen, professionelle Unterstützungs-Netzwerke 

sowie Chancengleichheit und Teilhabe. Alle drei sind 

sich einig: Die Industrie braucht mehr Miteinander. 

“Echtes Networking bedeutet bedingungslose Connections”, 

sagte Imke – “es geht nicht darum, was ich selbst 

davon habe.“ Die Botschaft fand einen starken Nachhall 

in der Community. 

Und dann war da noch das bereits erwähnte Panel “30 

Years from Now” mit Rob Bredow, Jan Pinkava und Sol 

Rogers, die Blicke in die Kristallkugel wagten. Die Erkenntnisse 

waren zahlreich. Rob: “In 30 Jahren werden 

wir so viel Rechenleistung haben, dass wir Personen 

wahrscheinlich in einer unglaublichen Detailtiefe 

simulieren können.“ Sol: “Künftig wird es ganz einfach 

sein, die Fenster in meinem Haus auszutauschen, sodass 

ich einen Penthouse-Ausblick habe statt eines Tiefparterre-Ausblicks. 

Das verändert plötzlich vollständig die Vorstellung 

von Immobilienbesitz und wo ich lebe. Die frühere 

Bewertung einer Immobilie spielt dann keine Rolle 

mehr. Sie könnte überall sein.“ Jan: “Eines werde ich voraussagen: 

Wir werden immer noch darüber debattieren, 

was Storytelling ist.” 

Bernd Haasis 

In 30 Jahren 

werden wir so viel 

Rechenleistung haben, dass 

wir Personen wahrscheinlich 

in einer unglaublichen 

Detailtiefe simulieren 

können. 

THEN AND NOW – 

Ian Failes, Michael Fink, Hugo Guerrera 

IN-CAMERA-EFFECTS MASTERCLASS - 

Ian Failes, Todd Sheridan Perry 

15


AND WHAT IT CANNOT (YET) 

CAN DO 

WHAT AI 

A 

SENSE OF JOY WAS IN 

THE AIR: IN TURBULENT 

TIMES, FMX CONFIRMED TO BE A PLACE OF 

SPECTACULAR PRESENTATIONS, INTENSE 

WORKSHOPS AND VIBRANT NETWORKING. 

IT PROVIDED 270 SPEAKERS AND MORE 

THAN 3,600 PARTICIPANTS WITH THE PLAT- 

FORM THEY NEED TO CREATE THE UNIQUE, 

INTIMATE ATMOSPHERE THE STUTTGART 

BASED CONFERENCE IS KNOWN FOR. ONE 

SUBJECT IN PARTICULAR WAS ON EVERY- 

ONE’S LIPS: ARTIFICIAL INTELLIGENCE AND 

ITS IMPACT ON FILM AND MEDIA CREATION. 

„Going back to four days on site at ‘Haus der Wirtschaft’ 

made a huge difference“, says FMX Project Manager 

Mario Müller. „As the building was buzzing with people 

like it used to, the Film & Media Exchange itself became 

a living, breathing platform for this year’s FMX theme 

of ‚Connecting Ideas‘. So much exchange and interaction 

was going on this year, and this was the greatest gift for 

FMX, and for the community.“ 

Exchanging ideas has been in the DNA of FMX from 

the start, and in 2024, has become its explicit motto. 

The Interoperability Track, curated by this year’s Programme 

Chair Sol Rogers, revolved around the question, 

how the collaboration between creators can be improved. 

“Everything is better when artists can speak the 

same technical language, across pipelines, across distances, 

without getting lost in translation or communication 

bottlenecks”, says Jan Pinkava, FMX Conference 

16 

Chair and Director of Animationsinstitut at Filmakademie 

Baden-Wuerttemberg. “We might need a sexier 

word than ‘interoperability’ to express such an important 

idea!” 

STRONG FOCUS ON THE POSSIBILITIES AI 

CAN UNLOCK 

Europe’s most important conference on animation, 

visual effects (VFX), interactive and immersive media 

addressed all those topics, of course, and many more, 

e.g., the metaverse and digital humans, working conditions 

and equal participation. One phenomenon was omnipresent, 

which Jan Pinkava called the „elephant in the 

room“ in the panel „30 Years from Now”: Artificial Intelligence 

(AI). 

“It’s the startling potential of Generative AI to change the 

Creative Process of storytelling, image-making, sound 

production – in almost every category of the work we 

do – that has caused such commotion”, says Jan Pinkava. 

“But for all the hype and worry, it is actual experience 

that will show us what’s what. As baseball legend 

Yogi Berra said: It is difficult to make predictions, especially 

about the future.”

After a long strike in 2023, Hollywood writers reached 

a deal that allows artificial intelligence as a tool, but not 

a replacement for humans. At FMX, everyone eventually 

debated the impact of AI on VFX, animation, and media 

creation in general. And despite all the legitimate concerns 

– jobs, control – there was a strong focus on the 

opportunities AI can unlock for creators. 

TELLING STORIES THAT WOULD NOT 

HAVE BEEN TOLD 

Andy Cochrane, curator of the AI Track, put it like this: 

“I think, right now we‘re at the start of an insane, chaotic 

reset that‘s going to take more than a decade.” And: 

“Thanks to AI, I have converted more ideas into finished 

products in the last year than I have in the previous 20 

years of my career altogether.” During the final panel 

discussion, Andy shared the stage with the speakers of 

the AI Track. They discussed the state of Artificial Intelligence, 

the current oversupply of applications, and the 

lack of a one-button-solution. 

Successful AI-Influencer Bilawal Sidhu demonstrated in 

his presentation how easy it is to create incredible images 

on an iPhone. For him, real-time VFX capabilities are 

now “being democratized: we will produce audio visual 

creations that otherwise wouldn’t have existed because 

it was just too expensive. We will tell interesting stories 

that would never have been told before because they 

wouldn’t have been given the green light.“ His caveat: „If 

you haven’t got anything interesting to say, AI isn‘t going 

to help you. The stuff that gets people‘s attention has an 

artistic vision behind it.“ 

AUDIENCES LOVE THE HUMAN TOUCH 

Officer at ILM, at the “30 Years from Now” panel. “So if 

it’s a million times easier to create content, what content 

will you be attracted to? I think it’s going to be the stories 

that are told for a reason. We love certain creators, 

and we love stories with a human touch.” 

ENHANCING BARELY AUDIBLE DIALOGUES OF 

THE BEATLES 

Sound Editor Martin Kwok prefers the ‘term machine 

learning’ over AI: “It’s much more accurate”, he said. At 

FMX 2024, he told the audience about his work as a 

dialogue editor on the breathtaking soundscapes in 

Denis Villeneuve’s DUNE 2. He also gave a masterclass at 

Filmakademie Baden-Wuerttemberg, where he extended 

his session by including the documentary THE BEA- 

TLES: GET BACK. As Martin explained, the crew used 

groundbreaking machine learning tools for audio source 

separation to drastically enhance the musicians’ barely 

audible dialogues. 

Film and media colleges need to find ways of regulating 

the use of AI. a panel discussion with four international 

representatives shed some light on the current 

state of things. The result: it’s complicated. Schools from 

all over the world, among them FABW´s Animationsinstitut 

as a close partner of FMX, present their curricula 

and their students’ projects, collecting inspiration and 

new impulses. 

Film and media colleges 

need to find ways 

of regulating the use of AI. 

USC professor Ben Hansford couldn’t agree more – and 

started his AI presentation with an encouragement: “The 

most important thing in media production is you!” he 

shouted out to the full auditorium. Then he showed 

some promising images and clips his students produced 

within a few days using video-generating AI. On the 

panel, Ben said: “This is the most incredible opportunity 

to stop begging for permission and just start doing more 

of what you love.” 

Simple media content could soon be produced by AI 

– but not the special contents, experts claim. “We already 

have so much more content than we have time to 

consume it, ”, said Rob Bredow, SVP und Chief Creative 

Jan Pinkava, Mario Müller 

17


REAL NETWORKING: 

UNCONDITIONAL CONNECTIONS 

Other remarkable things happened besides AI. Aside 

from VFX wizard Jay Worth, known for his work with 

Jonathan Nolan on series like WESTWORLD and FALL- 

OUT, gave a talk on the latter at FMX 2024. He explained 

how the VFX team turned shots from the Namibian desert 

into post-apocalyptic Los Angeles by inserting landmarks 

like LAX airport and Bob’s Donuts. Jay also told 

the story of how he had discovered young Belgian VFX 

artist Gilles Augustijnen, whom he hired for a crucial 

scene in THE PERIPHERAL. The two met in person for 

the first time at VFX – and told their version of their 

shared story. 

Truly inspiring was a panel addressing mentorship. FMX 

curator Imke Fehrmann, Julie Ann Crommett and Nosipho 

Maketo-van den Bragt, involved WIA (Women in 

Animation) mentors and successful VFX producers, who 

discussed building strong connections, improving professional 

networks for support, and striving for equal 

opportunities and participation. All three agree that the 

industry needs more collaboration. “Real networking 

means unconditional connections”, Imke said – “it’s not 

about: What do I get out of it?” The message resonated 

strongly with the community. 

And then there was the aforementioned panel titled “30 

Years from Now” with Rob Bredow, Jan Pinkava and Sol 

Rogers who took peeks into the crystal ball. The takeaways 

were plenty. Rob: “We’re going to have so much 

compute power we could probably simulate a person 

down to a ridiculous level of detail.“ Sol: “One of the 

simplest things is to replace the windows in my house to 

show me a penthouse view instead of a basement view. 

So, the idea of the real estate and where I live is completely 

changed at the click of a button. The value proposition 

for that property no longer matters. It could be 

anywhere.” Jan: “One thing I predict: we will still be discussing 

what storytelling actually is.” 

Bernd Haasis 

AI IS NOW AT THE GATES – Mike Seynour, Ben Hansford, 

Bilawal Sidhu, Andy Cochrane, Elena Garces 

18

Mario Müller, Kim Davidson 

We’re going to have so much 

compute power we could 

probably simulate a person 

down to a ridiculous level of 

detail. 

POOR THINGS, Simon Hughes 

WIA Mentorship – Nosipho Maketo van den 

Bragt, Julie Ann Cormmett, Imke Fehrmann 

19

DREHBERICHT 

MIT DEM 

E-PORSCHE IN 

DIE TOSKANA 

20

Ein Drehbericht von Justin Roessler, Produktionsstudent 

MIT UNSEREM PROJEKT PORSCHE POST- 

CARDS WOLLEN HANNA FRIEDA LANGE 

(REGIE) UND ICH (PRODUCER JUSTIN ROESS- 

LER) EINE AUTOWERBUNG INSZENIEREN, 

DIE PRIMÄR FÜR WEIBLICHES PUBLIKUM 

KONZIPIERT IST, VON EINER REGISSEURIN 

UMGESETZT WIRD UND ZWEI PROTAGONIS- 

TINNEN IN DEN MITTELPUNKT STELLT. ZIEL 

IST ES, SO ANDERE FRAUEN ZU INSPIRIE- 

REN, IHRE LIEBE ZU SCHÖNEN AUTOS UND 

QUIETSCHENDEN REIFEN ZU TEILEN. DENN 

TATSACHE IST, DASS FRAUEN IM MOTOR- 

SPORT IMMER NOCH STARK UNTERREPRÄ- 

SENTIERT SIND UND IN AUTOWERBUNGEN 

OFT SEHR EINSEITIG DARGESTELLT WER- 

DEN. WIR WOLLEN EINE GESCHICHTE 

ERZÄHLEN, IN DER AUTHENTISCHE 

FRAUEN SPASS MIT DEM ULTIMATIVEN 

SPORTWAGEN HABEN: DEM ELEKTRISCH 

ANGETRIEBENEN PORSCHE TAYCAN. 

Begonnen hat unsere Reise dafür im Februar 

2024. Schnell wurde uns klar, dass unsere Vision 

eines Roadtrips quer durch Italien nicht 

besonders günstig und alles andere als einfach 

zu produzieren sein würde. Nachdem eine erste 

Kalkulation erstellt war, ging es schnell darum, 

kreative Lösungen zu finden, um zehn Drehtage 

Reiseproduktion zu finanzieren. Jeden Tag an 

einem anderen Drehort, mehrere Länder, 3.000 

km Fahrstrecke insgesamt – das war unser Plan. 

Nach vielen Gesprächen mit diversen Produktionsfirmen 

gingen wir auch auf private Investoren 

und verschiedene Porsche-Zentren zu 

und konnten schließlich das Porsche Zentrum 

Hofheim für uns gewinnen. Zu unserem großen Glück! 

Denn ohne ihre Unterstützung hätten wir uns die Miete 

eines Hochklasse-Sportwagens nur schwer leisten können. 

Neben einer finanziellen Unterstützung waren sie 

außerdem so lieb, uns einen nagelneuen Porsche Taycan 

samt Ladekarte für unseren Dreh bereitzustellen. Und 

als zusätzliches Sahnehäubchen gab es noch einen Porsche 

Cayenne als Produktionsfahrzeug für das Team und 

den gesamten Zeitraum obendrauf. 

Nachdem das Spielfahrzeug und die Finanzierung – 

die zwei größten Sorgenpunkte - gesichert waren, ging 

es nun darum, uns und unseren eigenen Ansprüchen 

gerecht zu werden. Mit zehn Tagen Reiseproduktion 

und täglich wechselnden Drehlocations hatten wir uns 

selbst nicht gerade die entspannteste Produktionsgrundlage 

geschaffen. Es galt, alle Abläufe so perfekt wie möglich 

vorzuplanen. Das geht nur, wenn man die Drehorte 

und ihre Umgebung kennt und weiß, was auf einen zu 

kommt. Also fuhren wir gemeinsam mit dem gesamten 

Produktionsteam vier Tage auf eine Tech-Recce (kurz für 

„Technische Rekognoszierung“ – eine Voruntersuchung, 

bei der technische Aspekte eines Projekts analysiert werden, 

Anm. d. Red.) nach Italien, besichtigten alle möglichen 

Locations, 

trafen lokale Fixer 

(Person, die organisatorische 

und 

logistische Aufgaben 

übernimmt, um 

Dreharbeiten zu ermöglichen, 

Anm. d. 

Red.), tranken viel 

Wein und aßen viel 

Käse, während wir 

Motivmieten verhandelten. 

Denn eines 

wurde schnell 

klar: In Italien produziert man Filme anders. Ganz anders. 

Mit sehr viel Ruhe und Gelassenheit. Und vor allem: 

ohne jegliche Hektik. Wir nahmen uns das italienische 

Mantra als Vorbild, beendeten die Tech-Recce und 

begannen mit der konkreten Planung. Casting starten, 

mobiles Catering organisieren, Hotels verhandeln und 

buchen, Fahrten koordinieren, Genehmigungen einholen 

und einen Lowloader und U-Crane auftreiben. Letzteres 

erwies sich als ziemlich schwierig - irgendwo in 

Italien und ohne riesige finanzielle Mittel. Aber auch 

hier fanden wir eine Lösung. Nach vielen Anfragen und 

Gesprächen konnten wir das Team von MB GRIP D.O.O. 

aus Slowenien für uns gewinnen. Von unserer Idee überzeugt, 

stellten sie uns ihre Fahrzeuge kostenlos zur Verfügung 

und reisten sogar extra aus Slowenien für den 

Dreh nach Italien. 

Schließlich war es soweit: der Cast, die Crew, alle Unterkünfte 

und Locations, alle Fahrzeuge, das Catering und 

die Auflösung standen. Am 01. Juni 2024 ging es los auf 

die Reise nach Italien. Erster Stopp: Dolomiten. Als wir 

dort auf 2.200 Metern Höhe ankamen, war das Wetter 

21

DREHBERICHT 

noch auf unserer Seite. Aber in den Bergen ist das Wetter 

tückisch und kann sich blitzschnell ändern. Innerhalb 

weniger Minuten zogen dicke Wolken auf und es begann 

in Strömen zu regnen, was uns gleich an unserem ersten 

richtigen Drehtag beinahe dazu zwang, unser Tagesvorhaben 

zu verschieben. Doch dank des tollen Teams 

waren wir in der Lage, flexibel auf das Wetter und das 

sich so verändernde Licht zu reagieren. Fix wurden andere 

Wetterbedingungen imitiert und Indoor-Shots vorgezogen. 

Und genau das zahlte sich am zweiten Tag auch 

aus. Besseres Wetter und klarer Himmel. Und so sollte es 

dann auch weitergehen. 

Frankfurt nachdrehen, was das Pensum der Reise etwas 

entzerrt hat. Und dann hoffen wir, schon sehr bald die 

finale Werbung auf verschiedenen Festivals zeigen zu 

können. 

Ich möchte mich an dieser Stelle als Producer riesig bei 

dem gesamten Team, dem Cast, der Crew und allen externen 

Helferinnen und Helfern bedanken, die es uns 

ermöglicht haben, ein so riesiges Projekt zu stemmen. 

Es ist nur euch zu verdanken, dass wir so professionell 

und ruhig, mit so viel Spaß und Leidenschaft durch diesen 

Dreh gekommen sind. Danke euch! 

Nach Stopps am Gardasee und den typischen Maremma-Hügeln 

der Toskana erreichten 

wir schließlich die Region um 

Bolgheri. Dort konnten wir bei angenehmen 

29 Grad täglich verschiedene 

Fahraufnahmen, Dialogszenen und 

Establisher Shots drehen. An den letzten 

beiden Tagen standen vor Ort die 

schwierigsten und relevantesten Szenen 

an: Die Fahraufnahmen mit dem 

U-Crane. Dafür hatten wir uns die 

Genehmigung eingeholt, eine knapp 5 

km lange Zypressenallee abzusperren, 

um verschiedene Überholszenarien zu 

inszenieren. Dabei gab es nur leider 

zwei Probleme: Zum einen kam es durch eine Misskommunikation 

dazu, dass ein Stuntfahrer fehlte und ich als 

Producer das Spielfahrzeug fahren musste. Zum anderen 

waren die italienischen Anwohner teilweise nicht 

sehr glücklich mit der Straßensperrung und bewarfen 

uns mit wüsten Beschimpfungen. Es ging so weit, dass 

sie mutwillig unsere Blockade durchbrachen und dabei 

bei unseren Manövern mit hoher Geschwindigkeit einen 

Unfall riskierten. Das große Learning ist hier wohl: Auch 

mit Genehmigung und Absperrung lassen sich nicht alle 

Straßen vollkommen räumen. Glücklicherweise kamen 

wir ohne Unfälle oder große Probleme durch beide Tage. 

Nach einem großartigen Abschlussfest am Vorabend 

(bei Sonnenuntergang am Strand von Italien – was gibt 

es Schöneres) traten wir am 9. Juni 2024 unsere zwölfstündige 

Heimreise an. 

Wieder sicher in Ludwigsburg angekommen, hieß es 

dann nur noch: Equipment zurückladen und die Crew 

heil nach Hause bringen. Heute, knapp einen Monat 

nach Drehschluss, steht die erste Schnittversion. Am 

2. August 2024 werden wir die Startszene des Films in 

22 

PORSCHE POSTCARDS 

WERBEFILM, CA. 60 SEKUNDEN 

REGIE & BUCH: HANNA FRIEDA LANGE 

PRODUCER: JUSTIN ROESSLER 

BILDGESTALTUNG: 

TIM BIEKER & VINCENT ECKERT 

MONTAGE: JONAS BAUMGÄRTEL 

TON: SEBASTIAN SCHMITT 

FILMMUSIK: MORITZ PETER 

PA: BELLA FRANK 

PA: SIBEL CHALKIAS 

REGIE PA: MADLEN MEDVEDOVSKYY 

PRODUKTION: 

FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG

23

FILMING REPORT 

DRIVING 

E-PORSCHE 

TO TUSCANY 

Filming report by Justin Roessler, Production student 

WITH OUR PORSCHE POSTCARDS 

PROJECT, HANNA FRIEDA LANGE 

(DIRECTOR) AND I (PRODUCER JUSTIN 

ROESSLER) WANT TO STAGE A CAR COM- 

MERCIAL THAT IS PRIMARILY DESIGNED 

FOR A FEMALE AUDIENCE, REALISED BY A 

FEMALE DIRECTOR 

AND FOCUSES ON 

TWO FEMALE PRO- 

TAGONISTS. THE 

AIM IS TO INSPIRE 

OTHER WOMEN TO 

SHARE THEIR LOVE 

OF BEAUTIFUL CARS 

AND SQUEALING 

TYRES. AFTER ALL, 

WOMEN ARE STILL 

VERY MUCH UN- 

DERREPRESENTED 

IN MOTORSPORTS AND GENDER STEREOTY- 

PING PREVAILS IN CAR ADVERTS. WE WANT 

TO TELL A STORY IN WHICH AUTHENTIC 

WOMEN HAVE FUN WITH THE ULTIMATE 

SPORTS CAR: THE ELECTRICALLY POWERED 

PORSCHE TAYCAN. 

Our journey began in February 2024, and we quickly realised 

that our vision of a road trip across Italy would not 

be particularly cheap and anything but easy to produce. 

Once an initial calculation had been made, we quickly 

had to find creative solutions to finance ten days of travel 

filming. A different filming location every day, several 

countries, travelling a total distance of 3,000 km – 

that was our plan. After many discussions with various 

production companies, we also approached private investors 

and various Porsche Centres and were finally able to 

win Porsche Centre Hofheim for the project. Lucky us! 

Without their support, we would have found it difficult 

to afford to hire of a high-end sports car. In addition to 

financial support, they were also kind enough to provide 

us with a brand-new Porsche Taycan including a charging 

card for our shoot. The icing on the cake was a Porsche 

Cayenne as the production vehicle for the team for 

the entire period. 

Once the production vehicle and financing – our two 

major concerns – had been taken care of, it was now 

about living up to our own expectations. With ten days 

of travel production and daily changing filming locations, 

we hadn‘t exactly created the most relaxed production 

background for ourselves. Everything had to 

be planned in advance as perfectly as possible. This can 

only be done if you know the locations and their surroundings 

and know what to expect. So we went to Italy 

with the entire production team for four days on a 

tech recce (editor`s note: ‘recce’ is short for ‘technical 

reconnaissance’ – a preliminary investigation in which 

the technical aspects of a project are analysed), visited 

all possible locations, met local fixers (editor`s note: ‘fixer’ 

is a person who takes on organisational and logistical 

tasks to make filming possible), drank lots of wine and 

ate lots of cheese while we negotiated location rentals. 

Because one thing quickly became clear: films are produced 

differently in Italy. Very differently. With a great 

deal of calm and composure. And above all: not in a hectic 

pace. We adopted the Italian mantra, finished the 

tech recce and started with our concrete planning: casting, 

organising mobile catering, negotiating and booking 

24

hotels, coordinating trips, obtaining permits and finding 

a low-loader and U-Crane. The latter proved to be quite 

difficult – somewhere in Italy and without huge financial 

resources. But a solution was found for this problem, 

too. After many enquiries and much discussion, we 

were able to win over the MB GRIP D.O.O. team from 

Slovenia. Convinced by our idea, they made their vehicles 

available to us free of charge and even travelled from 

Slovenia all the way to Italy for the shoot. 

Finally, the time had come when cast, crew, accommodation 

and locations, vehicles, catering and resolution 

all were in place. On 1 June 2024, they set off on their 

journey to Italy. First stop: the Dolomites. When we arrived 

at an altitude of 2,200 metres, the weather was 

on our side. But the weather can be treacherous in the 

mountains and change in a flash. Within a few minutes, 

thick clouds rolled in and rain started pouring down, 

which almost forced us to postpone our plans 

for the day on our first actual day of filming. 

But thanks to the great team, we were able to 

quickly respond to the weather and the changing 

light. We quickly imitated different weather 

conditions and preponed indoor shots. And 

that‘s exactly what paid off on the second day. 

The weather was better and the skies were 

clear. And that‘s how it continued. 

more beautiful), we set off on our twelve-hour return 

journey on 9 June 2024. 

After arriving safely in Ludwigsburg, all that was left to 

do was to bring in the equipment and take the crew back 

home safely. Today, just under a month after the end of 

filming, the first cut is done. On 2 August 2024, we will 

shoot the opening scene of the film in Frankfurt, which 

has eased the workload of the trip somewhat. And then 

we hope to be able to show the final advert at various 

festivals in the near future. 

As producer, I would like to take this opportunity to 

say a huge thank you to the entire team, the cast, the 

crew and all the external helpers who made it possible 

for us to pull off such a huge project. It is only thanks 

to you that we got through this shoot so professionally 

and calmly, with so much fun and passion. Thank you! 

After stops at Lake Garda and the typical 

Maremma hills of Tuscany, we finally reached 

the region of Bolgheri, where we were able to 

shoot various driving shots, dialogue scenes 

and establisher shots every day at a pleasant 

29 °C. On the last two days, the most difficult and relevant 

scenes were shot on location: The driving scenes 

with the U-Crane. We had obtained permission to close 

off an almost 5 km long cypress avenue to stage various 

overtaking scenarios. Unfortunately, we encountered 

two problems: Firstly, a miscommunication meant that 

we were missing a stunt driver, and I, as producer, had 

to drive the filmed vehicle. Secondly, some of the Italian 

residents were not very happy with the road closure 

and hurled wild insults at us. It went so far that they deliberately 

broke through our blockade and risked an accident 

during our high-speed manoeuvres. The big lesson 

here is probably that not all roads can be completely 

cleared, even with authorisation and barriers. Fortunately, 

we got through both days without any accidents or 

major problems. After a great closing party on the last 

evening (at sunset on the beach in Italy – what could be 

PORSCHE POSTCARDS 

ADVERTISING FILM, APPROX. 60 SECONDS 

DIRECTOR & WRITER: HANNA FRIEDA LANGE 

PRODUCER: JUSTIN ROESSLER 

CINEMATOGRAPHY: 

TIM BIEKER & VINCENT ECKERT 

EDITING: JONAS BAUMGÄRTEL 

SOUND: SEBASTIAN SCHMITT 

FILM MUSIC: MORITZ PETER 

PA: BELLA FRANK 

PA: SIBEL CHALKIAS 

DIRECTOR PA: MADLEN MEDVEDOVSKYY 

PRODUCTION COMPANY: 

FILMAKADEMIE BADEN-WUERTTEMBERG 

25


„Einem Film 

einen bestimmten, 

fertigen Look 

überzustülpen, 

halte ich für 

komplett falsch“ 

26

13 Fragen an Roland Stuprich, Absolvent Bildgestaltung/Kamera (2015) 

EIN GROSSER GEWINNER DES DEUT- 

SCHEN FILMPREISES 2024 WAR DER 

NOIR-THRILLER DIE THEORIE VON ALLEM 

(REGIE: TIMM KRÖGER) MIT BETEILIGUNG 

VIELER ALUMNI DER FILMAKADEMIE BA- 

DEN-WÜRTTEMBERG. AUSGEZEICHNET 

WURDE U.A. ROLAND STUPRICH IN DER KA- 

TEGORIE BESTE KAMERA/BILDGESTALTUNG. 

Geboren wurde Roland 1980 in Jimbolia, Rumänien. Von 

2009 bis 2015 studierte er Bildgestaltung/Kamera an der 

FABW. Seit seinem Abschluss hat seine Arbeit internationale 

Anerkennung gefunden und wurde bei Werbe- und 

Spielfilm- Festivals wie den Internationalen Filmfestspielen 

von Venedig, den Internationalen Filmfestspielen 

Berlin, dem Cannes Lions Festival, den Cannes Young Directors 

Awards, dem ADC Festival und den LIA Awards 

nominiert und ausgezeichnet. 

Als leidenschaftlicher Cineast umfasst sein Fachwissen 

sowohl traditionelle Filmtechniken als auch die neuesten 

digitalen Technologien, was es ihm ermöglicht, eine 

breite Palette von Stilen und Genres zu bedienen. Roland 

lebt aktuell in Berlin und arbeitet rund um den Globus 

als freiberuflicher Kameramann für Spielfilme und Werbespots. 

verteilt, auf dem steht, was man alles beachten soll. Ich 

hatte aber gar keine Zeit, mir den wirklich anzuschauen. 

Deswegen war ich also relativ entspannt. Andere Nominierte, 

mit denen ich gesprochen habe, waren total aufgeregt, 

weil sie so viele Termine hatten. Mein Gedanke 

war eher: Hoffentlich schaffe ich das rechtzeitig. Wir 

hatten nämlich unseren letzten Drehtag tatsächlich am 

Tag der Preisverleihung. Der Regieassistent hat die Planung 

extra so angelegt, dass wir relativ früh fertig geworden 

sind. Anschließend bin ich von Leipzig direkt 

dorthin gefahren und habe mich schnell im Back stage- 

Bereich umgezogen. 

Man hat mir gesagt, dass die Kategorie Kamera nach der 

Maske dran ist. Ich saß also die ganze Zeit da und war 

wie im Tunnel, bis ich meinen Namen hörte und wusste, 

jetzt muss ich aufstehen. Ich hatte auch keine vorformulierte 

Rede dabei, sondern nur im Kopf, dass es das 

Wichtigste ist, meiner Familie zu danken, und der Rest 

ergibt sich schon irgendwie. Das hat tatsächlich funktioniert. 

Einige Leute haben mir danach gesagt, dass sie 

meinen Auftritt sehr sympathisch fanden. Es ist natürlich 

eine große Ehre, diese Statue zu erhalten. Aber ich 

muss nicht ständig auf einer Bühne stehen. Dieser Moment 

war schon überwältigend genug für mich. 

Lieber Roland, fühlt man sich als Kameramann, der normalerweise 

nicht im Rampenlicht steht, eigentlich wohl 

auf einer großen Bühne? 

Ich habe mich bei der Verleihung ein wenig unwohl gefühlt, 

muss ich ehrlich sagen. Ich stand ja noch nie auf so 

einer Bühne, und wenn du dann die 1.500 Menschen im 

Saal siehst... Da habe ich schon ein bisschen das Flattern 

bekommen. Am Ende habe ich ja auch vergessen, 

mich bei der Regie zu bedanken. Ich habe Timms Namen 

dann noch beim Abgehen ins Mikrofon gerufen, 

während die Musik schon gespielt hat. Er fand das aber 

eigentlich ganz witzig. 

Das Gute war, dass ich gerade in Leipzig einen TATORT 

gedreht habe, als die Nominierungen bekanntgegeben 

wurden. Deshalb habe ich mir darüber gar keine Gedanken 

gemacht, weil ich jeden Tag elf Stunden am Set war. 

Die Deutsche Filmakademie hat zwar einen Infozettel 

Und was war für Dich der prägendste Eindruck 

bei der Verleihung des Deutschen Filmpreises? 

Wie gesagt, ich war noch nie auf so einer großen Veranstaltung. 

Weil wir so spät dran waren, sind wir als Letzte 

in den Saal gegangen, und die ganzen Lichter waren 

bereits eingeschaltet. Ich habe dann erst mal zwei Fotos 

gemacht, weil das so krass aussah mit all den Menschen 

im Saal. Das so zu erleben, war schon ein prägender Moment 

und ziemlich abgefahren. 

27


Bei DIE THEORIE VON ALLEM haben viele 

Alumni der FABW mitgewirkt. Wie hast Du die 

Zusammenarbeit mit Regisseur Timm Kröger 

und dem weiteren Team empfunden? Hilft es für 

die kreative Arbeit, wenn man den gleichen Background 

hat? 

Wir hatten vorher schon miteinander gearbeitet. Ich 

habe seinen Abschlussfilm ZERRUMPELT HERZ fotografiert. 

An der Filmakademie waren wir eine Clique: 

Timm Kröger, die Produzentin Viktoria Stolpe, der Drehbuchautor 

Roderick Warich und ich. Mit Timm habe ich 

mich gleich sehr gut verstanden, obwohl wir ganz unterschiedliche 

Menschen sind. Wir waren uns schnell einig, 

dass wir auch den nächsten Film zusammen machen 

wollen. Timm hat ZERRUMPELT HERZ und DIE THE- 

ORIE VON ALLEM als die ersten zwei Teile einer Trilogie 

angelegt. Am dritten Teil arbeitet er gerade. Die drei 

Filme sind vage durch die Charaktere miteinander verbunden. 

Die Zusammenarbeit mit Timm macht viel Spaß. Und 

auch mit Cosima Vellenzer, der Szenenbildnerin. Wir 

kennen uns von der "AKA" und waren fast alle im selben 

Jahrgang. Im Hauptstudium verschwimmen die Grenzen 

sowieso und das ist nicht mehr relevant. Bei einem Treffen 

neulich meinte Cosima, dass es sehr schön sei, wie 

schnell man sich wieder versteht, wenn man miteinander 

arbeitet, auch wenn man sich sonst nur selten sieht. 

Man muss gar nicht viel reden. Mit Timm ist das am 

Set genauso. Wir harmonieren einfach miteinander. Der 

Dreh war sehr familiär und bisher mein angenehmster, 

vor allem wegen des Teams. Obwohl es auch stressig war. 

Was hat euch bewogen, den Film in Schwarzweiß 

zu drehen und welche Auswirkungen auf die Atmosphäre 

und Bildsprache hatte das? 

Timm hat schon bei ZERRUMPELT HERZ angekündigt, 

dass die Fortsetzung Schwarzweiß wird. Das hatte er so 

im Kopf und war gesetzt. Der Film lebt auch davon. Für 

einen Dreh in Farbe wäre auch ein größeres Budget nötig 

gewesen, z.B. für die Ausstattung oder die Lichtsetzung. 

Der dritte Teil wird allerdings wieder farbig, als eine 

Art Klammer für die Trilogie. 

Du hattest vor Deinem Studium schon umfangreiche 

Erfahrungen im Filmbereich gesammelt. 

Was hat den Ausschlag gegeben, dass Du Dich für 

den Bereich Kamera entschieden hast? 

28 

Seit ich neunzehn war, wusste ich, dass ich zum Film 

will, nur nicht, in welche Richtung ich gehen will. Ich 

wollte einfach Geschichten erzählen. Also habe ich einen 

Kurs an der Volkshochschule belegt, geleitet von einem 

erfahrenen Kameramann. Während des Kurses haben 

wir als Gruppe einen Kurzfilm gedreht und dabei 

ist mir klar geworden, dass mich die Bilder interessieren, 

nicht die Regie oder irgendwas anderes. In meinem 

Urlaub habe ich dann Praktika gemacht, als Beleuchter 

oder im Bereich Grip und Licht. Ich war fasziniert von 

der Kamera. Wann immer ich konnte, stand ich neben 

dem Dolly und habe dem DP (Director of Photography) 

zugeschaut, wie er einleuchtet und ihn gefragt, wieso er 

das so macht und nicht anders. 

Dann habe ich mich an der Fachhochschule Dortmund 

für Kamera beworben, aber schon mit dem Gedanken, 

dass ich an die Filmakademie will. Mit meinen Arbeiten 

aus dem Vordiplom in Dortmund habe ich mich später 

in Ludwigsburg beworben. Das hat funktioniert. Zu dem 

Zeitpunkt hatte ich bereits einen gewissen Background 

und ein paar Kurzfilme gedreht. Mit 29 Jahren war ich 

im Vergleich zu vielen anderen relativ alt, aber das habe 

ich als Vorteil angesehen, weil ich wusste, was ich wollte 

und in welche Richtung ich gehen will. Vor allem wollte 

ich drehen, durch meine Arbeit auf mich aufmerksam 

machen und Leute kennenlernen. Und weil ich davor 

schon relativ lange gearbeitet hatte, war es für mich 

auch nochmal eine schöne Zeit, einfach fünf Jahre zu 

studieren und nichts anderes zu machen. Ich habe auch 

bis zu meinem Abschluss in Ludwigsburg gewohnt. Mir 

hat es da sehr gut gefallen. 

Nach dem Studium bin ich erstmal nach Darmstadt gezogen 

zu meiner Freundin. Aber irgendwann sind alle 

nach Berlin gegangen, auch mein Bruder. Als unsere 

Tochter ein Jahr alt war, sind wir dann auch nach Berlin 

gezogen. Ich glaube aber nicht, dass ich hier für immer 

bleiben werde. 

Du hast schon mehrfach mit Regisseur Züli 

Aladag gearbeitet. Habt ihr ein besonderes Vertrauensverhältnis 

zueinander oder ein gemeinsames 

kreatives Credo? 

Das ist ganz witzig. Züli wollte den Spielfilm DER KRI- 

MINALIST – DIE OFFENE TÜR erst mit einem anderen 

Absolventen der Filmakademie, Yoshi Heimrath, drehen. 

Aber der hatte keine Zeit. Und weil Züli ein alter Freund 

von Tommi Lechner (Zentraler Herstellungsleiter an der

FABW, s. Gespräch auf S. 84) ist, hat er ihn nach anderen 

Kameraleuten gefragt. Tommi hat dann meinen Namen 

genannt, ich habe mich mit Züli getroffen und wir 

hatten gleich einen guten Draht zueinander. Schon während 

des Drehs hat er mich gefragt, ob ich den Zweiteiler 

BRÜDER mit ihm machen will. Dann kamen die 

Irland-Krimis, und so kam eben ein Film nach dem anderen. 

Obwohl Züli damals schon sehr erfolgreich war, viele 

Filme gemacht hatte und auch etwas älter ist als ich, hat 

er mir gleich bei unserer ersten Zusammenarbeit vertraut. 

Er hat mir die Bildgestaltung total überlassen. Das 

ist vermutlich eher selten, dass man als junger Kameramann, 

der frisch von der Filmschule kommt, so einen 

Freiraum bekommt. Bei einem Fernsehfilm hat man 

zwar nicht so viel kreativen Spielraum, aber ich habe 

dann schon versucht, anders zu leuchten oder die Bilder 

etwas dunkler und „moodier“ zu gestalten. Das fand Züli 

gut. Wir waren also von Anfang an auf einer Wellenlänge 

und die Zusammenarbeit mit ihm macht sehr viel Spaß. 

Würdest Du sagen, dass Du in puncto Bildgestaltung 

eine eigene, unverwechselbare Handschrift 

hast? Oder stellst Du Dich auf jeden Film 

neu ein? 

Ich hoffe nicht, dass man es erkennt. Schon während der 

Filmakademie habe ich immer versucht, die unterschiedlichsten 

Projekte zu machen. Ich möchte überhaupt 

nicht zugeordnet werden. Egal, ob es um Gestaltung 

oder eine bestimmte Technik geht, um Kamerafahrten, 

lange Einstellungen oder den Einsatz einer Handkamera: 

Ich versuche immer, eine Balance zu halten. 

Zum Beispiel habe ich in dem Jahr, in dem ich mit Timm 

DIE THEORIE VON ALLEM gedreht habe, auch eine 

Horrorserie mit Daniel Rübesam realisiert, mit dem ich 

ebenfalls studiert habe. Letztes Jahr war ich mit Roderick 

Warich, einem weiteren ehemaligen Kommilitonen, 

in Thailand, wo wir nachts in den Straßen von Bangkok 

mit ganz kleinem Besteck, viel Improvisation und langen 

Handkamera-Takes gedreht haben. Diese Bandbreite 

finde ich total wichtig. Ich versuche wirklich, sehr unterschiedlich 

zu sein, und so gehe ich auch an die Projekte 

ran. Einem Film einen bestimmten, fertigen Look 

überzustülpen, halte ich für komplett falsch. Ich möchte 

lieber herausfinden, was die richtige Herangehensweise 

für den jeweiligen Film ist und wie ich ihn am besten 

visuell erzähle. Deswegen hoffe ich, dass man keinen bestimmten 

Stil sieht. 

Welches Deiner Projekte war für Dich bisher die 

größte künstlerische Herausforderung und warum? 

Das war auf jeden Fall DIE THEORIE VON ALLEM – im 

positiven Sinn. Nicht nur, weil der Film in Schwarzweiß 

gedreht ist. Wenn man ihn anschaut, fühlt man sich 

wirklich in die Zeit zurückversetzt, und genau das war 

die Herausforderung. Bei vielen modernen, digital gedrehten 

Schwarzweißfilmen sieht man einfach, dass sie 

im Hier und Heute entstanden sind, auch wenn sie in 

der Vergangenheit spielen. Dadurch, dass wir nicht so 

viel Geld für die Ausstattung hatten und selten nahe Einstellungen 

verwendet haben, war es besonders schwierig, 

diesen authentisch-historischen Look hinzukriegen. 

Auch das Licht war anspruchsvoll. Wir wollten einen 

Noir-Look schaffen, der zum Ende hin weicher wird 

und an die Nouvelle Vague erinnert. Wir hatten erst ein 

bisschen Angst, dass wir das nicht hinbekommen. Aber 

Timm und ich haben eine sogenannte LUT (look-up table) 

gebaut, die es der ganzen Crew ermöglichte, das Bild 

am Monitor so zu betrachten, wie es später im Film aussehen 

würde. Dadurch hatten wir schon am Set ein gutes 

Gefühl, weil das Bild einem alten Ilford-Film ähnelte, 

sehr rauschig und kontrastreich. Und jetzt höre ich von 

vielen Leuten, die DIE THEORIE VON ALLEM im Kino 

gesehen haben, dass sie nach 10 Minuten wirklich dachten, 

einen Film aus der damaligen Zeit zu sehen. 

Dein Bruder Robert hat ebenfalls an der FABW 

studiert, im Studiengang Montage/Schnitt. 

Ihr habt schon einmal bei einem Film zusammengearbeitet. 

Gestaltet sich das durch eure 

familiäre Bindung anders als mit anderen Editor*innen? 

Es hat lange gedauert, bis wir zusammengearbeitet haben. 

Wir haben ja während des Studiums an der Filmakademie 

zusammengewohnt, aber immer mit verschiedenen 

Leuten gearbeitet, obwohl die alle aus unserem 

Freundeskreis stammten. Ich habe tatsächlich erst letztes 

Jahr mit ihm zusammengearbeitet, als ich in Hamburg 

den Fernsehfilm AM ENDE DER WAHRHEIT gedreht 

habe. Da konnte der vorgesehene Cutter nicht, also habe 

ich der Regisseurin Saralisa Volm meinen Bruder empfohlen 

und er hat den Job übernommen. Das hat mich 

natürlich sehr gefreut. Aber eigentlich arbeitet man ja 

gar nicht richtig zusammen, weil ich am Set bin und er 

steigt dann etwas später in der Postproduktion ein. Im 

Schnittprozess bin ich dann gar nicht mehr dabei. Das 

29


Gute ist natürlich, dass mein Bruder weiß, wie ich ticke 

und wir uns deshalb sehr gut austauchen können. Aber 

bisher haben wir erst dieses eine Mal gemeinsam an einem 

Film gearbeitet. 

Ich habe keine festen 

Präferenzen, sondern suche 

die Technik speziell für 

jedes Projekt aus. Was ich 

als erstes aussuche und 

was mir als Stilmittel am 

wichtigsten ist, 

sind die Optiken. 

Hast Du eine bevorzugte Kameraausrüstung oder 

bestimmte technische Hilfsmittel, die Du 

bei Deiner Arbeit bevorzugst? Wie wählst Du 

die Ausrüstung für unterschiedliche Projekte 

aus? Und drehst Du lieber analog oder digital? 

Ich würde nicht sagen, dass ich eine Vorliebe habe. Als 

ich Praktika gemacht habe, drehte man noch auf Super 

16, einschließlich der ganzen TATORTE und 90-Minüter. 

Als ich an die Filmakademie kam, wurde gerade die 

„RED“ (eine der ersten professionellen digitalen Filmkameras, 

Anm. d. Red.) neu eingeführt und das Techniklager 

hat zwei Exemplare angeschafft. Das war damals ganz 

neu. In Dortmund haben wir noch auf Film gedreht und 

Übungen gemacht. Das war auch an der „AKA“ im zweiten 

Jahr des Grundstudiums noch so. Wir haben noch 

selbst mit Film experimentiert und in der Badewanne 

entwickelt. Heutzutage ist es schwierig, ein Projekt 

auf Film zu drehen, wegen der hohen Kosten und weil 

die Infrastruktur gar nicht mehr vorhanden ist. Aber es 

30 

muss auch nicht unbedingt sein. Die digitale Technik ist 

mittlerweile unheimlich weit fortgeschritten und bietet 

wahnsinnig viele Möglichkeiten. 

Ich habe keine festen Präferenzen, sondern suche 

die Technik speziell für jedes Projekt aus. 

Was ich als erstes aussuche und was mir als 

Stilmittel am wichtigsten ist, sind die Optiken. 

Über die Optiken kannst du viel mehr erzählen 

als mit der Kamera. Für DIE THEORIE VON 

ALLEM hätte es am Ende keinen großen Unterschied 

gemacht, wenn wir statt mit der AR- 

RI-Kinokamera mit einer Sony gedreht hätten. 

Auch kleinere Kameras, wie ich sie in Thailand 

verwendet habe, können ähnliche Ergebnisse 

liefern wir die größeren von ARRI oder 

Sony. Die Optiken dagegen prägen den Look eines 

Films, z.B. ob das Bild wärmer oder kühler 

oder das Licht weicher oder härter wirkt. 

Wird das Thema Künstliche Intelligenz im Bereich 

Kamera in den nächsten Jahren ebenfalls eine 

Rolle spielen? 

Damit habe ich mich, ehrlich gesagt, noch nicht so richtig 

beschäftigt. Spannend könnte KI sicher im Bereich 

Previz (Prävisualisierung) werden. Wenn zum Beispiel 

Technologien wie Apple Vision auch nach Deutschland 

gelangen, können wir viel schneller durch verschiedene 

Motive gehen und Dinge visualisieren. Bewegte Storyboards 

werden in der Kommunikation mit der VFX-Abteilung 

zunehmend wichtig werden. Ebenfalls spannend 

könnte sein, mit Hilfe der KI schneller einen Look zu 

kreieren oder Moodboards zusammenzustellen, was ich 

als Stilmittel sehr gern nutze. Ich schreibe nicht viel 

Text, sondern ordne einem Charakter eine bestimmte 

Farbe zu, an der sich die Regie dann orientieren kann. 

Mit der KI müsste man nicht mehr mühsam in einer 

Datenbank suchen, sondern könnte Moods bzw. Bilder 

selbst virtuell kreieren. Man könnte zum Beispiel eingeben: 

Ich hätte jetzt gern einen Mann, der in der Ecke 

steht, gegenüber ist ein Fenster, der Raum ist gelblich 

und dann gibt es noch einen Kronleuchter an der Decke. 

Aber wie gesagt, beim Thema KI habe ich noch viel 

Nachholbedarf. 

Wie würdest Du die Erfahrung Deines Studiums 

an der Filmakademie rückblickend zusammenfassen? 

Und würdest Du Dich heute noch einmal 

für die FABW entscheiden?

Definitiv, ich war sehr gerne an der Filmakademie, kann 

sie jedem empfehlen und ich selbst würde sofort wieder 

dort studieren. Das war eine richtig schöne Zeit. Ich hatte 

mich auch in Potsdam beworben und war da schon in 

der zweiten Aufnahmerunde. Gott sei Dank hat es nicht 

geklappt. Ludwigsburg ist eine eigene Welt, in der man 

keine Ablenkung hat und sich ganz aufs Studium konzentriert. 

Wenn ich in Berlin studiert hätte, wäre ich 

vermutlich vor allem mit den Leuten unterwegs gewesen, 

die ich schon kannte. An der Filmakademie musstest 

du Freunde finden. Das ging gar nicht anders. Das 

Schöne daran war, dass man sich mit den Leuten zusammengetan 

hat, die ähnliche Interessen und Vorlieben haben. 

Und dieses Prinzip funktioniert hervorragend. Es 

ist immer wieder beeindruckend zu sehen, wie Leute 

aus bestimmten Jahrgängen auch nach ihrem Abschluss 

weiter gemeinsam Filme drehen und dabei unglaublich 

gute Ergebnisse erzielen. Und ich glaube, das wird auch 

in Zukunft so sein und liegt daran, dass die Filmakademie 

eine eigene Welt mit einer verschworenen Gemeinschaft 

ist. 

und wollte wissen, wer der Kameramann war. Das führte 

mich wiederum zu den Filmen von Darius Khondji, 

dessen Meisterschaft mit dem Umgang von Licht und 

Farbe mich besonders beeindruckt hat - zum Beispiel in 

SIEBEN von David Fincher. Die faszinierenden Farben 

und die düstere Atmosphäre in seinen Arbeiten haben 

mich sehr inspiriert. 

In Düsseldorf saß ich morgens mit einem Freund, der 

Filmvorführer war, in einer Privatvorstellung im Kino. 

Zu zweit haben wir DIE ERMORDUNG DES JESSE 

JAMES DURCH DEN FEIGLING ROBERT FORD angeschaut. 

Besonders beeindruckt haben mich die Weiten, 

die von DP Roger Deakins in Szene gesetzt worden waren. 

An der Filmakademie habe ich sehr gern das Filmklassiker-Seminar 

von Fred van der Kooij besucht. In einer 

Session hat er THE MAN FROM LONDON von Béla 

Tarr gezeigt, den ich bis dahin gar nicht kannte. Danach 

begann ich, die Filme von Béla Tarr zu entdecken. Ich 

könnte jetzt noch ewig so weitermachen (lacht)… 

Zum Abschluss: Welche Filme haben Dich nachhaltig 

geprägt und warum? 

Das ist eine schwierige Frage. Eine Inspiration für mich 

war, als ich FIGHT CLUB von David Fincher im Kino 

gesehen habe. Der Film hat mich so beeindruckt, dass 

ich ihn immer wieder angesehen habe. Damals reifte die 

Idee in mir, selbst im Filmbereich zu arbeiten. In Düsseldorf 

hatten wir viele Kleinkunstkinos, in denen ich einige 

wirklich abgefahrene Filme gesehen habe. 

Die Filme, die mich inspiriert haben, sind ebenso vielfältig 

wie die Art und Weise, mit der ich heute an meine 

Projekte herangehe. DELICATESSEN von Jean-Pierre 

Jeunet hat mich total geflasht. Danach habe ich DIE 

STADT DER VERLORENEN KINDER von ihm gesehen 

LINK: 

ROLANDSTUPRICH.COM 

Es ist immer wieder 

beeindruckend zu sehen, 

wie Leute aus bestimmten 

Jahrgängen auch nach 

ihrem Abschluss weiter 

gemeinsam Filme drehen 

und dabei unglaublich 

gute Ergebnisse erzielen. 

31


32

„I think it‘s completely wrong 

to impose a certain, finished look 

on a film“ 

13 questions for Roland Stuprich, Graduate, Cinematography (2015) 

BIG WINNER OF THE GERMAN FILM 

A AWARD 2024 WAS THE NOIR THRILLER 

DIE THEORIE VON ALLEM (THE UNIVERSAL 

THEORY, DIRECTOR: TIMM KRÖGER) WITH 

THE PARTICIPATION OF MANY FILMAKADE- 

MIE BADEN-WUERTTEMBERG ALUMNI. ONE 

OF THOSE IS ROLAND STUPRICH, WHO WAS 

HONOURED IN THE BEST CINEMATOGRAPHY 

CATEGORY. 

Roland was born in 1980 in Jimbolia, Romania. From 

2009 to 2015, he studied Cinematography at FABW. Since 

graduating, his work has gained international recognition, 

and he has been nominated and distinguished at 

both commercial and feature film festivals such as the 

Venice International Film Festival, the Berlin International 

Film Festival, the Cannes Lions Festival, the 

Cannes Young Directors Awards, the ADC Festival, and 

the LIA Awards. 

Being a passionate cinephile, his expertise encompasses 

both traditional film techniques and the latest digital 

technologies. These skills enable him to cater for a wide 

range of styles and genres. Roland is currently based in 

Berlin, from where he works around the globe as a freelance 

cinematographer for feature films and commercials. 

announced. So, I didn't think about it at all because I 

was on set for eleven hours a day. The German Film 

Academy did hand out an information sheet with all the 

things you need to bear in mind. I didn't really have 

time to look at it, though. So, I was relatively relaxed. 

Other nominees I spoke to were really excited because 

they had so many appointments. My thought was more 

along the lines of: I hope I can make it in time. We actually 

had our last day of filming on the actual day of the 

awards ceremony. The assistant director had planned the 

schedule so that we could finish relatively early. I then 

travelled straight there from Leipzig, where I quickly 

changed in the backstage area. 

I was told that the cinematograhy category comes after 

make-up. So, I sat there the whole time and felt like I 

was in a tunnel until I heard my name and knew I had 

to get up now. I didn't have any prepared speech; I simply 

had it in my head that the most important thing was 

to thank my family and the rest would somehow fall into 

place. That actually ended up working out. Some people 

told me afterwards that they really liked my performance. 

It is of course a great honour to receive this 

statue. But I don't have to be on stage all the time. That 

moment was already overwhelming enough for me. 

And what was the most formative impression for 

you at the German Film Awards ceremony? 

Dear Roland, as a DP (director of photography) 

who is not normally in the limelight, do you actually 

feel comfortable on such a big stage? 

Honestly, I felt a little uncomfortable at the award ceremony. 

I've never been on a stage like this before, and 

when I saw the 1,500 people in the hall, I started feeling 

a bit nervous. At the end, I forgot to thank the director. 

I called Timm's name into the microphone as I was leaving 

the stage, while the music was already playing. But 

he actually thought it was quite funny. 

As I said, I've never been to such a big event before. Because 

we were so late, we were the last to enter the hall 

and all the lights had already been switched on. I took 

two photos because it looked so amazing with all the 

people in the hall. Experiencing it like that was a defining 

moment and pretty crazy. 

Many FABW alumni were involved in THE UNIVER- 

SAL THEORY. How did you find working with director 

Timm Kröger and the rest of the team? Does it help 

the creative work when you have the same background? 

The good thing was that I was filming a TATORT 

crime thriller in Leipzig when the nominations were 

We had already worked together in the past. I photographed 

his graduation film ZERRUMPELT HERZ (THE 

33


I‘ve known since I was 

nineteen that I wanted to 

go into film, I just didn‘t 

know which direction 

I wanted to go in. I just 

wanted to tell stories. 

What made you decide to shoot the film in black 

and white and what effect did that have on the 

atmosphere and visual language? 

Timm had already announced in THE COUNCIL OF 

BIRDS that the sequel would be in black and white. He 

had that in mind and it was set. The film also lives from 

that. Shooting in colour would have required a bigger 

budget, e.g. for the set or the lighting. However, the third 

part will be in colour again, as a kind of bracket for the 

trilogy. 

You already had extensive experience 

in the film industry before 

your studies. What was the deciding 

factor in your decision to 

specialise in cinematography? 

COUNCIL OF BIRDS). We were a clique at the Filmakademie: 

Timm Kröger, the producer Viktoria Stolpe, 

the screenwriter Roderick Warich, and me. I got on very 

well with Timm right from the beginning, even though 

we are very different people. We quickly agreed that we 

also wanted to make the next film together. Timm has 

designed THE COUNCIL OF BIRDS and THE UNIVER- 

SAL THEORY as the first two parts of a trilogy. He is 

currently working on the third part. The three films are 

vaguely linked by the characters. 

Working with Timm is a lot of fun. And also with Cosima 

Vellenzer, the production designer. We know each 

other from "AKA" and were almost all in the same year. 

In the graduate course of studies, the boundaries become 

blurred anyway, and that's no longer relevant. At a recent 

meeting, Cosima said that it was really nice how quickly 

you can pick up where you left off when you work together, 

even if you only see each other rarely. You don't 

have to talk much at all. It's the same with Timm on set. 

We simply harmonise with one another. The shoot was 

very informal and my favourite so far, especially because 

of the team. Although there is no denying that it was also 

stressful. 

34 

I've known since I was nineteen that 

I wanted to go into film, I just didn't 

know which direction I wanted to go 

in. I just wanted to tell stories. So, I 

took a course at the adult education 

centre, led by an experienced cameraman. 

During the course, we shot a 

short film as a group, and I realised 

that I was interested in the images, 

not in directing or anything else. During my holiday, I 

did internships as a lighting technician or in the grip 

and lighting department. I was fascinated by the camera. 

Whenever I could, I stood next to the dolly and watched 

the DP light up, and asked him why he did what he did 

in that way and not any other way. 

Then I applied to the Dortmund University of Applied 

Sciences and Arts for Cinematography, although I was already 

thinking that I wanted to go to the Filmakademie. 

I later applied to Ludwigsburg with my work from my 

intermediate diploma in Dortmund. That worked out. At 

that point, I already had a certain background and had 

made a few short films. At 29, I was relatively old, when 

compared to many others, but I saw that as an advantage 

because I knew what I wanted and in which direction I 

wanted to go. Above all, I wanted to make films, draw 

attention to myself through my work and get to know 

people. And because I had already worked for a relatively 

long time before that, it was also a nice time for me 

to simply study for five years and do nothing else. I also 

lived in Ludwigsburg until I graduated, and I really 

liked it there.

After graduating, I first moved to Darmstadt to live with 

my girlfriend. At some point, though, everyone moved 

to Berlin, including my brother. When our daughter was 

a year old, ended up moving to Berlin, too. But I don't 

think I'll stay here forever. 

You've worked with director, Züli Aladag, several 

times. Do you have a special relationship of trust 

with each other or a shared creative credo? 

That's quite funny. Züli first wanted to shoot the feature 

film THE CRIMINALIST - THE OPEN DOOR with another 

Filmakademie graduate, Yoshi Heimrath. But he 

didn't have time. And because Züli is an old friend of 

Tommi Lechner (Head of Physical Production at FABW, 

see interview on p. 89), he asked him about other cinematographers. 

Tommi then mentioned my name. I then 

met up with Züli, and we immediately had a good rapport. 

During the shoot, he asked me if I wanted to do 

the two-part film BROTHERS with him. Then came the 

Irish crime thrillers, and so one film followed another. 

Although Züli was already very successful at the time, 

had made many films and was also a bit older than me, 

he trusted me right from our first collaboration. He totally 

left the picture design to me. It's probably quite rare 

for a young cameraman, fresh out of film school, to 

be given such freedom. You don't have as much creative 

freedom in a TV film, but I did try to use different lighting 

or make the images a little darker and moodier. Züli 

liked that. So, one could say we were on the same wavelength 

right from the start and working with him was 

a lot of fun. 

Would you say that you have your own, unmistakable 

signature when it comes to cinematography? 

Or do you have a wholly fresh approach to 

each new film? 

I hope it's not recognisable. Even during the Filmakademie, 

I always tried to make the most diverse projects. 

I don't want to be categorised at all. Whether it's about 

design or a certain technique, tracking shots, long takes 

or the use of a handheld camera: I always try to maintain 

a balance. 

For example, in the same year that I shot THE UNIVER- 

SAL THEORY with Timm, I also realised a horror series 

with Daniel Rübesam, with whom I also studied. Last 

year, I was in Thailand with Roderick Warich, another 

former fellow student, where we shot at night in the 

streets of Bangkok with very small equipment, a lot of 

improvisation and long handheld camera takes. I think 

being able to master this range is really important. I really 

try to be very different, and that's how I approach 

the projects. I think it's completely wrong to impose a 

certain, finished look on a film. I'd rather find out what 

the right approach is for each film and how best to tell 

it visually. That's why I hope that you don't see any particular 

style. 

Which of your projects has been the biggest 

artistic challenge for you so far and why? 

That was definitely THE UNIVERSAL THEORY - in a 

positive sense. Not only because it is a black and white 

film. When you watch it, you really feel like you've been 

transported back in time, and that was the challenge. 

With many modern, digitally-shot black and white films, 

you can see that they were made in the here and now, 

even if they are set in the past. Because we didn't have 

35


that much money for the equipment and rarely used 

close-ups, it was particularly difficult to achieve this authentic 

historical look. The lighting was challenging, too. 

We wanted to create a noir look that softened towards 

the end and was reminiscent of the Nouvelle Vague. At 

first, we were a little worried that we wouldn't be able 

to pull it off. But Timm and I built a so-called LUT (lookup 

table), which enabled the whole crew to view the image 

on the monitor as it would later look in the film. 

This gave us a good feeling on set because the image resembled 

an old Ilford film, very noisy and rich in contrast. 

And now I hear from many people who have seen 

THE UNIVERSAL THEORY in the cinema that, already 

after 10 minutes, they really thought they were watching 

a film from that era. 

Your brother, Robert, also studied at FABW, in 

the editing course of studies. You have worked 

together on a film before. Is it different than with 

other editors, because of your family ties? 

It took a long time for us to work together. We lived together 

during our studies at the Filmakademie, but we 

always worked with different people, even though they 

were all friends of ours. I actually only worked with him 

last year, when I was shooting the TV film AM ENDE 

DER WAHRHEIT (AT THE END OF TRUTH) in Hamburg. 

The intended editor couldn't make it, so I recommended 

my brother to the director, Saralisa Volm, and 

he took on the job. Of course I was very happy about 

that. Actually, though, we don't really work together, 

because I'm on set, while he comes in a little later, in 

post-production. I'm no longer involved in the editing 

process. Needless to say, though, the good thing is that 

my brother knows how I tick, and we can therefore exchange 

ideas very well. To date, however, we've only 

worked together on a film once. 

Do you have a favourite camera equipment or certain 

technical tools that you prefer in your work? How do 

you choose equipment for different projects? And do 

you prefer analogue or digital shoots? 

I wouldn't say I have a preference. When I was doing 

internships, they were still shooting on Super 16, including 

all the TATORT thrillers and 90-minute films. 

When I came to the Filmakademie, the "RED" (one of 

the first professional digital film cameras, editor's note) 

had just been introduced, and the technical warehouse 

bought two of them. That was brand new at the time. In 

Dortmund, we were still shooting on film and doing exercises. 

That was still the case at the "AKA" in the second 

year of the undergraduate studies. We still experimented 

with film ourselves and developed it in the bathtub. 

Nowadays it's difficult to shoot a project on film due to 

the high costs, and also because the infrastructure is no 

longer available. Yet, it is not necessarily essential. Meanwhile, 

digital technology is incredibly advanced, and it 

offers an incredible number of possibilities. 

I don't have any fixed preferences, but choose the technology 

specifically for each project. What I choose first 

and what is most important to me as a stylistic device are 

the lenses. You can do a great deal more with the lenses 

than with the camera. For THE UNIVERSAL THEORY, 

at the end of the day, it wouldn't have made much difference 

if we had shot with a Sony instead of the AR- 

RI cinema camera. Even smaller cameras, like the ones I 

used in Thailand, can deliver similar results to the larger 

ARRI or Sony cameras. The lenses, on the other hand, 

shape the look of a film, e.g., whether the image appears 

warmer or cooler or the light softer or harder. 

Will artificial intelligence also play a role in the 

camera sector in the coming years? 

To be honest, I haven't really looked into it yet. AI could 

certainly become exciting in the area of Previz (pre-visualisation). 

If, for example, technologies such as Apple 

Vision come to Germany, we will be able to go through 

different motifs and visualise things much more quickly. 

Moving storyboards will become increasingly important 

in communication with the VFX department. It could also 

be exciting to create a look faster with the help of AI 

or to put together mood boards, which I really like to use 

as a stylistic device. I don't write a lot of text, but assign a 

certain colour to a character, which the director can then 

use as a guide. With AI, you no longer have to laboriously 

search for a database, but can create moods or images 

virtually yourself. For example, you could enter: I would 

like to have a man standing in the corner, there is a window 

opposite, the room is yellowish and then there is a 

chandelier on the ceiling. However, as I already said, I 

still have a lot of catching up to do when it comes to AI. 

Looking back, how would you summarise the experience 

of your studies at the Filmakademie? 

And would you choose FABW again today? 

36

Definitely, I really enjoyed studying at the Filmakademie, 

and I can recommend it to anyone. I would also 

study there again in a heartbeat. It was a really nice time. 

I also applied to Potsdam and was already in the second 

round of admissions. Thank God it didn't work out. Ludwigsburg 

is a world of its own, where you have no distractions 

and can concentrate fully on your studies. If 

I had studied in Berlin, I probably would have mainly 

been out and about with the people I already knew. 

At FABW, you had to make friends. There simply was no 

other way. The nice thing about it, was that you socialised 

with people who had similar interests and preferences. 

And this principle works brilliantly. 

It's always impressive to see how people from certain 

classes and study programmes continue to make films 

together after graduation and achieve incredibly good results. 

And I believe this will continue to be the case in 

the future. I am convinced that this is due to the fact that 

the Filmakademie is a world of its own, with a close-knit 

community. 

In conclusion: Which films have had a lasting 

impact on you and why? 

That's a difficult question. One inspiration for me was 

when I saw FIGHT CLUB by David Fincher in the cinema. 

The film impressed me so much that I watched it 

again and again. It was then that I had the idea of working 

in film myself. We had a lot of small cinemas in Düsseldorf, 

where I saw some really crazy films. 

The films that inspired me are just as diverse as the way 

I approach my projects today. DELICATESSEN by Jean- 

Pierre Jeunet totally blew me away. After that, I saw his 

film THE CITY OF LOST CHILDREN and wanted to 

know who the cinematographer was. This, in turn, led 

me to the films of Darius Khondji, whose mastery of 

light and colour were particularly impressive for me - 

for example in SEVEN by David Fincher. The fascinating 

colours and the dark atmosphere in his work inspired 

me a lot. 

In Düsseldorf, I sat in a private cinema screening in the 

morning with a friend who was a projectionist. The 

two of us watched THE ASSASSINATION OF JESSE 

JAMES BY THE COWARD ROBERT FORD. I was particularly 

impressed by the vastness of the film, which 

had been staged by DP Roger Deakins. At the Filmakademie, 

I really enjoyed attending Fred van der Kooij's film 

classics seminar. In one session, he showed THE MAN 

FROM LONDON by Béla Tarr, which I hadn't seen before. 

After that, I started to discover Béla Tarr's films. I 

could go on like this forever (laughs)... 

It‘s always impressive 

to see how people from 

certain classes and study 

programmes continue to 

make films together after 

graduation and achieve 

incredibly good results. 

LINK: 

ROLANDSTUPRICH.COM 

Stills & Set Photos: 

DIE THEORIE VON ALLEM 

37


WEITERE INFORMATIONEN / 

MORE INFORMATION: 

WWW.ANIMATIONSINSTITUT.DE 

INFO@ANIMATIONSINSTITUT.DE 

TEL +49 7141 969 82800 

38


DIRECTOR OF ANIMATIONS- 

INSTITUT / LEITUNG 



HEAD OF FINANCE / 

KAUFMÄNNISCHE LEITUNG 

STEFANIE HOPPE 

SENIOR LECTURERS / LEITENDE 

DOZIERENDE 

PROF. ANDREAS HYKADE / 

ANIMATION 

ANNA BRINKSCHULTE / 

INTERACTIVE MEDIA 

PROF. LILIAN KLAGES / 

ANIMATION/EFFECTS PRODUCING 

PROF. VOLKER HELZLE / 

TECHNICAL DIRECTING 

ADMINISTRATION & 

PROCUREMENT / BESCHAFFUNG 

RENATA EARNSHAW-MATHIASCH 

COMMUNICATION / 

KOMMUNIKATION 

THERESA SEITZ 

CHRISTIANE ORTMANN 

JULIA GRAF 

AMELIE KANT 

HEAD OF TECHNOLOGY / 

TECHNISCHE LEITUNG 

STEFAN BINGGESER 

EXECUTIVE ASSISTANT / 

ASSISTENZ INSTITUTSLEITUNG 

MELANIE KLEMENZ 

STUDIES / LEHRE 

STUDIES COORDINATION / 

STUDIUM 

CONSTANZE BÜHNER 

HANNAH KONTOS 

ANN-KATHRIN EGLSOER 

COORDINATION INTERNATIONAL 

NETWORK / INTERNATIONALI- 

SIERUNG 

ALEXANDRA JOSHI 

PRODUCTION / PRODUKTION 

ANNA MATACZ 

YANNICK PETZOLD 

PHILIPP OBLÄNDER 

TALENT INITIATIVES & PRODUC- 

TIONS BEYOND STUDY / TALENT- 

FÖRDERUNG & PRODUKTIONEN 

BEYOND STUDY 

CHRISTIAN MÜLLER 

PROJECT COORDINATION / 

PROJEKTBETREUENDE 

ANDREAS ULMER 

VALENTIN KEMMNER 

BENEDIKT KAFFAI 

RESEARCH & DEVELOPMENT / 

FORSCHUNG & ENTWICKLUNG 

PROF. VOLKER HELZLE 

SIMON SPIELMANN 

JONAS TROTTNOW 

DR. ALEXANDER KREISCHE 

LISA FORELLI 

EDUARD SCHÄFER 

LESZEK PLICHTA 

ALEXANDRU TUFIS-SCHWARTZ 

SIMON HAAG 

FRANCESCO ANDREUSSI 

THOMAS KRÜGER 

YVONNE KRÜHLER 

MANAGEMENT 

FINANCES / FINANZEN 

NICOLE KÖPPE 

SELINA WEILGUNY 

LEAH ASBURY 

ADMINISTRATION & HR / 

PERSONAL 

ANJA FELLERHOFF 

TECHNOLOGY / TECHNIK 

IT 

VIET NGUYEN 

JOHN HOLTH 

THOMAS DEL POPOLO 

POST-PRODUCTION / 

POSTPRODUKTION 

MICHAEL SCHOTT 

STAFF POSITIONS / 

STABSSTELLEN 

PROJECT MANAGEMENT & MEDIA 

PRODUCTION / PROJEKT KOORDI- 

NATION & MEDIENPRODUKTION 

DR. ALEXANDER KREISCHE 

PROJECT MANAGEMENT IT 

APPLICATIONS / PROJEKT- 

MANAGEMENT IT-ANWENDUNGEN 

CHRISTIANE GEYER 

FESTIVAL COORDINATION / 

FESTIVALKOORDINATION 

ANKE KLETSCH 

INSTAGRAM: @ANIMATIONSINSTITUT 

LINKEDIN: ANIMATIONSINSTITUT 

YOUTUBE: FILMAKADMIE BADEN-WÜRTTEMBERG 

39


5 FRAGEN AN 

Stefanie Hoppe 

Seit Juni 2024 ist Stefanie Hoppe 

die neue kaufmännische Leitung 

des Animationsinstituts 

WIR FREUEN UNS, STEFANIE HOPPE 

ALS NEUE KAUFMÄNNISCHE LEITUNG 

BEGRÜSSEN ZU DÜRFEN! MIT EINEM 

HINTERGRUND IN BETRIEBSWIRTSCHAFT 

UND COMPUTERLINGUISTIK HAT STEFANIE 

IHRE LEIDENSCHAFT DAFÜR ENTDECKT, 

KREATIVE KÖPFE ZU UNTERSTÜTZEN UND 

IHNEN MIT IHREN FÄHIGKEITEN DEN RÜ- 

CKEN FREI ZU HALTEN. IM INTERVIEW 

SPRICHT SIE ÜBER DIE INSPIRIERENDE 

ATMOSPHÄRE AM ANIMATIONSINSTITUT 

UND IHRE VISION FÜR DIE ZUKUNFT. LERNT 

STEFANIE HOPPE KENNEN UND ERFAHRT, 

WAS SIE AN IHRER NEUEN ROLLE BESON- 

DERS BEGEISTERT. 

Liebe Stefanie, lass uns ganz von vorne beginnen: 

Was hat dich in die Medienbranche verschlagen? 

Ich habe Betriebswirtschaft studiert und wollte unbedingt 

etwas Spannendes machen mit diesem, für mich, 

doch etwas trockenen Thema. So bin ich damals während 

meines Zweitstudiums der Computerlinguistik für 

einen Ferienjob zu den TC Studios, einer Filmproduktion 

und Teil der TC-Gruppe, nach Ludwigsburg gekommen. 

Zum Ende meines Ferienjobs bin ich dann als Assistenz 

der Geschäftsführung dort geblieben. Von diesem 

Moment an war ich in der Medienbranche, die mich 

dann auch nie mehr losgelassen hat. 

Was macht für dich den besonderen Reiz deiner 

Arbeit am Animationsinstitut aus? 

Ich finde es total schön, in einem kreativen Umfeld zu 

arbeiten, ohne dass man selber zu den Kreativen zählen 

muss. Ich habe schon immer gerne die Kreativen in dem, 

was sie tun, unterstützt. Ich tue das, indem ich die richtigen 

Rahmenbedingungen schaffe und die Themen abdecke, 

mit denen sie sich nicht so gerne selbst auseinandersetzen, 

oder die sie vielleicht auch nicht so sicher 

beherrschen. Wir arbeiten hier am Animationsinstitut in 

einem Umfeld, das einen inspiriert, weil es einfach lebendig 

ist. Ich mag vor allem den engen Kontakt zu den 

jungen Menschen, die hier im Büro oder im Zimmer neben 

mir sitzen und denen ich auf dem Gang begegne. 

Welchen Eindruck hast du in deinen ersten 

Wochen von den Studierenden gewinnen können? 

Ich hatte schon die Gelegenheit, bei einem der Weeklies 

der Studierenden dabei zu sein. Das hat mir sehr gut gefallen. 

Hier präsentieren die Studierenden jede Woche, 

woran gerade gearbeitet und womit sich gerade befasst 

wird. Ich finde die Ernsthaftigkeit, mit der die Studierenden 

an ihren Projekten arbeiten, beeindruckend. Und 

40

dann waren natürlich die Präsentationen der Projekte im 

Kino Caligari am Ende des Semesters ein Highlight für 

mich. Man konnte sehen, dass alle Spaß an der Arbeit in 

ihren Teams haben. 

Uns interessiert natürlich: Was sind deine Top 3 

Animationsfilme? 

Also als Kind war für mich der Film BERNARD UND 

BIANCA eine eindrückliche Erfahrung, vermutlich aber 

auch, weil das mein erster Kinobesuch ohne Eltern war. 

Ich bin auch großer Fan von SHAWN DAS SCHAF und 

WALLACE & GROMIT. Die finde ich unglaublich schön 

gemacht, ziemlich witzig und die Darstellung unserer 

Welt und vor allem menschlicher Verhaltensweisen sehr 

gut gelungen. Mit meinen Kindern habe ich mit großer 

Begeisterung neuere Filme wie MADAGASCAR, DER 

POLAREXPRESS und (natürlich) RATATOUILLE geschaut. 

Was sind deine Vorstellungen und Wünsche für 

die Zukunft des Animationsinstituts? 

Für das Animationsinstitut wünsche ich mir, dass es 

weiterhin eine attraktive Ausbildungsstätte mit einem 

exzellenten Ruf über alle Studienvertiefungen hinweg 

bleibt. Es soll auch weiterhin eine Institution für junge 

Menschen sein, die hier im Rahmen einer einmaligen 

Ausbildung ihre Kreativität weiterentwickeln und formen 

können als Basis für eine berufliche Zukunft. Dann 

wünsche ich mir natürlich, dass die künstlerische Freiheit, 

in größtmöglicher Form, für alle erhalten bleibt. 

Mir ist es auch besonders wichtig, dass hier jede*r gerne 

arbeitet und einfach ein gutes Miteinander stattfindet. 

Wir sind ein Team und verfolgen die gleiche Vision. 

Die positive und bestärkende Atmosphäre am Animationsinstitut 

ist mir früh aufgefallen und ich freue mich, 

nun ein Teil davon zu sein und diese nach außen zu repräsentieren. 

FIVE QUESTIONS FOR 

Stefanie Hoppe 

In June, Stefanie Hoppe joined 

the Animationsinstitut as new 

Head of Finance 

WE ARE DELIGHTED TO WELCOME STE- 

FANIE HOPPE AS OUR NEW HEAD OF 

FINANCE! WITH A BACKGROUND IN 

BUSINESS ADMINISTRATION AND COMPUTA- 

TIONAL LINGUISTICS, STEFANIE HAS DIS- 

COVERED HER PASSION FOR SUPPORTING 

CREATIVE MINDS. IN THIS INTERVIEW, SHE 

TALKS ABOUT THE INSPIRING ATMOSPHERE 

AT THE ANIMATIONSINSTITUT AND HER VI- 

SION FOR THE FUTURE. GET TO KNOW STE- 

FANIE HOPPE AND FIND OUT WHAT EXCITES 

HER MOST ABOUT HER NEW ROLE. 

Stefanie, let‘s start at the very beginning: 

How did you get into the media industry? 

I studied Business Administration and really wanted to 

do something exciting with this somewhat dry subject. 

That’s what brought me to Ludwigsburg for a holiday job 

at TC Studios, during my time studying Computational 

Linguistics. Afterwards, I stayed on as Executive Assistant. 

This was the moment when I entered the media industry, 

and I haven’t left it since. 

What do you enjoy most about working at 

Animationsinstitut? 

I think it‘s just wonderful to work in a creative environment 

without having to be one of the creatives. I‘ve always 

enjoyed supporting creative people in what they 

do, by taking over the tasks they don’t enjoy as much 

41


and perhaps aren‘t as good at. At Animationsinstitut, we 

work in an energetic and inspirational environment. I 

particularly enjoy being in contact with the young people 

who come to my office or sit next door to me, and 

whom I can meet in passing in the hallways. 

I think they portray the world as well as human behaviour 

in a really good way. I also enjoyed watching 

new animated film releases such as MADAGASCAR, 

THE POLAR EXPRESS and, of course, RATATOUILLE 

together with my children. 

After your first few weeks: What’s your impression 

of the students? 

What are your ideas and wishes for the future of 

the Animationsinstitut? 

I‘ve been able to attend one of the Student Weeklies so 

far. And I really liked it: every week, the students present 

what they are currently working on, what they are doing 

and what is on their minds. It's impressive how seriously 

the students work on their projects impressive. And, 

of course, the project presentations at the Caligari cinema 

at the end of the term were a highlight for me. You 

could see that everyone enjoyed working in their teams. 

Since you work at Animationsinstitut, we would 

like to know your top 3 animated films! 

As a child, the film THE RESCUERS was one of my favourites, 

probably because it was the first time I went 

to the cinema without my parents. I‘m also a big fan 

of SHAWN THE SHEEP and WALLACE & GROMIT. I 

find them incredibly beautifully made and funny, and 

My wish for Animationsinstitut is for it to remain a 

very attractive place for people to study – an institution 

with an excellent reputation across all specialisations. 

It should continue to be a place where young people 

can develop and shape their creativity as part of a 

unique training programme and as a basis for a professional 

future in the creative industry. Then, of course, 

I would like to see artistic freedom preserved for everyone 

as much as possible. 

It is also particularly important to me that everyone enjoys 

working here and that the concepts of togetherness 

and mindfulness continue to govern the way we 

interact with each other. We are a team and pursue a 

joint vision. The positive and empowering atmosphere 

at Animations institut is something that has stood out for 

me from the very beginning and I am excited to be a 

part of it. 

42

43


DIE ANIMATIONSINSTITUT-DIPLOMAND*INNEN 

VON MUCKS! GAMES ERZÄHLEN INTERAKTIVE 

GESCHICHTEN – UND SCHAFFEN DAMIT 

MAGISCHE ERFAHRUNGEN 

ES HÄTTE WAHRSCHEINLICH NICHT 

BESSER LAUFEN KÖNNEN FÜR 

CLARA DEITMAR, LUZIE KEHLE UND 

JULIUS DORSEL: NOCH WÄHREND 

IHRES STUDIUMS HABEN DIE DREI DIPLO- 

MAND*INNEN DES STUDIENGANGS INTER- 

AKTIVE MEDIEN AM ANIMATIONSINSTI- 

TUT MIT IHREM GESCHICHTENUNIVERSUM 

WORLD OF GRA GROSSE ERFOLGE GEFEIERT 

UND IHR EIGENES GAME STUDIO NAMENS 

MUCKS! GAMES IN LUDWIGSBURG GEGRÜN- 

DET. IHR ERSTES SPIEL, THE BEAR, IST ALS 

TEIL DER WORLD OF GRA ENTSTANDEN UND 

WURDE IM FRÜHJAHR MIT DEM DEUTSCHEN 

COMPUTERSPIELPREIS IN DER KATEGORIE 

BESTES GRAFIKDESIGN AUSGEZEICHNET. 

THE BEAR WURDE AUSSERDEM FÜR DEN 

APPLE DESIGN AWARD IN DER KATEGORIE 

SOCIAL IMPACT NOMINIERT, FÜR DESSEN 

VERLEIHUNG CLARA UND JULIUS IM JUNI 

NACH LOS ANGELES GEREIST SIND. 

Wir waren mit den dreien im Gespräch, um herauszufinden, 

wie es ist, ein Studio zu gründen, was genau die 

WORLD OF GRA ist und wie sie den Wirbel der aufregenden 

Erfahrungen der vergangenen Monate gemeinsam 

erlebt haben 

Ihr habt euch am Animationsinstitut gefunden. 

Die Filmakademie insgesamt hat den Ruf, 

dass sich dort Teams auch übers Studium hinaus 

bilden – wie war das bei euch? 

LUZIE: Am Animationsinstitut wird einem schon früh 

vermittelt, dass man sich mit den Personen zusammentun 

sollte, mit denen man sich auch vorstellen könnte, 

später einmal zusammenzuarbeiten. 

CLARA: Bei uns war es so, dass Luzie und ich jeweils 

ein Diplomprojekt angefangen haben und Julius dann 

bei beiden Projekten als Producer eingestiegen ist. Irgendwann 

ist uns klar geworden: Die Projekte sind zu 

schön, um sie nach dem Diplom nicht zu veröffentlichen, 

und dafür brauchen wir ein Studio. FRIEDA IS 

CHANGING und THE BEAR sind beide 2D, visuell ansprechend, 

sehr storylastig mit dem Anspruch, einen sozialen 

Impact zu haben. Also mehr zu sein als nur unterhaltsam. 

Das alles sind Themen, die uns wichtig sind 

und bei denen wir uns einig sind – deswegen hat es auch 

von Anfang an gut gepasst. 

JULIUS: Ja, ich glaube, dass wir gut zusammenarbeiten 

war einer der Hauptpunkte, warum wir uns auch die 

Gründung eines gemeinsamen Studios vorstellen konnten. 

CLARA:Die gute Zusammenarbeit untereinander betrifft 

aber auch Kooperationen mit Studierenden anderer 

Studiengänge, zum Beispiel Musiker*innen und Sounddesigner*innen. 

Auch hier sind die Verbindungen von 

Dauer und wir arbeiten nach unserem Abschluss auch 

weiterhin zusammen. Wir haben einfach tolle Leute auf 

der gleichen Wellenlänge an der Filmakademie kennengelernt. 

Wie seid ihr auf den Studiengang Interaktive 

Medien gekommen? Waren Spiele schon immer 

euer Ziel? 

CLARA: Ich habe erst Medien- und Informationswesen 

studiert und programmieren gelernt. Das hat sich 

wie Magie angefühlt, von Grund auf etwas zu kreieren. 

Ich habe dabei immer auch gerne als Freelancerin illustriert. 

Dann habe ich gemerkt: Bei Spielen kann ich alles 

machen, zeichnen, animieren, programmieren, Geschichten 

schreiben. Hier kreiert man ein Medium, das 

noch allumfassender ist als Film. Der bringt audiovisuell 

auch alles zusammen, aber Spiele haben noch die Interaktionsebene. 

LUZIE: lch habe an der Kunstakademie in Nürnberg 

studiert, habe dort viele Illustration und Comics gemacht. 

In einem Workshop für interaktive Medien habe 

ich dann ein kleines HTML-Game entwickelt – so eine 

Experience zu machen, hatte für mich eine andere Wertigkeit, 

als nur ein Bild zu malen. Ich weiß gar nicht, wie 

44

Die Gründer*innen von Mucks! Games: Julius Dorsel, Clara Deitmar und Luzie Kehle 

ich das beschreiben soll. Ich habe dann recherchiert, wo 

ich das studieren kann und bin auf das Animationsinstitut 

gestoßen. 

JULIUS: Ich habe sehr viel und gerne gespielt und wollte 

irgendwann selber Spiele entwickeln. Ich habe angefangen, 

an einer Game Engine herumzutüfteln und gemerkt, 

dass es mir großen Spaß macht, Spiele zu bauen. 

Dann habe ich die Drehbuchautorin des Spiels THE IN- 

NER WORLD kennengelernt, ein bekanntes und sehr 

erfolgreiches Game, das an der Filmakademie seinen 

Ursprung hat. Sie hat mir mitgegeben, dass viele Studierende 

der Filmakademie und des Animationsinstituts 

auch Studios und Firmen gründen, was ich total cool 

fand. Da wollte ich dann unbedingt auch hin. 

Projektes involviert zu sein und auch wenig kreativen 

Input geben zu können. Jetzt haben wir für unsere Projekte 

den Luxus der kompletten kreativen Freiheit. 

LUZIE: Diesen Teil aufzugeben, wäre für uns schon hart 

gewesen, weil wir die Freiheit durch unser Studium am 

Animationsinstitut gewohnt sind. Diese Freiheit weiterhin 

uneingeschränkt zu haben, ist natürlich jetzt der 

Traum. Wir sind auf einem guten Weg, wenn das alles so 

klappt, wie wir es uns vorstellen. 

In Ludwigsburg gibt es eine große Szene an Game 

Studios, die aus der Filmakademie heraus entstanden 

sind. Habt ihr vorher mit anderen Gründer*innen 

gesprochen? 

Wie ist das, ein Studio zu gründen? 

CLARA: Man geht erstmal völlig naiv ran, dann kommt 

ein Reality-Check, aber dann bist du schon so weit, dass 

du trotzdem weitermachst und dann wird es immer 

schlimmer. (Alle lachen) 

JULIUS: Ich glaube, das geht sehr vielen Game Studios 

so. Wenn man von Anfang an wirklich wüsste, wie unvorstellbar 

komplex und schwierig das ist, würden es bestimmt 

weniger Leute machen. 

CLARA: Die Alternative wäre gewesen, in ein großes 

Studio zu gehen und nur in einen ganz kleinen Teil eines 

LUZIE: Wir haben natürlich rumgefragt: Wie war das 

bei euch? Was ist besonders wichtig? Es ist schon toll, 

ein solches Netzwerk in unmittelbarer Nähe zu haben 

und sich gegenseitig zu unterstützen. 

CLARA: Wir haben mit Leuten von Game Studios wie 

Kaleidoscube oder Navel gesprochen, das sind fast alles 

Absolvent*innen unseres Studiengangs Interaktive Medien 

und sie haben ihren Sitz ebenfalls in Ludwigsburg. 

JULIUS: Es ist sehr ermutigend, Absolvent*innen des 

Animationsinstituts zu sehen, die mit ihren Diplomprojekten 

ein Studio gegründet haben. Da sieht man: Andere 

haben es schon hinbekommen. 

45


Clara, Luzie, Julius: Wie war das, als Newcomer*innen 

gleich so einen wichtigen Preis wie 

den Deutschen Computerspielpreis zu gewinnen? 

LUZIE: Wir waren ja zweimal nominiert; „Story“ war 

die erste Kategorie, die verliehen wurde. Wir haben damit 

gerechnet, dass wir, wenn überhaupt, nur einen der 

beiden Preise bekommen. Als wir in der Kategorie „Story“ 

leer ausgingen, haben wir schon fast nicht mehr daran 

geglaubt, noch gewinnen zu können. 

CLARA: In den folgenden Kategorien konnten sich dann 

meist die größeren Spiele und bekannteren Studios den 

Sieg sichern. Wir dachten: ja, natürlich. Wahrscheinlich 

war es das. Und dann hat es doch noch geklappt, und 

auch noch in der Kategorie „Bestes Grafikdesign“. 

JULIUS: Ich hatte richtig Muffensausen. Es ist toll, nominiert 

zu sein, aber was es finanziell bedeutet zu gewinnen, 

ist echt krass. 

CLARA: Das Preisgeld war für uns unglaublich wichtig 

– gerade für den Start. 

Ihr habt in diesem Jahr bei der FMX - Film & Media 

Exchange eure Projekte präsentiert und durftet 

die Trailer für das Internationale Trickfilmfestival, 

die Animation Production Days sowie 

die FMX in Stuttgart gestalten. Wie habt ihr das 

alles erlebt? 

LUZIE: Die FMX fühlt sich im Vergleich zu anderen 

Konferenzen und Messen ein bisschen wie ein Familienfest 

an. Sie ist so eng mit der Filmakademie und dem 

Animationsinstitut verbunden. 

CLARA: Ja, ein Familientreffen, auf die positivste Art! 

(alle lachen) Die FMX ist wie ein großes, sehr herzliches 

Klassentreffen, bei dem man Filmakademie-Graduates 

aller vergangenen Jahre wiedertrifft. Neben dem generellen 

Austausch kann man sich hier auch super zusammensetzen 

und effektive Gespräche zu seinen aktuellen 

Projekten und Herausforderungen führen. Gleichzeitig 

sind auch viele spannende, internationale Branchengrößen 

und Expert*innen unterschiedlichster Felder vor 

Ort; als Studierende oder Graduates des Animationsinstituts 

wird einem auch die Möglichkeit geboten, hier direkt 

in den Austausch zu gehen. Mit Leuten von Disney! 

Es gibt nicht viele Veranstaltungen, bei denen man sich 

trauen würde, Leute dieses Kalibers anzusprechen. Auf 

anderen Events fühlt man sich nicht so auf Augenhöhe 

wie bei der FMX. Für die Studierenden und Graduates ist 

das total hilfreich. 

46 

JULIUS: Ich bin jedes Mal beeindruckt von den Talks 

bei der FMX. Große Produktionen, die Besten der Besten 

in Sachen VFX. Und beim Internationalen Trickfilmfestival 

auf dem Schlossplatz in Stuttgart wird die Animation 

gefeiert. Dabei ist das kein Künstler-Treff. Alle 

möglichen Leute sitzen da auf der Wiese und schauen 

sich Filme mit teils wirklich hohem künstlerischem Anspruch 

an; fast „nischige“ Projekte werden so einem sehr 

breiten Publikum zugänglich gemacht. Was für uns extrem 

wertvoll war: Wir konnten testen, ob die WORLD 

OF GRA in einem linearen Format funktioniert – und 

ausprobieren, wie ist es, Animationsfilme herzustellen. 

Wir können uns nämlich auch vorstellen, nicht nur Games 

zu machen. Das Feedback, das wir bekommen haben, 

war extrem ermutigend und hilfreich. Menschen 

mochten die Welt, obwohl sie gar nichts darüber wussten. 

Sie haben die WORLD OF GRA verstanden. Das war 

ein gutes „Proof of Concept“. 

Ihr habt außerdem bei der Business- und 

Pitchingplattform für Animationsprojekte, den 

Animation Production Days (APD), eure Spiele 

vorgestellt. Wie verlief das für euch? 

CLARA: Bei den APD geht es ja darum, Business Partner 

zu finden. Hier konnten wir Kontakt zu Ansprechpartnern 

vieler namhafter Sender wie Adult Swim, dem 

KiKA und dem SWR knüpfen. Das kann ein bisschen 

einschüchternd sein, war für uns im Endeffekt aber eigentlich 

sehr ermutigend, das waren alles freundliche 

Menschen dort. 

JULIUS: Es war vor allem cool, von so professioneller 

Seite Feedback zu bekommen, wie man bei der Projektentwicklung 

und Vermarktung weiter rangehen könnte 

und welche Möglichkeiten es gibt. Auch Feedback zum 

Pitch selbst – was war gut und was könnte man anders 

machen – war sehr hilfreich. 

Wie fiel das Feedback zu THE BEAR aus? 

JULIUS: Manche haben gesagt: Das ist offensichtlich ein 

Spiel für Kinder. Andere haben gesagt: Das ist auf keinen 

Fall für Kinder, die Figuren haben ja gar keine Gesichter. 

Es gibt keine spezifische Art von Publikum, für 

die THE BEAR richtig oder falsch ist. Es gibt in jeder Altersgruppe 

Menschen, die das Spiel mögen und sich angesprochen 

fühlen. 

LUZIE: Immer wieder meinten Leute, dass das nichts 

für Kinder ist, weil auch ernste Themen abgebildet sind. 

Da sind wir ganz anderer Meinung. Bei DER KLEINE

PRINZ geht es auch um schwierige Themen. Ich glaube, 

dass es für Erwachsene, die schon mit Verlust und 

schwierigen zwischenmenschlichen Situationen umgehen 

mussten, fast schwieriger ist, wenn dies in einem 

Unterhaltungsmedium thematisiert ist. Kinder nehmen 

das allgemein leichter. 

CLARA: Kinder sind aber nicht die Hauptzielgruppe 

für THE BEAR. Eltern und Kinder können das Spiel 

gemeinsam erleben wie eine klassische Bilderbuchgeschichte. 

Die meisten, die es spielen und Reviews abgeben, 

sind Erwachsene. 

wird. Sie gestehen es sich nicht ein. Das Ganze ist comicartig 

gestaltet, angelehnt an Sachen, die ich mag: PINK 

PANTHER und POWERPUFF GIRLS mit schrägen Perspektiven, 

damit die Welt auch ein bisschen surreal erscheint. 

Das soll einfach Spaß machen und ins Auge stechen. 

Clara, worum geht es denn genau in deiner 

WORLD OF GRA, dem Geschichten-Universum, 

aus dem auch THE BEAR stammt? 

CLARA: Das Grundthema ist Veränderung. Große Wesen 

werden immer größer und wachsen über ihr Zuhause 

hinaus. Dann entdecken sie die Welt, was ja etwas 

sehr Positives sein kann. Da sind viele sehr menschliche 

Themen verpackt: Wo gehöre ich hin? Wo kann ich 

ankommen? Kann ich überhaupt irgendwo ankommen? 

Was passiert, wenn wir auseinander wachsen? 

Was hat dich bei der WORLD OF GRA gestalterisch 

beeinflusst, Clara? 

Das Animationsinstitut hat im vergangenen 

Jahr eine Kooperation mit den Creators von den 

Rocket Beans im Rahmen der GamesCom ermöglicht. 

Ihr durftet vor Ort in Köln FRIEDA IS 

CHANGING in einem Interview vorstellen. Auch 

in diesem Jahr seid ihr wieder bei der Kooperation 

dabei, diesmal mit THE BEAR. Seid ihr schon 

gespannt, wie das Spiel bei den Zuschauer*innen 

der Rocket Beans ankommen wird? 

CLARA: Mich hat‘s immer zu einer Simplizität hingezogen. 

Wie wenig man zeigen kann und trotzdem ist das 

irgendwie ausdrucksstark! Die Charaktere haben keine 

Gesichter, sie sind Projektionsflächen, auch emotional. 

HELLO KITTY hat keinen Mund, damit man die eigenen 

Emotionen auf sie projizieren kann. Bist du traurig? 

Dann ist HELLO KITTY auch traurig. Bist du glücklich? 

HELLO KITTY ist glücklich. DIE WORLD OF GRA 

geht noch einen Schritt weiter: Man kann die eigenen 

Emotionen in diese Figuren hineinprojizieren. Und alles 

spielt in einem Weltall. Das ist ein bisschen seltsam, aber 

gleichzeitig warm und weich - weil es ganz viele weiche, 

runde Formen gibt. 

Luzie, FRIEDA IS CHANGING, euer zweites Spiel, 

spielt wiederum in einer ganz anderen Welt… 

CLARA: Ja, wir freuen uns sehr darauf, THE BEAR den 

Zuschauer*innen der Rocket Beans vorzustellen. Die positive 

Resonanz und das Interesse an FRIEDA IS CHAN- 

GING im letzten Jahr haben uns sehr ermutigt und motiviert. 

Das Interview mit den Rocket Beans bietet uns 

eine tolle Plattform, um direktes Feedback von der Community 

zu erhalten. Es ist immer aufregend zu beobachten, 

wie die Spieler*innen auf die von uns geschaffenen 

Welten und Geschichten reagieren. 

Der aufgezeichnete Livestream kann über den ROCKET 

BEANS GAMING YOUTUBE KANAL aufgerufen werden: 

HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/ 

CHANNEL/UCTSP1OA6JO4QUIGLAE7FB4G 

LUZIE: Die Welt unseres zweiten Spiels hat eine apokalyptische 

Stimmung, der Himmel ist rot, grüner Nebel 

überall. Darin spiegelt sich der mentale Status der 

Menschen im Heimatort der Protagonistin. Sie verstehen 

nicht, dass ihr sexistisches Denken und Handeln 

dazu führt, dass ein Mädchen vergewaltigt und getötet 

Weitere Infos zur WORLD OF GRA und THE BEAR 

findet ihr hier: 

HTTPS://ANIMATIONSINSTITUT.DE/DE/ 

WORLDOFGRA 

47


THE ANIMATIONSINSTITUT GRADUATES 

BEHIND MUCKS! GAMES TELL INTERACTIVE 

STORIES – AND CREATE MAGICAL EXPERIENCES 

IT COULDN’T HAVE WORKED OUT 

ANY BETTER FOR CLARA DEITMAR, 

LUZIE KEHLE AND JULIUS DORSEL: 

WHILE THEY WERE STILL STUDENTS, THE 

NOW INTERACTIVE MEDIA GRADUATES AND 

THEIR STORY WORLD WORLD OF GRA 

CELEBRATED SOME GREAT SUCCESSES. THEY 

ALSO FOUNDED THEIR OWN GAME STUDIO, 

MUCKS! GAMES. THEIR FIRST GAME THE 

BEAR TAKES PLACE IN THE WORLD OF GRA 

AND WON THE GERMAN COMPUTER GAME 

AWARD IN THE CATEGORY BEST "GRAPHIC 

DESIGN" LAST SPRING. IN JUNE, IT WAS 

ALSO NOMINATED FOR AN APPLE DESIGN 

AWARD IN THE CATEGORY "SOCIAL IMPACT" 

PROMPTING CLARA AND JULIUS TO TRAVEL 

TO LOS ANGELES. 

IN THE INTERVIEW, THEY TALK ABOUT 

HOW THEY FOUNDED THEIR STUDIO, WHAT 

EXACTLY THE WORLD OF GRA IS, AND HOW 

THEY EXPERIENCED THE PAST FEW TURBU- 

LENT MONTHS TOGETHER. 

So, you met at the Animationsinstitut. Generally, 

the Filmakademie has the reputation that student 

teams stay together even after graduation – what 

was that like for you? 

LUZIE: Pretty early on, they already tell you to build 

teams with people you could see yourself working with 

in the future. 

CLARA: Well, the way we came together was that Luzie 

and I each started a diploma project that Julius then 

joined as a producer. And then we realized: our projects 

are too beautiful to not publish them after graduation. 

For that we needed a studio. FRIEDA IS CHANGING 

and THE BEAR are both 2D, visually pleasing and very 

heavy on the story aspect. They also both aspire to have 

a social impact, to do more than merely entertain. We 

agreed on all of this being important to us, so it was a 

good fit all around. 

JULIUS: Yes, I believe how well we work together was 

one of the main reasons we were able to consider founding 

a studio together. 

CLARA: That also includes cooperative work with students 

of other study specialisations, like the musicians 

48

and sound designers. These connections are still alive, 

and we have continued working together after graduation. 

At the Filmakademie, we met great people who 

share the same wavelength as us. 

Why did you study Interactive Media? Did you 

always want to work with games? 

CLARA: To start with, I studied media information technology 

and learned programming. It felt like magic, creating 

something out of nothing. I also really liked freelance 

illustrating. And then I realised that with games, I 

can do all these things in one: drawing, animating, programming, 

storytelling. As a medium, it’s all-encompassing, 

even more than film. Films work beautifully for 

telling audiovisual stories, but games add an interactive 

element. 

LUZIE: I studied at the Academy of Fine Arts in Nuremberg 

and did a lot of illustrating and comics. I had the 

chance to develop a small HTML-Game during a workshop 

for interactive media – creating an experience like 

that, simply had an entirely different value for me than 

simply painting a picture. I don’t even know how to describe 

it. I researched where I can study stuff like this 

and found the Animationsinstitut. 

JULIUS: I always really liked gaming/playing games and 

at some point, wanted to develop them myself. I started 

Clara and Julius at the Apple Design Awards 

in California 

by tinkering with a game engine and realized how much 

fun building games is for me. Then I met the writer of 

THE INNER WORLD, a well-known and very successful 

game that was created at the Filmakademie. She told 

me that many students at the Filmakademie and the Animationsinstitut 

establish their own studios and companies. 

This seemed really cool to me, so I knew I wanted 

to go there, too. 

What’s it like, founding your own studio? 

CLARA: Well, at first, we were super naive about the 

whole thing, then we got a reality check. At that point, 

though, we had already gotten so far and just continued 

what we were doing, and things then only got worse 

moving on from there. (everyone laughs) 

JULIUS: I think a lot of game studios experience this. 

If people knew how incredibly complex and difficult the 

process is, fewer people would do it, for sure. 

CLARA: Alternatively, we could have joined a big studio. 

We’d have been involved in our projects to a much 

smaller degree and wouldn’t have been able to give much 

creative input. Now, we have complete creative freedom 

for our projects. 

LUZIE: It would have been really hard for us to give 

that up. Studying at the Animationsinstitut got us very 

used to that kind of freedom. It’s an absolute dream 

come true, being able to continue operating in that way. 

If everything goes as we imagine, we are well on track. 

In Ludwigsburg, there are quite a few game studios 

that have their roots at the Filmakademie. 

Did you speak to other founders? 

LUZIE: Of couse. We asked them, what was it like for 

you? What’s the most important thing to consider? It’s 

really great to have this kind of network and support just 

down the street. 

CLARA: We talked to people from game studios like Kaleidoscube 

or Navel. Almost all of them are graduates 

of Interactive Media, like us, and they are also based in 

Ludwigsburg. 

JULIUS: It’s really encouraging to see graduates of the 

Animationsinstitut who established their studio using 

their diploma projects. It showed us that it can be done. 

49


Clara, Luzie, Julius: The German Computer Game 

Award is a very renowned award. As newcomers, 

what was winning like for you? 

LUZIE: We were nominated twice; they announced the 

winners for “Story” first. We thought that if we were to 

win at all, we’d probably only get one category. When we 

didn’t get the award for “Story”, we didn’t actually think 

we still had a chance. 

CLARA: In the following categories, mostly bigger 

games and popular studios won. We thought, yes, of 

course/it makes sense. That’s it, probably. But then it 

ended up working out after all, and in the category “Best 

Graphic Design”, no less. 

JULIUS: I was really excited. It’s great to be nominated, 

but the impact of winning has an incredible impact, financially 

speaking. 

CLARA: The prize money was incredibly important to 

us – especially starting out. 

wider audience. We were able to test if WORLD OF GRA 

works in a linear format, which was invaluable for us, 

in addition to seeing what it’s like to produce animated 

films. Because we can see ourselves not just making 

games. The feedback we received was extremely encouraging 

and helpful. People liked the world even when 

they didn’t know anything about it. They simply got it. It 

was a very good proof of concept. 

This year, you presented your projects at the FMX 

– Film & Media Exchange, and produced the 

trailer for the International Festival of Animated 

Film, the Animation Production Days and the 

FMX in Stuttgart. Can you tell us more about this 

experience? 

LUZIE: Unlike other conferences and conventions, the 

FMX feels a little like a family reunion. It has really close 

ties to the Filmakademie and the Animationsinstitut. 

CLARA: Yes, a family reunion, in the best possible way! 

(everyone laughs) The FMX is like a very big, very warm/ 

heartfelt class reunion, where all Filmakademie graduates 

get together. It’s not just general catching-up, either, 

it’s a great chance for productive talks about any current 

projects and challenges. At the same time, lots of 

exciting, international industry names and experts in all 

kinds of different areas are on site – both students and 

graduates of the Animationsinstitut get the chance to 

connect with them. With people from Disney! There are 

very few events where high-calibre people like that feel 

approachable, rather than intimidating. That’s incredibly 

helpful for students and graduates. 

JULIUS: The talks at FMX always impress me. Big productions, 

the best of the best in VFX. At the same time, 

at the Schlossplatz in Stuttgart, the International Festival 

of Animation celebrates animation. And it’s not just for 

artists! All kinds of people sit down on the grass to watch 

films that – at least some of them – have a very high artistic 

standard. They make niche projects available to a 

50 

You also presented your games at the business 

and pitching platform for animated projects, the 

Animation Production Days (APD). How did that go? 

CLARA: The APD are all about finding business partners. 

We were able to forge many contacts to well-known 

broadcasters like adult swim, KiKA and SWR. This can be 

a little intimidating, but ended up being very encouraging 

for us, because everybody was very friendly. 

JULIUS: Getting professional feedback was especially 

cool. We learned how to improve on project development 

and approach marketing and what other kind 

of possibilities exist. We also got feedback on our pitch, 

what went well and what we could do differently. Overall 

– very helpful. 

What feedback did you get for THE BEAR? 

JULIUS: Some of them said it’s definitely a kid’s game. 

Others said it’s not for children at all, because the characters 

don’t have faces. There’s no specific target audience 

for THE BEAR. Every age group can find something 

to like and relate to in the game. 

LUZIE: People would repeatedly say that it’s not for 

children, because the story also includes some heavier 

topics. We completely disagree. THE LITTLE PRINCE

also deals with difficult subjects. I believe that it’s actually 

harder for adults, who already had to live through loss 

and difficult interpersonal situations, to deal with these 

themes being explored in entertainment media. Children 

tend to take them more lightly. 

CLARA: Still, children are not the main target group 

for THE BEAR. Parents and children can experience the 

game together, just like they would a picture book. Most 

of our players and reviewers are adults. 

Clara, can you explain more about THE WORLD 

OF GRA, the story universe that THE BEAR is 

from? 

CLARA: With “The World”, the theme is about change. 

Large beings keep getting bigger until they’ve outgrown 

their home. They then go out and explore the 

world, which can be something quite positive. Many 

very human questions are attached: Where do I belong? 

Where can I go? Is there even anywhere I can go? What 

happens when we grow apart? 

What was your biggest creative influence for 

WORLD OF GRA, Clara? 

Last year, the Animationsinstitut collaborated 

with the creators of Rocketbeans for GamesCom. 

You had the opportunity to showcase FRIEDA IS 

CHANGING in an interview. This year, you’ll be 

back with THE BEAR. Are you already excited to 

see the reactions of the Rocketbeans viewers? 

Yes, we are really looking forward to introducing the 

viewers to THE BEAR. The positive response and interest 

in FRIEDA IS CHANGING really encouraged and 

motivated us. The interview with Rocketbeans is a great 

platform, allowing us to get direct feedback from the 

community. It’s always exciting to see how players react 

to the worlds and stories we created. 

The recorded livestream can be viewed on the ROCKET- 

BEANS YOUTUBE CHANNEL: 

HTTPS://WWW.YOUTUBE.COM/ 

CHANNEL/UCTSP1OA6JO4QUIGLAE7FB4G 

CLARA: I’ve always been drawn to simplicity. Show 

very little and still be expressive! The characters don’t 

have faces, so even emotions can be projected onto them. 

HELLO KITTY doesn’t have a mouth for the same purpose. 

You’re sad? Then HELLO KITTY is sad, too. You’re 

happy? HELLO KITTY is happy. WORLD OF GRA takes 

it a step further: players can project their own emotions 

into the characters. And everything takes place in space. 

That’s a bit odd, but also warm and soft – because there’s 

lots of soft, round shapes. 

More on WORLD OF GRA and THE BEAR: 

HTTPS://ANIMATIONSINSTITUT.DE/ 

EN/WORLDOFGRA 

Luzie, FRIEDA IS CHANGING, your second 

game, takes place in a very different world… 

LUZIE: The world in our second game feels apocalyptic, 

the sky is red, there’s green fog everywhere. It mirrors 

the mental state of the people that live in the protagonist’s 

hometown. They don’t understand that their 

sexist way of thinking and their actions lead to the rape 

and murder of a girl. They won’t admit it. The game is 

designed like a comic, inspired by cartoons that I like: 

PINK PANTHER and THE POWERPUFF GIRLS. The 

tilted perspectives make the world seem more surreal. 

It’s supposed to be fun and eye-catching. 

Still from THE BEAR 

51


„WENN SCRUBBY MEINEN 

ELTERN GEFÄLLT, 

HABE ICH EIGENTLICH ALLES 

ERREICHT.” 

52

Ein Gespräch mit Paul Vollet, Absolvent Animation (2023) 

PAUL VOLLETS DIPLOMFILM SCRUBBY 

ERZÄHLT VON DER BEZIEHUNG 

ZWISCHEN ELTERN UND KIND – UND 

DAVON, WIE DIESE SICH PLÖTZLICH VERÄN- 

DERN UND SOGAR UMDREHEN KANN. EINE 

ERFAHRUNG, DIE VIELE MENSCHEN NACH- 

FÜHLEN KÖNNEN. UNTER IHNEN AUCH 

WHOOPI GOLDBERG, DIE SCRUBBY PERSÖN- 

LICH FÜR IHRE ANIMATED SHORTS COLLEC- 

TION BEIM RENOMMIERTEN TRIBECA FILM 

FESTIVAL AUSWÄHLTE. IM JUNI DIESES 

JAHRES FLOG DER ABSOLVENT DES ANI- 

MATIONSINSTITUTS MIT SEINEM FILM IM 

GEPÄCK NACH NEW YORK – UND ERZÄHLT 

NUN IM INTERVIEW VON SEINEN ERLEBNIS- 

SEN IM BIG APPLE. 

Aber nochmal zurück zum Anfang – Paul, wie 

bist du zur Animation gekommen? War das schon 

immer dein Traum? 

Animierte Filme sind für mich schon immer sehr besonders 

gewesen. Wahrscheinlich haben mich die unzähligen 

Comics, die ich als Kind gelesen habe, beeinflusst. 

Ich habe mir immer so viel aus unserer kleinen Stadtbibliothek 

in Rheinau ausgeliehen, wie meine Mama es 

gerade noch erlaubt hat. Daraufhin habe ich die dazugehörigen 

Filme gesehen und meine Begeisterung begann. 

Ich war natürlich auch ein riesiger Pixar-Fan – WALL.E 

und RATATOUILLE stehen auch heute noch ganz weit 

oben auf meiner Liste. Ich glaube, in der 10. Klasse stand 

für mich dann fest, dass ich etwas mit Animation machen 

wollte. 

Dein Diplomfilm SCRUBBY lief in diesem Jahr 

gleich dreimal auf dem Tribeca Film Festival in 

New York City. Was bedeutet die Teilnahme am 

Festival für dich persönlich und professionell? 

Zum einen war ich das erste Mal in New York, was für 

mich allein schon ein Highlight war! Gleichzeitig habe 

ich aber auch die Gelegenheit genutzt, Menschen zu treffen, 

denen man sonst vielleicht nicht begegnen würde. 

Die Teilnahme am Festival ist für mich und das Team das 

größte Kompliment gewesen, das wir für unseren Film 

hätten bekommen können. 

SCRUBBY findet viel Zuspruch – was bedeutet 

der Film für dich? 

Ich habe SCRUBBY vor allem für meine Eltern gemacht. 

Wenn der Film ihnen gefällt, habe ich eigentlich alles erreicht. 

Umso mehr freue ich mich, dass er auch bei anderen 

Leuten Anklang findet. Das ist ein sehr schönes 

Gefühl und ermutigt, weiterzumachen! 

Welchen Moment auf deiner Reise wirst du nie 

vergessen? 

Das war, als ich nach unserem Screening kurz mit 

Whoopi Goldberg gesprochen habe. Ich bin einfach zu 

ihr hin. Sie hat mir erzählt, wie sie den Film das erste Mal 

gesehen hat und, dass er sie sehr berührt hat. Ich glaube, 

sie kennt diesen Moment ganz gut, wenn sich das Versorgen- 

und Umsorgen-Verhältnis umkehrt. Ich habe ihr 

dann meinen Kinderbuch-Prototypen, der auf SCRUBBY 

basiert, mitgegeben und ich glaube, sie mochte den 

Paul Vollet beim Tribeca Film Festival mit Whoopie Goldberg 

53


flauschigen Einband. Auf jeden Fall ist sie eine sehr liebe 

Person! 

Du hast erwähnt, dass New York allein schon ein 

Highlight für dich war – Wie hast du die Tage in 

der Stadt, die niemals schläft, verbracht? 

Die ersten drei Tage habe ich in Astoria, Queens verbracht 

und mir erst mal in Ruhe die Stadt angeschaut. 

Wenn ich nach New York ziehen würde, dann dorthin. 

Dort ist alles etwas kleiner, es gibt keine Häuserschluchten, 

abends ist immer was los und von überall kommt 

Musik. 

Anschließend habe ich mich in einem Hostel direkt neben 

dem Central Park eingemietet, um schnell beim Festival 

sein zu können, das dann auch schon losging. Ich 

bin morgens gerne in den Central Park gegangen und 

habe in der Sonne auf einer Bank gesessen, einen Cookie 

gegessen und den Schildkröten zugeschaut. Das war ein 

sehr schöner Ort, um dem ganzen Trubel der Stadt für 

ein paar Minuten zu entfliehen. 

Die letzte Station war dann Brooklyn, wo ich auch noch 

ein paar Tage verbracht habe. Durch diese unterschiedlichen 

Stationen und die Ortswechsel konnte ich viel von 

der Stadt sehen. 

Abschließende Worte? 

Ich bin sehr dankbar für alles, was ich im am Animationsinstitut 

bekommen habe, und das sage ich jetzt nicht 

einfach so. Ich glaube, es ist nicht selbstverständlich, 

die Ressourcen, die Betreuung und vor allem das Vertrauen 

zu bekommen - alles Dinge, die man für ein solches 

Projekt braucht. Und natürlich wäre nicht mal eine 

einzige Sekunde Animation entstanden, hätte es unser 

Team nicht gegeben. Da kann ich mich wirklich glücklich 

schätzen und bin jeder einzelnen Person sehr dankbar 

für das, was sie beigesteuert hat! 

Ausschnitt aus SCRUBBY 

SCRUBBY ist ein 3D-animierter Kurzfilm 

und handelt von einem kleinen, pelzigen Wesen, 

das warm und geborgen im weichen Fell 

seiner Mutter lebt. Eines Tages jedoch verliert 

diese nach und nach ihre Haare. Als das kleine 

Etwas den fortwehenden Büscheln durch 

die kalte Winterlandschaft folgt, trifft es auf 

ein nacktes, frierendes Wesen. Reicht Scrubbys 

Fell, um beide zu wärmen? 

"IF MY PARENTS LIKE SCRUBBY, 

THAT´S GOOD ENOUGH FOR ME." 

A conversation with Paul Vollet, Animation graduate (2023) 

PAUL VOLLET’S DIPLOMA FILM 

SCRUBBY IS ABOUT PARENT-CHILD- 

RELATIONSHIPS – AND HOW THEY 

MAY CHANGE OVER THE YEARS. THIS IS 

A TOPIC A LOT OF PEOPLE CAN RELATE 

TO, INCLUDING WHOOPI GOLDBERG, WHO 

PERSONALLY SELECTED SCRUBBY FOR THE 

ANIMATED SHORTS COLLECTION AT THIS 

YEAR’S TRIBECA FILM FESTIVAL. SO, IN 

JUNE OF THIS YEAR, PAUL TRAVELLED TO 

NEW YORK CITY TO REPRESENT HIS FILM AT 

THE FESTIVAL – AND HE IS NOW SHARING 

HIS ADVENTURES IN THE BIG APPLE HERE. 

54

Let’s start at the beginning – Paul, what got 

you into animation? Has this always been your 

dream? 

Animated films have always been dear to me. I guess that 

the countless comics I read as a child influenced me. I always 

used to borrow as many as my mum would allow 

from our small local library. Then I watched the film adaptations 

and my fascination took hold. It goes without 

saying that I was a huge Pixar fan – WALL.E and RATA- 

TOUILLE are still top-tier for me. I think it was as early 

as 10th grade that I knew I’d like to create animations of 

my own when I grew up. 

Your diploma film SCRUBBY screened three 

times at Tribeca Film Festival in New York City. 

What does this mean to you both personally and 

professionally? 

Well, first of all, this was my very first time in New York, 

so that in and of itself was a highlight for me! I also used 

this opportunity to meet and connect with people you 

wouldn’t usually be able to meet. Being part of the festival 

is the biggest compliment the team and myself have 

received for our film so far. 

SCRUBBY is getting a very positive reception – 

but what does the film mean to you? 

I made SCRUBBY for my parents. If they like it, that’s 

good enough for me. Seeing other people, especially 

someone like Whoopi Goldberg enjoy it is the cherry on 

top. It’s such a wonderful feeling and encourages me to 

keep going! 

Is there a moment from your trip you’ll never 

forget? 

I spent the first three days in Astoria, Queens and just 

took my time getting to know the city. If I were to ever 

move to New York, I’d live there. You don’t find any 

street canyons there. Instead, the streets are still alive in 

the evenings, there’s music everywhere. 

Then I switched location to a hostel across Central Park, 

which allowed me to be at the festival within minutes 

(which had just started at that point). I loved walking to 

Central Park in the morning, and enjoying the sun while 

sitting on a park bench, eating a cookie and watching the 

turtles. It was a very nice place to escape the hustle and 

bustle for a few minutes. 

My last stop was Brooklyn, where I spent a few more 

days after the festival had ended. Moving around a lot 

really allowed me to see as much of the city as possible. 

Is there anything you’d like to add? 

I’m very thankful for everything the Animationsinstitut 

has offered, and I’m not just saying that to be nice. I really 

don’t think the resources, mentoring and trust we’ve 

received for our project should be taken for granted. 

And of course, not a single animated second would exist 

without our team. I’m really lucky to have worked with 

all of them and grateful for everything they brought into 

the project! 

SCRUBBY is a 3D animated short film about 

a small fuzzy creature that lives comfortably 

in his mother’s fur. But one day, she suddenly 

starts losing her hair. As he follows the bunches 

of fur drifting away through the wintery forest, 

he encounters a naked, freezing creature. 

Is Scrubby’s fur enough to warm both of them? 

Yes, when I talked to Whoopi Goldberg after our screening. 

I just walked up to her. She told me about watching 

the film for the first time and how it really moved her. I 

believe she’s familiar with similar situations – when your 

parent’s role switches from provider to someone in need 

of your care. I also gifted her the prototype for my children’s 

book that’s based on SCRUBBY, and I think she liked 

the fuzzy cover. In any event, she is a very lovely person! 

You said that New York in and of itself was a 

highlight for you – how did you spend your days 

in the city that never sleeps? 

55


56

DIE NEUE POSTPRODUKTION 

IM STADTBAD 

Wo Filmprojekte ihren letzten Schliff bekommen 

IN PERFEKTER LAGE, GLEICH GEGEN- 

ÜBER DEM CAMPUS DER FILMAKADE- 

MIE, BEFINDET SICH DAS 1907 ERRICH- 

TETE STADTBAD. VON AUSSEN MACHT 

ES DURCH MONDÄN VERSCHACHTELTE 

GIEBELDÄCHER AM EINGANGSBEREICH AUF 

SICH AUFMERKSAM, IM INNEREN ATMET 

DAS UNTER DENKMALSCHUTZ STEHENDE 

GEBÄUDE DEN GEIST DES JUGENDSTILS. WO 

EINST LUDWIGSBURGER BÜRGERINNEN UND 

BÜRGER ALLER SCHICHTEN IHRE KÖRPER 

MIT WASSER BENETZTEN, REINIGTEN UND 

PFLEGTEN, SURREN SEIT MAI DIE COMPU- 

TER: DAS ANIMATIONSINSTITUT DER FILM- 

AKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG HAT IM 

EHEMALIGEN STADTBAD NEUE RÄUMLICH- 

KEITEN FÜR DIE POSTPRODUKTION INSTAL- 

LIERT. 

Zusätzlich zum Animationsinstitut ist auch eine Mensa 

für die umliegenden Schulen im Stadtbad eingezogen. 

Bei der Sanierung zur Umnutzung in den Jahren 

2018/19 verfolgte die Stadt Ludwigsburg das Ziel, möglichst 

wenig in die Struktur und die Oberflächen einzugreifen, 

um den alten Charme des Gebäudes zu bewahren. 

So erinnert der Boden unter den Esstischen der 

Schulmensa noch immer an die ehemalige Wasserfläche 

des Schwimmbads. 

Im Tiefparterre legen nun die Studierenden der Filmakademie, 

im Rahmen der Nachbearbeitung, letzte Hand an 

ihre Film- und Medienproduktionen. 

FÜR SCHNELLE LEITUNGEN IST 

GESORGT 

„Das Stadtbad hat den großen Vorteil, dass es nur einen 

Katzensprung vom Animationsinstitut entfernt ist“, sagt 

Joachim Genannt, der den Umzug als langjähriger Technischer 

Leiter des Animationsinstituts geplant und vollzogen 

hat, quasi als letzte Amtshandlung – inzwischen 

befindet er sich im Ruhestand. Laut Genannt habe das 

Animationsinstitut durch den Umzug in das Stadtbad 

wertvollen Platz für neue Projekträume im eigenen Gebäude 

gewinnen können. 

Ein weiterer Vorteil: Unweit beider Gebäude befindet 

sich der Knoten, an dem alle Ludwigsburger Glasfasern 

zusammenlaufen – für schnelle Leitungen ist also gesorgt. 

Im Stadtbad sind nun vier Postproduktions-Suiten 

angesiedelt, eine Teeküche und Lounge-Ecke, ein Sichtungsraum 

sowie ein großer Seminarraum. Die weitläufigen 

und klar designten Räumlichkeiten bieten dem 

Bereich Postproduktion nun Platz wie nie zuvor. Die 

Geschichte des Gebäudes bleibt in den neuen Räumen 

aber immer im Blick, sei es durch den Charakter der 

restaurier ten Türen und Fenster in den Innenhof oder 

durch das Motiv des Schwimmers in abstrahierten Wellen, 

das sich dekorativ durch die Räumlichkeiten zieht. 

RAUM FÜR EXPERIMENTE IN DER 

ERWEITERTEN REALITÄT – EXTENDED 

REALITY (XR) 

Am hinteren Ende des neuen Seminarraums befindet 

sich eine Aussparung in der Deckenabhängung. „Hier 

kommt noch eine LED-Wand hin“, erklärt Stefan Binggeser, 

neuer Technischer Leiter des Animationsinstituts 

und Nachfolger von Joachim Genannt. Der Raum wird 

damit zwar kein komplettes virtuelles Studio, aber zusammen 

mit dem vorgesehenen Motion Capture System 

eignet es sich für kleine Drehs und Experimente in 

Virtual Production, einer Disziplin der Erweiterten Realität 

(XR). Damit lassen sich beispielsweise Schauspieler*innen 

mit virtuellen Inhalten von der LED-Wand 

beleuchten. Alles ist auf dem aktuellsten Stand. „Eine 

Kernaufgabe für uns als Hochschule ist es, für alle neuen 

Techniken schnell ein Knowhow zu entwickeln, das 

wir dann an die Studierenden weitergeben können“, so 

Binggeser. Der Innovationszyklus für die Technik? „Drei 

bis vier Jahre.“ 

57


EIN NEUER SICHTUNGSRAUM 

ALTES FLAIR TRIFFT AUF NEUE TECHNIK 

Auch ein kleines Sichtungs-Kino wird es in Zukunft im 

Stadtbad geben. „Wir sind eine Filmhochschule, die Studierenden 

wollen das von ihnen Produzierte natürlich 

auch auf einem größeren Screen anschauen“, sagt Stefan 

Binggeser. Um dem kleinen Stadtbad-Kino den gewissen 

Charme zu verleihen, wurden aus dem Stuttgarter Arthaus 

Kino „Atelier am Bollwerk“ dunkelblaue Kinosessel 

übernommen, auf denen es sich die Studierenden in Zukunft 

gemütlich machen dürfen. 

Das denkmalgeschützte Stadtbad ist ein Ort voller Geschichte, 

Kunst und Charme. Mit dem Einzug der Postproduktion 

verbindet sich nun der historische Teil der 

Stadt mit dem modernen. Es entsteht ein Umfeld, in 

dem neue Technologien und altes Flair aufeinandertreffen 

– der ideale Platz für kreatives Schaffen. 

THE POST-PRODUCTION DEPARTMENT 

MOVES TO THE OLD STADTBAD 

The place to give film projects the finishing touches 

PERFECTLY LOCATED, DIRECTLY 

ACROSS THE CAMPUS OF THE FILM- 

AKADEMIE, IS THE STADTBAD – 

A HISTORIC BUILDING FROM 1907 THAT 

USED TO HOUSE PUBLIC BATHS. PROTECTED 

AS A HISTORIC MONUMENT, THE BUILDING 

IMPRESSES WITH CHIC AND INTRICATE GA- 

BLED ROOFS ON THE OUTSIDE, WHILE THE 

INTERIOR STILL BREATHES ART NOUVEAU. 

THE LOWER LEVEL OF THE LOCATION, 

WHERE PEOPLE OF ALL SOCIAL BACK- 

GROUNDS ONCE USED TO BATHE, CLEAN 

AND PAMPER THEMSELVES, IS NOW FILLED 

WITH THE DISTINCT SOUND OF WHIRRING 

OF COMPUTERS AND SERVERS. 

THIS PAST MAY, THE ANIMATIONSINSTITUT 

OF FILMAKADEMIE BADEN-WUERTTEMBERG 

INSTALLED NEW POST-PRODUCTION SPACES 

IN THE OLD PUBLIC BATH. 

In addition to the space occupied by the Animationsinstitut, 

the Stadtbad now also houses a cafeteria for the 

neighbouring schools. When renovation works on the 

building started in 2018/19, the goal was to retain the 

structure and original details to the greatest degree possible, 

in order to maintain the historic flair of the building. 

The city of Ludwigsburg and the responsible architects 

stayed true to that mission – today, even the floor 

of the cafeteria is reminiscent of the original swimming 

pool that originally occupied the space. 

The lower level of the building is now dedicated to the 

Post-Production Department of the Animationsinstitut. 

Filmakademie students across all study specialisations 

use the space to add the finishing touches to their film 

and media productions. 

HIGH-SPEED CONNECTIONS ARE 

A GIVEN 

“As the new location for our Post-Production Department, 

it is a huge benefit that the Stadtbad is just 

around the corner of the Animationsinstitut”, says Joachim 

Genannt, who, in his role as Head of Technology 

at the Animationsinstitut, planned and orchestrated 

the department’s move. It was his final official act – he 

has since retired. According to Genannt, outsourcing the 

58

Post-Production Department to a different building freed 

up valuable additional space in the Animations institut’s 

main building, which is now used for new project rooms 

for the students. 

An additional perk: the hub for Ludwigsburg’s fibre glass 

cables is located within sight of both buildings – highspeed 

connection guaranteed. The Stadtbad now accommodates 

four post-production suites, a kitchenette and 

a lounge area, a screening room, as well as a large seminar 

room. The commodious premises and well-structured 

rooms offer the Post-Production Department 

more space than ever before. However, the history of 

the building always remains in view – be it through the 

character of the restored doors and windows into the inner 

courtyard, or through the motif of the swimmer in 

abstract waves, which is used as decoration throughout 

the rooms. 

ROOM FOR EXPERIMENTS IN EXTEND- 

ED REALITY (XR) 

cutting-edge. “One of our main tasks as a film school is 

to quickly develop know-how of all new and emerging 

technologies, so we can pass it on to the students”, Binggeser 

states. What is this technology’s innovation cycle? 

“About three to four years.” 

A NEW SCREENING ROOM 

The Stadtbad will also be home to a small screening cinema. 

“We are a film school; the students are keen on 

viewing their projects on a bigger screen from time to 

time” says Stefan Binggeser. Dark blue theatre seats were 

installed to add some flair to the small Stadtbad cinema. 

Previously, those had been part of the arthouse cinema 

“Atelier am Bollwerk” in Stuttgart and will now offer a 

comfortable spot to Filmakademie students, while they 

enjoy watching their projects. 

OLD FLAIR MEETS CUTTING-EDGE 

TECHNOLOGY 

At the back end of the new seminar room is a gap in the 

ceiling. “That’s where the LED wall will go” Stefan Binggeser, 

new Head of Technology at the Animationsinstitut 

and successor of Joachim Genannt, explains. The studio 

won’t be fully virtual, but in combination with our 

motion capture system, it will be suitable both for small 

shoots and experiments with virtual production, one of 

the disciplines of Extended Reality (XR). It allows actors 

to work directly with virtual elements on the LED wall. 

All technology used in the new postproduction space is 

The Stadtbad brims with history, art and charm. The 

Post-Production’s move into the old halls connects a 

historic part of town with state-of-the art technology, 

which transforms the old building into a place where 

the modern filmindustry meets the glamour of the past 

– a perfect location for creative work. 

59


DIPLOMA SHOWROOM ANIMATIONSINSTITUT 2024 

Oben: Projektraum CERVUS ROSTRATUS; Unten: Die Diplomand*innen des Jahrgangs 2024 

60


HOLLYWOOD 

ZU GAST 

IN LUDWIGSBURG 

Im April dieses Jahres strömten 

zahlreiche Gäste durch die Flure 

des Animationsinstituts. 

Der Grund hierfür: 

Die Diplomand*innen des 

Jahrgangs 2024 verwandelten 

das Haus in einen prächtigen 

Diploma Showroom und luden zur 

Ausstellung und Präsentation ihrer 

Abschlussarbeiten ein. 

Weitere Infos zum Diploma Showroom, den 

Diplomand*innen 2024 und ihren Projekten 

findet ihr hier: 

62 

HTTPS://ANIMATIONSINSTITUT.DE/DE/ 

BEYOND-STUDY/DIPLOMASHOWROOM

Man fühlt sich wie in eine Dokumentation 

von National Geographic hineinversetzt, 

wenn man den ersten Raum des 

Diploma Showrooms 2024 am Animationsinstitut 

betritt. Ein Team präsentiert dort sein Diplomprojekt: 

CERVUS ROSTRATUS. Der gleichnamige, sogenannte 

„Schnabelhirsch“ ist eine fiktive, ausgestorbene Kreatur 

– erdacht und zum Leben erweckt von Absolvent*innen 

des Animationsinstituts. Filmisch wurde der Schnabelhirsch 

in Form einer Tierdokumentation auf die Leinwand 

gebracht. Auch der Projektraum ist ganz in diesem 

Stil dekoriert. 

CERVUS ROSTRATUS ist eine von neun aktuellen Abschlussarbeiten 

am Animationsinstitut, die die diesjährigen 

Absolvent*innen des Animationsinstituts Ende 

April in ihrem Diploma Showroom – einer hauseigenen 

Werkschau – vorstellten. Mit viel Herzblut gestalteten 

sie Räume im Stil ihrer Projekte mit Zeichnungen, 

Prints, Figuren, Accessoires, Fotos und Making-of- 

Material. In der Grading Suite, dem eigenen kleinen 

Kinosaal des Animationsinstituts, wurden alle Diplomprojekte 

auf der großen Leinwand gezeigt. 

„Hinter der Initiierung des Diploma Showrooms stand 

der Wunsch, die Werke des Abschlussjahrgangs am Semesterende 

auszustellen. Viele Kunsthochschulen bieten 

ihren Graduates eine solche Plattform; das Animationsinstitut 

wollte auch einen solchen Raum schaffen“, 

sagt Christian Müller, verantwortlich für den Bereich Talent 

Initiatives & Productions Beyond Study am Animationsinstitut. 

Er und Constanze Bühner, Head of Studies 

am Animationsinstitut, haben 2023 den ersten Diploma 

Showroom gemeinsam mit den Absolvent*innen dieses 

Jahrgangs auf den Weg gebracht. Die noch neue Tradition 

wurde nun in diesem Jahr fortgesetzt. 

„Die Studierenden des Diplomjahrgangs waren federführend 

bei der Planung und Umsetzung des Diploma 

Showrooms“, sagt Christian Müller. „Von Constanze und 

mir kam der initiale Anstoß. Gemeinsam mit vielen anderen 

Mitarbeitenden des Animationsinstituts haben wir 

die Veranstaltung organisatorisch unterstützt sowie bei 

der Schaffung der richtigen Rahmenbedingungen geholfen. 

Das kreative Konzept und auch viel Hands-on- 

Umsetzung für den Showroom wurden aber von den Diplomand*innen 

selbst verantwortet. Für die Studierenden 

ist das schon ein Kraftakt, dies neben den Diplomprüfungen 

umzusetzen. Es ist auch ein Beweis dafür, wie 

sehr sie hinter der Veranstaltung stehen.“ 

Die Diplomandin Julia Skala gehört zu den treibenden 

Kräften hinter dem diesjährigen Diploma Showroom. 

„Ich habe vor zwei Jahren den Vorsitz für die Fachschaft 

des Animationsinstituts übernommen“, erzählt sie. „Mir 

war es wichtig, dass eine solche Werkschau ein fester 

Bestandteil unseres Abschlusses wird. Es gab schon immer 

ein Screening der Diplomprojekte im Kino Caligari 

auf dem Filmakademie-Campus – das ist auch eine tolle 

Plattform – doch leider ist der Eindruck nicht immer 

bleibend. Gerade beim Animationsfilm gibt es so viele 

konzeptionelle und visuelle Zwischenschritte in der 

Entwicklung, die spannend sind, um einen ganzheitlicheren 

Einblick ins Projekt ermöglichen.“ 

Julia hat in diesem Jahr ihren 2D-Animationsfilm KAUL- 

QUAPPE beim Diploma Showroom präsentiert. Gemeinsam 

mit ihrem Team hat sie den Projektraum mit einer 

Fülle an Zeichnungen, Konzepten und Eindrücken aus 

den unterschiedlichen Entstehungsphasen von KAUL- 

QUAPPE bestückt – von der Idee und dem Konzept bis 

zum finalen animierten Film. Das Thema: Auf einer Klassenfahrt 

kämpft die zehnjährige Marlene mit den Veränderungen 

des eigenen Körpers durch die beginnende Pubertät. 

Die Begegnung mit einer komischen Kaulquappe 

mit Hinterbeinen hilft ihr, im Laufe des Films ein wenig 

Frieden mit ihrer eigenen Veränderung zu schließen. 

Durch die starken, nostalgischen Farben und die generelle 

Ästhetik versetzt der Film sein Publikum zurück in 

eine Kindheit der 2000er Jahre. 

Neben Julia hat sich auch Ferdinand „Ferdi“ Ehrhardt 

stark im studentischen Organisationsteam eingebracht. 

„Wir haben bei der Gesamtplanung unterstützt, aber jedes 

Projektteam hat seinen Raum in Eigenverantwortung 

gestaltet“, sagt er. „Das ist das große Plus des Diploma 

Showrooms: jeder Raum war sehr individuell, 

so wie die Personen und ihre Projekte. Es war auch total 

spannend, die unterschiedlichen Herangehensweisen 

bei der Raumgestaltung zu sehen. Dankenswerterweise 

haben uns viele Kommiliton*innen beim Aufbau unterstützt 

und das Ganze in dieser Form möglich gemacht 

– nicht nur Diplomand*innen, sondern Studierende aus 

allen Jahrgängen.“ 

Ferdis ästhetisch radikales Diplomprojekt DETLEV ist 

ein klassischer, handgemachter Stop-Motion-Animationsfilm 

mit kuriosen Charakteren vor der Kulisse einer 

Autobahn-Raststätte. Ferdi und sein Team stellten 

in ihrem Showroom alles aus: Den Titelhelden, einen 

knautschigen, ewig frierenden Straßenkehrer, der sich 

63


an Toast Hawaii aus der Mikrowelle wärmt, den pickligen 

Kassenjungen der Raststätte und den breit gebauten, 

aufdringlich gutgelaunten Bauarbeiter, der genauso verloren 

in der Welt ist wie Detlev. 

Eine wichtige Zielgruppe, die man mit dem Diploma 

Showroom ansprechen möchte: Vertreterinnen und Vertreter 

aus der Film- und Medienbranche. Ein solches 

Fachpublikum kommt jedes Frühjahr nach Stuttgart, um 

an der Fachkonferenz FMX – Film und Media Exchange, 

dem Internationalen Trickfilm-Festival und den Animation 

Production Days (APD) teilzunehmen, die jedes Jahr 

zeitgleich zueinander stattfinden. Es war also naheliegend, 

den Diploma Showroom in den Zeitraum der sogenannten 

„Stuttgart Animated Week“ zu legen. 

„Wir haben den Termin so gewählt, dass möglichst viele 

Professionals aus unterschiedlichen Branchen beim Diploma 

Showroom vor Ort sein konnten“, sagt Christian 

Müller. „Die internationalen Gäste der FMX sind insbesondere 

für die Absolvent*innen der Studienvertiefung 

Visual Effects spannende Kontakte; wer auf Animationsfilm 

spezialisiert ist, findet eher bei den APD Ansprechpartner*innen 

für die weitere Umsetzung eigener Projekte.“ 

Constanze Bühner und er warben bei den drei 

großen Veranstaltungen in Stuttgart für den Diploma 

Showroom, um Branchenprofis für die Werkschau in 

Ludwigsburg zu begeistern. 

Die Mühe hat sich gelohnt: schlussendlich machten sich 

einige hochkarätige, internationale Fachbesucher*innen 

der „Stuttgart Animated Week“ am Donnerstagnachmittag 

auf den Weg nach Ludwigsburg, mischten sich unter 

die geladenen Gäste und das regionale Fachpublikum. 

mit von der Partie: „Ein Art Director von Disney hat sich 

für uns Zeit genommen und viel von den Projekten erzählt, 

an denen er mitgearbeitet hat. Das war wirklich 

ein wertvoller Einblick und toll für Studierende, die sich 

eine Zukunft bei einem großen Studio wie Disney wünschen.“ 

Überhaupt ist Julia zufrieden mit den Kontakten, die sie 

durch den Diploma Showroom knüpfen und den Gesprächen, 

die sie zu ihrem Projekt führen konnte: „Es 

war toll, von den Besuchenden direkt Feedback zu bekommen, 

das erlebt man sonst nicht so“, sagt Julia. „Die 

Gäste haben in der Grading Suite, dem internen Kino, 

den Film gesehen und sind anschließend zu uns in den 

Raum gekommen, um sich noch mehr mit dem Projekt 

auseinanderzusetzen. Im Vergleich läuft bei einem Festival 

oder einer größeren Veranstaltung ein Film vielleicht 

nur ein Mal. Wir hatten den Vorteil, dass unsere Projekte 

durchgängig in unserer Grading Suite angeschaut werden 

konnten. So haben den Tag hindurch immer wieder 

neue Besuchende das Projekt gesehen und uns anschließend 

mit ihren Fragen angesprochen.“ Ferdi ergänzt: 

„Ich glaube, viele Fachbesuchende der FMX haben sich 

auch gefreut, bei uns so nah dran zu sein an den Projekten. 

Sie waren ganz angetan von unserer Ausstellung 

und ich glaube, Gäste, die dieser Diplomjahrgang begeistern 

konnte, würden auch wiederkommen.“ 

Der Diploma Showroom 2024 am Animationsinstitut 

stand für Gemeinschaft und Teamgeist. Er wird in Erinnerung 

bleiben wegen der Schöpferinnen und Schöpfer 

und ihrer ausgestellten Werke – sowie als leuchtendes 

Beispiel für ein konstruktives kreatives Miteinander. 

Vor Ort waren unter anderem Vertreter*innen der neuseeländischen 

Effektschmiede Weta, die durch die 

HERR DER RINGE-Trilogie von Peter Jackson weltberühmt 

wurde. Auch FMX-Teilnehmer*innen und Speaker*innen 

aus den kreativen Abteilungen sowie dem 

Bereich Human Resources von Woodblock, Pixomondo 

und Netflix waren in Ludwigsburg dabei. Die Diploma 

Showroom Gäste des Weltkonzerns Disney waren so beeindruckt 

von den Arbeiten, dass sie im Nachgang eine 

eigene Veranstaltung für das Animationsinstitut organisierten. 

40 Studierende und Absolvent*innen wurden 

im Rahmen des Animationsfestivals in Annecy zu einem 

Disney Workshop eingeladen – man wollte sie noch besser 

kennenlernen und eine Brücke zwischen dem Animationsinstitut 

und Disney bauen. Julia Skala war auch 

64 

PROJEKTE DIPLOMA SHOWROOM 2024 

KAULQUAPPE 

PEAR GARDEN 

CERVUS ROSTRATUS 

CURSE OF THE HAMMAM 

SPARK 

DETLEV 

THE UNDYING PAIN OF EXISTENCE 

DEAD END 

THE DEEP ABOVE

HOLLYWOOD 

VISITS 

LUDWIGSBURG 

In April this year, numerous guests 

streamed through the corridors of 

the Animationsinstitut. 

The reason for this: the graduates 

of the class of 2024 transformed the 

building into a magnificent Diploma 

Showroom and invited guests to the 

exhibition and presentation of their 

final projects. 

More information on the Diploma Showroom, 

the Animationsinstitut’s graduates of 2024 and 

their projects can be found here: 

HTTPS://ANIMATIONSINSTITUT.DE/EN/ 

BEYOND-STUDY/DIPLOMASHOWROOM 

65


Entering the first room of the Diploma Showroom 

2024 feels like stepping into a National 

Geographic documentary. Here, the team 

behind CERVUS ROSTRATUS presented their diploma 

project. CERVUS ROSTRATUS, also called the “beaked 

deer”, is a fictional extinct creature – imagined and 

brought to life by recent graduates of the Animationsinstitut. 

For the silver screen, the beaked deer was 

brought to life in the style of a nature documentary; the 

project room was decorated to mirror that style. 

CERVUS ROSTRATUS is one of nine final projects at 

the Animationsinstitut this year. The graduates presented 

their work in the diploma showroom late this April. 

They poured their hearts and souls into decorating their 

rooms to reflect their projects – using drawings, prints, 

figurines, accessories, pictures and making-of footage. In 

the Grading Suite, the small cinema at the Animationsinstitut, 

all diploma projects ran on the big screen. 

“The diploma showroom was created to showcase the 

creations of the graduation year at the end of term. Many 

art colleges offer this kind of platform to their graduates; 

we wanted to provide the space to do that at the Animationsinstitut, 

too,” says Christian Müller, who is responsible 

for the department of Talent Initiatives & Productions 

Beyond Study at the Animationsinstitut. He and 

Constanze Bühner, Head of Studies at the Animationsinstitut, 

got the first diploma showroom off the ground 

last year, by collaborating with the diploma students at 

the time. This still young tradition was continued this 

year. 

“The diploma students were in charge of planning and 

realising their showroom,” says Christian Müller, “Constanze 

and I merely initiated it. In collaboration with 

many of our colleagues at the Animationsinstitut, we offered 

support in the organizational aspects and helped 

create a suitable framework for the event. However, the 

creative concept as well as the hands-on realisation was 

implemented by the diploma students. It really proves 

how much they value this event.” 

Graduate Julia Skala was part of the driving force behind 

this year’s Diploma Showroom. “Two years ago, I took 

over as student body president at the Animationsinstitut,” 

she says, “establishing the showroom as a fixed part 

of graduation was really important to me. The diploma 

projects have always screened at the Caligari Cinema on 

campus – and that is a great platform – but does not 

necessarily leave a lasting impression. Especially when it 

66 

comes to animation, there are so many conceptual and 

visual steps during the development of the film that are 

exciting and offer a more holistic insight into the project.” 

Julia presented her 2D animated film KAULQUAPPE 

(POLLIWOG) at this year’s diploma showroom. Together 

with her team, she filled their project room with an 

abundancy of material and impressions from different 

phases of production – from the idea and concept 

through to the finished film. The film’s theme: on a class 

trip, ten-year-old Marlene struggles with how her body 

changes as puberty sets in. But meeting a weird tadpole 

with legs helps her become more at ease with how she 

is changing. The strong, nostalgic colouring and general 

aesthetic of the film draws viewers back into a childhood 

of the 2000s. 

Alongside Julia, Ferdinand “Ferdi” Ehrhardt also participated 

in the organising student team. “We took care of 

the overall planning, but the design of each room was 

the teams’ own responsibility,” he says, “This is one of 

the diploma showroom’s big pros: every single room is 

highly unique, just like the people and their projects. It 

was also hugely exciting to see the different ways every 

team approached decorating. Thankfully, many of our 

fellow students supported us during installation – not 

just graduates, but students of every year. They are the 

ones who really made this possible.” 

Ferdi’s aesthetically radical diploma project DETLEV is a 

classic, handmade stop motion animated film featuring 

curious characters and a service station as backdrop. In 

their showroom, Ferdi and his team exhibited everything 

they had: the titular main character, a crumpled, always 

freezing street sweeper, who warms himself on microwaved 

toast Hawaii; the acne-ridden cashier at the service 

station; the broad-shouldered, obtrusively cheerful 

builder who is just as lost in this world as Detlev. 

The diploma showroom’s most important target group: 

representatives of the film and media industry. Every 

spring, industry professionals travel to Stuttgart to visit 

the FMX – Film and Media Exchange conference. The 

International Festival of Animated Film and the Animation 

Production Days (APD) also take place every year at 

the same time. Therefore, holding the diploma showroom 

as part of this “Stuttgart Animated Week” seemed 

like a logical choice.

“We chose the date specifically, because we wanted as 

many professionals from different fields as possible to 

be able to attend the diploma showroom in person,” 

Christian Müller states, “The international audience at 

FMX offers exciting connections, especially for VFX 

graduates. Those who specialised in Animation are more 

likely to meet the right people to further their projects 

at the APD.” He and Constanze Bühner advertised the 

diploma showroom at all three events; arousing interest 

among industry professionals for the showroom in 

Ludwigsburg. 

And it paid off: many top-level international experts 

visit ing the “Stuttgart Animated Week” made their way 

to Ludwigsburg on Thursday afternoon to mingle with 

invited guests and the regional expert audience. 

Among them were representatives of New Zealand’s Weta 

effects power house that achieved world-wide renown 

through their work on the LORD OF THE RINGS trilogy 

by Peter Jackson. Some FMX visitors and speakers 

from creative as well as human resources departments 

at Woodblock, Pixomondo and Netflix also attended the 

event in Ludwigsburg. The diploma showroom visitors 

from global player Disney were so impressed by the 

students’ work that they organised a separate event just 

for them. 40 students and graduates were invited to join 

an exclusive Disney workshop at the Animation Festival 

in Annecy, France, building a connection between 

Disney and the Animationsinstitut. Julia Skala also attended 

the workshop: “An art director from Disney took 

the time to tell us a lot about the projects he worked on. 

He offered some really valuable insights. It was a great 

opportunity for students that hope to work for a big studio 

like Disney in the future.” 

Generally, Julia is very happy about the connections she 

was able to forge during the diploma showroom, as well 

as the conversations she had about her project. “Getting 

direct feedback from the visitors was great, that doesn’t 

usually happen,” Julia says, “they watched the film in the 

grading suite, our screening room, then came to see us 

afterward, to learn more about the project. At festivals or 

bigger events, films usually only screen once, but here 

we were able to show them in a constant loop. That was 

a big benefit for us. All throughout the day, new people 

watched the project and approached us with their questions 

afterward.” Ferdi adds: “I think many professionals 

at the FMX were happy to get so close to our projects. 

They really enjoyed our exhibition, and I think those 

who were impressed by what our year did will definitely 

come back. 

The 2024 diploma showroom at the Animationsinstitut 

represents community and team spirit. It will be remembered 

for the creators and their work – and as a 

glowing example for constructive and creative collaborations. 

2024 DIPLOMA SHOWROOM PROJECTS 

POLLIWOG 

PEAR GARDEN 

CERVUS ROSTRATUS 

CURSE OF THE HAMMAM 

SPARK 

DETLEV 


DEAD END 

THE DEEP ABOVE 

Props in the project room 


67


INFO-BOX 

Das Atelier wirkt als Pionier im Bereich 

der ganzjährigen Postgraduierten- 

Ausbildung in Vollzeit für Filmproduktion 

und -verleih mit europäischer Ausrichtung. 

Es entstand 2001 unter der Schirmherrschaft 

der im Jahr 1999 gegründeten 

Deutsch-Französischen Filmakademie auf 

Initiative der deutschen und französischen 

Regierungen. Das Ziel der Deutsch-Französischen 

Filmakademie ist es, die filmische 

Zusammenarbeit der beiden Länder zu 

verbessern. Gefördert wird das Programm 

auf deutscher Seite von der EU-Kommission 

(Creative Europe, MEDIA) sowie vom 

Ministerium für Wissenschaft, Forschung 

und Kunst Baden-Württemberg, der 

Beauftragten der Bundesregierung für 

Kultur und Medien sowie dem 

Deutsch-Französischen Jugendwerk. 

DE LÉAU SOUS LES PONTS 

68

LEITUNG: 

_PROF. GERHARD MEIXNER (FILMAKADEMIE) 

_PROF. ROMAN PAUL (FILMAKADEMIE) 

_PIERRE-YVES JOURDAIN (LA FÉMIS) 

PROGRAMMKOORDINATION: 

_DOROTHEE MARTIN 

PROJEKTBETREUUNG: 

_JULIAN BOGENFELD 

Neben den theoretischen Inhalten, die von aktiven Expertinnen 

und Experten aus der Branche vermittelt werden, 

spielen Exkursionen (z.B. Arte Straßburg) und Festivalbesuche 

(Berlinale, Festival de Cannes, Series Mania, 

Clermont-Ferrand) eine große Rolle, genauso wie ein 

Praktikum im Verleih oder Weltvertrieb. Dadurch kann 

sichergestellt werden, dass aktuelle Entwicklungen und 

Trends der Branche, wie zum Beispiel Einflüsse durch 

Künstliche Intelligenz oder ökologisch nachhaltige Filmproduktion, 

im Curriculum berücksichtigt werden. 

ATELIER 


JUNGE FILMSCHAFFENDE HAUPTSÄCH- 

LICH AUS EUROPA, ABER AUCH AUS DER 

GANZEN WELT, KOMMEN JEDES JAHR IM 

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS ZUSAMMEN 

MIT DEM ZIEL, IN DER PRODUKTION ODER 

IM VERLEIH/VERTRIEB ZU ARBEITEN. ES 

ERWARTET SIE EIN GEMEINSAMES JAHR MIT 

INTENSIVEM TRAINING IN DEN BEREICHEN 

STOFFENTWICKLUNG, FINANZIERUNG, PRO- 

DUKTION, VERTRIEB UND MARKETING. AN- 

GEBOTEN WIRD DIE IN EUROPA EINMALIGE 

AUSBILDUNG VON ZWEI DER FÜHRENDEN 

FILMHOCHSCHULEN IN FRANKREICH UND 

DEUTSCHLAND: VON LA FÉMIS IN PARIS 

UND DER FILMAKADEMIE BADEN-WÜRT- 

TEMBERG. SEIT 2007 IST DIE ANGESEHENE 

NATIONAL FILM AND TELEVISION SCHOOL 

(NFTS) IN BEACONSFIELD BEI LONDON EIN 

WEITERER KOOPERATIONSPARTNER. 

Der rote Faden, der sich durch das Weiterbildungsjahr 

zieht, ist die Kurzfilmproduktion. Die Produktion einer 

Kurzfilmreihe, die in Kooperation der beiden Hochschulen 

gemeinsam mit ARTE und dem SWR als Koproduzenten 

hergestellt wird, ist das zentrale Projekt im 

Curriculum des Ateliers. Jährlich entstehen zu einem gemeinsamen 

Thema bis zu neun Kurzfilme, die die Teilnehmenden 

in binationalen Producer*innen-Teams zusammen 

mit Studierenden der jeweiligen Hochschule 

erarbeiten und über das Jahr hinweg erfolgreich umsetzen. 

Im Studienjahr 2023/24 stand die Kurzfilmreihe 

unter dem Motto „Außer Atem“. Die Filme wurden im 

Februar 2024 auf dem Max Ophüls Festival präsentiert 

und im April auf Arte ausgestrahlt. 

Die mittlerweile über 350 Absolventinnen und Absolventen 

des Ateliers bilden ein starkes und aktives Netzwerk. 

Sie kommen im Atelier Network, dem Alumni-Verein, 

regelmäßig zusammen und tauschen Informationen, Erfahrungen, 

Kontakte und Jobangebote aus. Auch grenzüberschreitende 

Filmprojekte werden gemeinsam von 

Alumni entwickelt. Sie bereichern dadurch die europäische 

Filmbranche und tragen zu deren Stärkung bei. 

Mittlerweile erstreckt sich das Netzwerk auch über Europa 

hinaus in die ganze Welt. Insgesamt haben bislang 

Alumni mit 41 verschiedenen Nationalitäten am Programm 

des Atelier Ludwigsburg-Paris teilgenommen. 

Exkursion zu ARTE 

69


DREI FRAGEN AN ALUMNI DES JAHRGANGS 

2022/23 

Es ist schwierig, das ganze Jahr in einem einzigen Highlight 

zusammenzufassen. Besonders die besuchten Festivals 

wie Series Mania in Lille oder die Filmfestspiele von 

Cannes waren für sich genommen Highlights. Doch das 

wahre Highlight des Atelier-Jahres sind die Menschen, 

die man trifft – seien es die eigenen Atelier-Teilnehmer*innen, 

die Expert*innen, die ihr Wissen und Können 

mit uns teilen, oder die Studierenden der verschiedenen 

Filmhochschulen, die wir besucht haben. 

REBECCA HARTUNG aus Deutschland hat zusammen 

mit Alexia Wallemacq aus Frankreich den Kurzfilm ME- 

LODIES OF BARKING DOGS an der Filmakademie produziert 

und arbeitet mittlerweile als Festival-Managerin 

bei Pluto Film. 

Bei der Kurzfilmproduktion habt ihr als Producer*innen 

in binationalen Teams zusammengearbeitet. 

Was habt ihr daraus für eure Zeit nach 

dem Atelier mitnehmen können? 

Die Zusammenarbeit in der Kurzfilmproduktion brachte 

wertvolle Einblicke in verschiedene Produktionsweisen, 

Crew-Positionen und Arbeitsmethoden. Es zeigte 

uns, wie Spezialisierungen und Verantwortlichkeiten variieren 

können. Besonders wertvoll war das gegenseitige 

Lernen. Unsere interkulturelle Kompetenz wurde gestärkt, 

und wir erkannten die Wichtigkeit von Offenheit, 

Respekt und Verständnis für andere Arbeitsweisen. Das 

entstandene internationale Netzwerk bietet nun neue 

Kooperationsmöglichkeiten für zukünftige Projekte. 

Welche besonderen Herausforderungen sind euch 

beim Dreh eures Films begegnet? 

Beim Dreh unseres Films haben wir viele positive Erfahrungen 

gemacht. Der Dreh verlief sehr reibungslos dank 

einer hoch motivierten Crew und einem tollen Cast. 

Die einzige Herausforderung war, die Zeit zur „blauen 

Stunde“ einzuhalten. Hier waren eine gute Planung und 

Timing sehr wichtig. Das übte natürlich Druck auf alle 

Beteiligten aus. Doch dem Druck haben wir standgehalten 

und haben tolles Material gedreht. 

Was war dein Highlight während des Atelier- 

Jahrs? 

GIULIA COLOMBINI aus Italien arbeitete zusammen 

mit Cécile Point aus Frankreich am Kurzfilm DE LÉAU 

SOUS LES PONTS, der in der Nähe von Paris gedreht 

wurde. Sie arbeitet mittlerweile als Executive Assistant 

to Director bei Illumination Studios Paris. 

Während der Kurzfilmproduktion habt ihr als 

Produzent*innen in binationalen Teams zusammengearbeitet. 

Was habt ihr daraus für eure Zeit 

nach dem Atelier mitgenommen? 

Was ich aus der Kurzfilmproduktion mitnehme, ist die 

entscheidende Bedeutung von Zuhören und klarer Kommunikation. 

Die Zusammenarbeit mit einer talentierten 

Partnerin und einem großartigen Team hat den Prozess 

reibungslos und angenehm gemacht und mir gezeigt, 

dass Zusammenarbeit durch offenen Ideenaustausch gedeiht. 

Außerdem habe ich dauerhafte Beziehungen zu 

Filmprofis geknüpft, die ich jetzt als Freunde betrachten 

kann. 

Vor welchen besonderen Herausforderungen 

standet ihr bei den Dreharbeiten zu eurem Film? 

Die Dreharbeiten auf dem Wasser mit einem rebellischen 

Tretboot sorgten für urkomische chaotische Szenen, die 

unseren Herausforderungen auch eine komische Seite 

gaben. Die sengende Hitze während der Hundstage im 

70

Juli kam noch hinzu und machte jeden Tag zu einem intensiven 

Härtetest. Außerdem mussten wir gemeinsam 

mit der Regisseurin darauf achten, dass unsere Schauspieler*innen 

authentisch und nuanciert blieben und 

nicht zu Karikaturen und Klischees wurden. 

Was war dein Highlight während des Atelier- 

Jahres? 

Ich kann keinen bestimmten Moment des Ateliers hervorheben; 

jeder Augenblick trug zu einer unvergesslichen 

Erfahrung bei. Was am meisten nachhallt, ist die 

„Atelier-Familie“, die wir während des Jahres gebildet 

haben – eine Einheit, in der wir unsere Leidenschaften 

teilen konnten und uns mit unseren Persönlichkeiten so 

akzeptiert haben, wie wir sind. Teil dieser kreativen Gemeinschaft 

zu sein, in der Ideen frei fließen können, ohne 

dass man ein Urteil fürchten muss, und in der man 

immer Unterstützung findet, unabhängig von seinem 

Standort oder seinem Karrierestadium, ist für mich unglaublich 

wertvoll. 

BEWERBUNG UND TEILNAHME 

FÜR WEN? JUNGE FILMSCHAFFENDE – 

BEWERBER*INNEN AUS ALLER WELT 

Das Weiterbildungsjahr wendet sich an 

angehende Produzent*innen und Verleiher*innen 

aus Europa und der ganzen Welt 

im Alter von bis zu 30 Jahren und bietet 

eine vertiefende Ausbildung mit europäischer 

Ausrichtung. Absolvent*innen von 

Filmhochschulen oder anderen relevanten 

Studiengängen mit ersten Berufserfahrungen 

in der Filmwirtschaft sind die Zielgruppe. 

ERFORDERLICHE SPRACHKENNTNISSE 

Sehr gute Englischkenntnisse; Deutschund 

Französischkenntnisse sind von Vorteil. 

WEITERE INFORMATIONEN AUF 

DER WEBSITE DES 


www.atelier-ludwigsburg-paris.com 

FOLGT UNS AUF FACEBOOK UND 

INSTAGRAM UNTER 

FB.ME/AtelierLudwigsburgParis 

https://www.instagram.com/ 

atelierludwigsburgparis/ 

Von oben: Am Set von EMBRASURE / 

Still MELODIES OF BARKING DOGS / 

Exkursion zu Series Mania 

71


INFO-BOX 

The Atelier is a pioneer in the field 

of full-time, year-round post-graduate 

training for film production and 

distribution with a European focus. 

It was founded in 2001 under the 

auspices of the Franco-German Film 

Academy, which was established in 

1999 on the initiative of the German 

and French governments. The aim of 

the Franco-German Film Academy 

is to improve film co-operation between 

the two countries. On the German 

side, the programme is funded by 

the EU Commission (Creative Europe, 

MEDIA) as well as the Ministry 

of Science, Research and the Arts 

Baden-Wuerttemberg, the Federal 

Government Commissioner for Culture 

and the Media and the Franco-German 

Youth Office. 

MELODIES OF BARKING DOGS 

72

PROGRAMME HEADS: 

_PROF GERHARD MEIXNER (FILMAKADEMIE) 

_PROF ROMAN PAUL (FILMAKADEMIE) 

_PIERRE-YVES JOURDAIN (LA FÉMIS) 

PROGRAMME COORDINATION: 

_DOROTHEE MARTIN 

PROJECT SUPERVISION: 

_JULIAN BOGENFELD 

ATELIER 


YOUNG FILMMAKERS, MAINLY FROM 

EUROPE, BUT ALSO FROM ALL OVER 

THE WORLD, COME TOGETHER EVERY YEAR 

AT THE ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS WITH 

THE AIM OF WORKING IN PRODUCTION 

OR DISTRIBUTION. A YEAR OF INTENSIVE 

TRAINING IN THE AREAS OF FILM DEVELOP- 

MENT, FINANCING, PRODUCTION, DISTRIBU- 

TION AND MARKETING AWAITS THEM. THE 

PROGRAMME, WHICH IS UNIQUE IN EURO- 

PE, IS OFFERED BY TWO OF THE LEADING 

FILM SCHOOLS IN FRANCE AND GERMANY: 

LA FÉMIS IN PARIS AND FILMAKADEMIE 

BADEN-WUERTTEMBERG. SINCE 2007, THE 

PRESTIGIOUS NATIONAL FILM AND TELE- 

VISION SCHOOL (NFTS) IN BEACONSFIELD 

NEAR LONDON HAS BEEN A FURTHER 

CO-OPERATION PARTNER. 

In addition to the theoretical content, which is taught 

by active experts from the industry, excursions (e.g. 

Arte Strasbourg) and festival visits (Berlinale, Festival 

de Cannes, Series Mania, Clermont-Ferrand) play a major 

role, as does an internship in distribution or global 

sales. This ensures that current developments and trends 

in the industry, such as the influence of artificial intelligence 

or ecologically sustainable film production, are 

taken into account in the curriculum. 

The common thread running through the training year 

is short-film production. The production of a short film 

series, which is conducted in cooperation between the 

two universities together with ARTE and SWR as co-producers, 

is the central project in the Atelier´s curriculum. 

Every year, up to nine short films are created on a common 

theme, which the participants work on in binational 

producer teams together with students from the 

respective university and successfully realise over the 

course of the year. In the 2023/24 academic year, the 

short film series was entitled ‘Out of Breath’. The films 

were presented at the Max Ophüls Festival in February 

2024 and broadcast on Arte in April. 

The more than 350 graduates of the atelier now form a 

strong and active network. They meet regularly in the 

Atelier Network, the alumni association, and exchange 

information, experiences, contacts and job openings. 

Cross-border film projects are also developed jointly by 

alumni. This enriches the European film industry and 

helps to strengthen it. The network now extends beyond 

Europe to the whole world. To date, alumni of 41 different 

nationalities have come through the Atelier Ludwigsburg-Paris 

programme. 

First day in Ludwigsburg 

73


THREE QUESTIONS FOR ALUMNI 

OF THE 2022/23 COHORT 

It‘s difficult to summarise the whole year in a single 

highlight. The festivals we attended, such as Series 

Mania in Lille or the Cannes Film Festival, were highlights 

in and of themselves. But the real highlight of 

the atelier year is the people you meet – be it our own 

Atelier attendees, the experts who share their knowledge 

and skills with us, or the students from the various film 

schools we visited. 

REBECCA HARTUNG from Germany produced the 

short film MELODIES OF BARKING DOGS at the 

Filmakademie together with Alexia Wallemacq from 

France and now works as a festival manager at Pluto 

Film. 

You worked together as producers in binational 

teams on the short film production. What did 

you take away from this for your time after the 

studio? 

Working together in short-film production gave us valuable 

insights into different production methods, crew 

positions and working methods. It showed us how specialisations 

and responsibilities can vary. The mutual 

learning was particularly valuable. Our intercultural 

competence was strengthened and we recognised the 

importance of openness, respect and understanding for 

other ways of working. The resulting international network 

now offers new opportunities for co-operation on 

future projects. 

What particular challenges did you face while 

making your film? 

GIULIA COLOMBINI from Italy worked together with 

Cécile Point from France on the short film DE L‘EAU 

SOUS LES PONTS, which was shot near Paris. She now 

works as Executive Assistant to Director at Illumination 

Studios Paris. 

During the short-film production, you worked 

together as producers in bi-national teams. What 

did you take away from this for your time after 

the Atelier? 

What I take with me after the short-film production is 

the crucial importance of listening and clear communication. 

Working with a talented partner and a great team 

made the process smooth and enjoyable, reinforcing that 

collaboration thrives on open idea exchange. Additionally, 

I‘ve gained lasting relationships with film professionals 

who I now can consider friends. 

We had many positive experiences while shooting our 

film. The shoot went very smoothly thanks to a highly 

motivated crew and a great cast. The only challenge 

was keeping to the ‘blue hour’. Good planning and timing 

were very important here. This naturally put pressure 

on everyone involved. But we rose to the challenge 

and shot some great material. 

What was your highlight during the Atelier year? 

What particular challenges did you face while 

shooting your film? 

Shooting on water with a rebellious pedalo created hilariously 

chaotic scenes, adding a comic twist to our challenges. 

The scorching heat of July during the dog days 

added to our ordeal, making each day an intense test of 

endurance. On top of that, we had to make sure, together 

with the director, that our actors remained genuine and 

nuanced, fiercely avoiding caricature and cliché. 

74

What was your highlight during the Atelier year? 

I cannot single out a specific moment from the Atelier; 

each instant contributed to an unforgettable experience. 

What resonates most is the ‘Atelier family’ we created 

during the year - the unity of sharing our passions and 

being accepted for our true selves. Being part of this creative 

community, where ideas flow freely without fear 

of judgement and where you can always find support 

regardless of your location or career stage, is incredibly 

valuable to me. 

APPLICATION AND PARTICIPATION 

FOR WHOM? YOUNG FILMMAKERS – 

APPLICANTS FROM ALL OVER THE 

WORLD 

The training year is aimed at aspiring producers 

and distributors from Europe and 

around the world aged up to 30 and offers 

in-depth training with a European focus. 

Graduates of film schools or other relevant 

degree programmes with initial professional 

experience in the film industry 

are the target group. 

REQUIRED LANGUAGE SKILLS 

Very good knowledge of English; knowledge 

of German and French is an advantage. 

FURTHER INFORMATION ON THE 

WEBSITE OF THE ATELIER LUD- 

WIGSBURG-PARIS 

www.atelier-ludwigsburg-paris.com 

FOLLOW US ON FACEBOOK AND 

INSTAGRAM AT 

FB.ME/AtelierLudwigsburgParis 

https://www.instagram.com/ 

atelierludwigsburgparis/ 

Top to bottom: Team EMBRASURE / 

Set photos DE LÉAU SOUS LES PONTS 

75


**NOLLYWOOD 

WORKSHOP 

76


BENIN CITY 

EDITION** 77


**NOLLYWOOD WORKSHOP – 

BENIN CITY EDITION** 

DER NOLLYWOOD WORKSHOP – BENIN 

CITY EDITION IST EIN INTERKULTUREL- 

LES FILMPROJEKT DER FILMAKADEMIE BA- 

DEN-WÜRTTEMBERG IN ZUSAMMENARBEIT 

MIT NIGERIANISCHEN FILMSCHAFFENDEN. 

DAS AUF DREI JAHRE ANGELEGTE PROJEKT 

IST TEIL DER NIGERIANISCH-DEUTSCHEN 

KÜNSTLERISCHEN KOOPERATIONEN, DIE IM 

ZUGE DER RÜCKGABE DER BENIN-BRON- 

ZEN IM JAHR 2022 DURCH DIE BUNDESRE- 

GIERUNG INS LEBEN GERUFEN WURDEN. 

„NOLLYWOOD“ GILT ALS ZWEITGRÖSSTE 

FILMINDUSTRIE DER WELT MIT ENORMEM 

EINFLUSS AUF DEM AFRIKANISCHEN KONTI- 

NENT: DIE NIGERIANISCHE FILMINDUSTRIE 

PRODUZIERT JÄHRLICH BIS ZU 2.000 FILME 

UND BESCHÄFTIGT ÜBER EINE MILLION 

MENSCHEN. 

diesem Prozess zeigte sich, wie Film zur Völkerverständigung 

und zum kulturellen Austausch beitragen kann. 

Das Medium ermöglicht es den Studierenden, über ihre 

gewohnten Arbeitsweisen hinauszublicken, ihre filmische 

Erzählung zu hinterfragen und voneinander zu 

lernen. Herausforderungen wie Stromausfälle und Sicherheitsprobleme 

verdeutlichten zudem die Realitäten 

außerhalb der komfortablen Umgebung der Filmakademie 

in Ludwigsburg. 

Zum Abschluss des ersten Zyklus wurde ỌKPẸN-ẸZẸ 

im Goethe-Institut in Lagos gezeigt. Im Sommersemester 

2024 waren zwei nigerianische Teilnehmende des 

Workshops an der Filmakademie in der Internationalen 

Klasse zu Gast. Die Fortsetzung des Workshops in den 

Jahren 2025 und 2026 bietet die Möglichkeit zur Erweiterung 

des Netzwerks und zur Vertiefung der Zusammenarbeit. 

Bei der ersten Ausgabe des Workshops, die im November 

und Dezember 2023 stattfand, arbeiteten sechs deutsche 

und sechs nigerianische Studierende vier Wochen 

lang in Benin City, Nigeria, gemeinsam an einem Film 

und besuchten das Africa International Film Festival 

(AFRIFF) in Lagos. Unterschiedliche Arbeitsweisen und 

erzählerische Traditionen überbrückend, mündete die 

Kooperation erfolgreich in die Produktion und Präsentation 

des Kurzfilms ỌKPẸN- ẸZẸ (BY THE RIVERSIDE). 

Der Film handelt von Esohe, deren zehnjährige Tochter 

Osayuki tragisch in einem nahegelegenen Fluss ertrinkt. 

Um die Wassergöttin zu besänftigen, verlangt die Tradition 

die Beerdigung des Körpers der Ertrunkenen in der 

Nähe des Flusslaufs. Esohe jedoch kann sich nicht von 

den sterblichen Überresten ihrer geliebten Tochter trennen, 

woraufhin die erzürnte Wassergöttin Olokun vom 

Körper des toten Mädchens Besitz ergreift. 

Die Entwicklung des Filmprojektes brachte die unterschiedlichen 

erzählerischen und filmischen Traditionen 

der Beteiligten zu Tage. Der gemeinsamen Stoffentwicklung 

kam eine besondere Bedeutung zu, denn je nach 

kulturellem Hintergrund blickten die Teilnehmenden 

mitunter völlig unterschiedlich auf die Geschichte. In 

GUIDO LUKOSCHEK, 

LEITER DES INTERNATIONALEN BÜROS: 

„Durch eigenständige Praktiken und Produktionsweisen 

ergänzt der Nollywood Workshop die Lehre an der Filmakademie 

um komplementäre Elemente und vermittelt 

den Teilnehmenden benötigte Kompetenzen für Karrieren 

auf einem zunehmend globalen Markt. Wir freuen 

uns, dass wir unseren Studierenden diese einzigartigen 

Möglichkeiten bieten können, was nur durch die 

herausragende Unterstützung eines engagierten Netzwerks 

aus Partnern in Deutschland und Nigeria möglich 

ist. Unser Dank gilt der Beauftragten der Bundesregierung 

für Kultur und Medien (BKM) und ARRI, dem 

weltweit führenden Anbieter von Filmtechnik. In Nigeria 

unterstützen das Edo State Ministry of Arts, Culture, 

Tourism and Diaspora Affairs, der Victor Uwaifo Creative 

Hub & Sound Stage sowie das AFRIFF/Africa International 

Film Festival das Projekt. Nigerianische Gaststudierende 

an der Filmakademie erhalten Stipendien des 

Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst 

Baden-Württemberg.“ 

78

**ZITATE:** 

*GINA STEPHAN (MAKE-UP UND KOSTÜME):* 

„Es war wahnsinnig intensiv, das hat uns zusammengeschweißt.“ 

„Wir waren mehrere Tage auf dem riesigen Markt 

in Benin City und haben nach geeigneten Kleidern 

gesucht. Ohne Isabella wäre ich völlig verloren 

gewesen.“ 

*ISABELLA OMOREGIE (MAKE-UP UND KOSTÜME):* 

„Trotzdem dachte ich ganz oft: Macht schneller, es 

wird bald dunkel.“ 

„Es ist besser, die Kostüme am Tag vorher abzuholen 

und nicht erst auf dem Weg zum Dreh.“ 

*OSAKPOLOR OMOREGIE (CO-REGIE):* 

„Initiativen wie diese sind wichtig, nicht 

nur für uns als Menschen, sondern auch als 

Filmemacher*innen, die mit der großen Verantwortung 

betraut sind, Geschichten zu entwickeln, 

die über Grenzen hinausgehen.“ 

*JOHANNA GRÄWINGER (KAMERATEAM):* 

„Es ist wunderbar, Filmemacher*innen aus Benin 

kennenzulernen und mit ihnen zu arbeiten.“ 

„Es war interessant und aufschlussreich, dieses 

Projekt in einer anderen Art des Filmemachens 

zu realisieren, als wir es gewohnt sind. Viele von 

uns nutzten diese Zeit auch, um in Abteilungen 

mitzuarbeiten, die nicht zu unserer üblichen 

Rolle am Set gehören. Auf diese Weise konnten 

wir unsere kulturellen, sozialen und beruflichen 

Fähigkeiten erweitern.“ 

**TEAM & SCHAUSPIEL & KOORDINATION DES 

FILMS ỌKPẸN- ẸZẸ (BY THE RIVERSIDE):** 

*BUCH:* 

Leif Eisenberg (FABW), Oluwagbemiga Idahosa (N) 

*REGIE:* 

Basilio Maritano (FABW), Omoregie Osakpolor (N) 

*KAMERA:* Paul Sonntag (FABW) 

*KAMERAASSISTENZ:* Johanna Gräwinger (FABW) 

*PRODUCER:* Joseph Okhomina (FABW) 

*MAKE-UP UND KOSTÜME:* Isabella Omoregie (N), 

Gina Stephan (FABW) 

*SETELEKTRIKER:* Osakpolor Lawani (N) 

*SETTON:* Gabriel Opute (N) 

*SCHAUSPIEL:* 

Osayuki: Benita Akoko (N) 

Esohe: Choice Edobor (N) 

Priester: Utetenegiabi Om-Osagie (N) 

*KOORDINATION:* 

Abel Alechenu (N) 

Márk Szilágyi (FABW) 

*TEILNEHMER:* 

Omoregie Osakpolor (2023) und Koordinator Abel Alechenu 

(2022) haben in den vergangenen Jahren, jeweils 

gefördert durch das Baden-Württemberg STIPENDIUM 

der Baden-Württemberg Stiftung, ein Gastsemester in 

der Internationalen Klasse der FABW absolviert. 

79


PARTNERINSTITUTIONEN 

EDUCATIONAL PARTNER INSTITUTIONS 

· AFDA – THE SOUTH AFRICAN SCHOOL OF 

MOTION PICTURE, LIVE RECORDING AND LIVE 

PERFORMANCE, SOUTH AFRICA 

· AL-QUDS UNIVERSITY, RAMALLAH, PALESTINE 

· BEJING FILM ACADEMY, BEJING, CHINA 

· DODGE COLLEGE, ORANGE COUNTY, 

CALIFORNIA, USA 

· ESAV, MARRAKECH, MOROCCO 

· FREE SZFE, BUDAPEST, HUNGARY 

· LINDENWOOD UNIVERSITY, ST. CHARLES, 

MISSOURI, USA 

· MOHOLY-NAGY UNIVERSITY OF ART AND 

DESIGN (MOME), BUDAPEST, HUNGARY 

(ANIMATION) 

· MOPA, ARLES, FRANCE (ANIMATION) 

· NTUA, NATIONAL TAIWAN UNIVERSITY OF 

ARTS, NEW TAIPAI CITY, TAIWAN 

· THE ANIMATION WORKSHOP, VIBORG, 

DENMARK (ANIMATION) 

· FTII, PUNE,INDIA 

· GOBELINS L’ÉCOLE DE L’IMAGE, PARIS, 

FRANCE (ANIMATION) 

· INCINE, QUITO, ECUADOR 

· KIBBUTZIM COLLEGE, TEL AVIV, ISRAEL 

· THE STAN RICHARDS SCHOOL OF 

ADVERTISING AND PUBLIC RELATIONS IN THE 

MOODY COLLEGE OF COMMUNICATION 

AT THE UNIVERSITY OF TEXAS AT AUSTIN, USA 

(ADVERTISING FILM) 

· UCLA EXTENSION, LOS ANGELES, 

CALIFORNIA, USA 

· KOREA NATIONAL UNIVERSITY OF ARTS, 

SEOUL, REPUBLIC OF KOREA 

· LA FÉMIS, PARIS, FRANCE 

· UNIVERSIDAD DE VALPARAISO, CHILE 

· UNIVERSIDAD DEL CINE, BUENOS AIRES, 

ARGENTINA 

· LA SALLE, BARCELONA, SPAIN 

(ANIMATION) 

· 

80

**NOLLYWOOD WORKSHOP – 

BENIN CITY EDITION** 

THE NOLLYWOOD WORKSHOP – BENIN 

CITY EDITION IS AN INTERCULTURAL FILM 

PROJECT OF FILMAKADEMIE BADEN-WUERT- 

TEMBERG IN COLLABORATION WITH NIGERIAN 

FILMMAKERS. THE THREE-YEAR PROJECT IS 

PART OF THE NIGERIAN-GERMAN ARTISTIC 

COOPERATION INITIATED BY THE GERMAN 

GOVERNMENT WITHIN THE FRAMEWORK OF 

THE RETURN OF THE BENIN BRONZE IN 2022. 

“NOLLYWOOD” IS CONSIDERED THE SECOND 

LARGEST FILM INDUSTRY IN THE WORLD WITH 

ENORMOUS INFLUENCE ON THE AFRICAN 

CONTINENT: THE NIGERIAN FILM INDUSTRY 

PRODUCES UP TO 2,000 FILMS A YEAR AND 

EMPLOYS OVER A MILLION PEOPLE. 

In the first edition of the workshop, which took place 

in November and December 2023, six German and six 

Nigerian students worked together on a film for four 

weeks in Benin City, Nigeria, and visited the Africa International 

Film Festival (AFRIFF) in Lagos. Bridging different 

working methods and narrative traditions, the 

collaboration resulted in the successful production and 

presentation of the short film ỌKPẸN- ẸZẸ (BY THE 

RIVERSIDE). 

The film is about Esohe, whose ten-year-old daughter 

Osayuki tragically drowns in a nearby river. To appease 

the water goddess, tradition demands that the body of 

the drowned woman be buried near the river. Esohe, 

however, cannot part with the remains of her beloved 

daughter, whereupon the enraged water goddess Olokun 

takes possession of the dead girl’s body. 

also highlighted the realities outside the comfortable 

surroundings of the Filmakademie in Ludwigsburg. 

At the end of the first cycle, ỌKPẸN- ẸZẸ was shown at 

the Goethe-Institut in Lagos. In the summer semester of 

2024, two Nigerian participants in the workshop were 

guests in the International Class at the Filmakademie. 

The continuation of the workshop in 2025 and 2026 offers 

the opportunity to expand the network and deepen 

the collaboration. 

GUIDO LUKOSCHEK, 

HEAD OF THE INTERNATIONAL OFFICE: 

“Through independent practices and production methods, 

the Nollywood Workshop adds complementary elements 

to the teaching at FABW and provides participants 

with the skills they need for careers in an increasingly 

global market. We are delighted to be able to offer these 

unique opportunities to our students, which is only possible 

with the outstanding support of a dedicated network 

of partners in Germany and Nigeria. Our thanks 

go to the Federal Government Commissioner for Culture 

and the Media (BKM) and ARRI, the world’s leading 

provider of film technology. In Nigeria the Edo State 

Ministry of Arts, Culture, Tourism and Diaspora Affairs, 

the Victor Uwaifo Creative Hub & Sound Stage and the 

AFRIFF/Africa International Film Festival are supporting 

the project. Nigerian guest students at the Filmakademie 

receive scholarships from the Ministry of Science, Research 

and the Arts Baden-Wuerttemberg.“ 

The development of the film project brought to light the 

different narrative and cinematic traditions of those involved. 

The joint development of the material was of 

particular importance, as the participants sometimes 

viewed the story in completely different ways depending 

on their cultural background. This process showed 

how film can contribute to international understanding 

and cultural exchange. The medium enables the 

students to look beyond their usual working methods, 

question their film narrative and learn from each other. 

Challenges such as power cuts and security problems 

81


**QUOTES:** 

*GINA STEPHAN (MAKE-UP AND COSTUMES):* 

“It was incredibly intense, it welded us together.” 

“We spent several days at the huge market in Benin 

City looking for suitable dresses. I would 

have been completely lost without Isabella.” 

*ISABELLA OMOREGIE (MAKE-UP AND 

COSTUMES):* 

“Nevertheless, I often thought: Hurry up, it’ll be 

dark soon.” 

“It’s better to pick up the costumes the day before 

and not on the way to the shoot.” 

**TEAM & ACTING & COORDINATION OF THE FILM 

ỌKPẸN- ẸZẸ (BY THE RIVERSIDE):** 

*WRITER:* 

Leif Eisenberg (FABW), Oluwagbemiga Idahosa (N) 

*DIRECTOR:* 

Basilio Maritano (FABW), Omoregie Osakpolor (N) 

*CINEMATOGRAPHY:* Paul Sonntag (FABW) 

*CAMERA ASSISTANT:* Johanna Gräwinger (FABW) 

*PRODUCER:* Joseph Okhomina (FABW) 

*MAKE-UP AND COSTUMES:* 

Isabella Omoregie (N), Gina Stephan (FABW) 

*ELECTRICIAN:* Osakpolor Lawani (N) 

*SOUND RECORDING:* Gabriel Opute (N) 

*OSAKPOLOR OMOREGIE (CO-DIRECTOR):* 

“Initiatives like this are important, not only for 

us as people, but also as filmmakers who are entrusted 

with the great responsibility of developing 

stories that transcend borders.” 

*JOHANNA GRÄWINGER (CAMERA CREW):* 

“It’s wonderful to meet and work with filmmakers 

from Benin.” 

“It was interesting and enlightening to realise this 

project in a different way of filmmaking than 

we are used to. Many of us also used this time 

to work in departments that are not part of our 

usual role on set. In this way, we were able to expand 

our cultural, social and professional skills.” 

*ACTING:* 

Osayuki: Benita Akoko (N) 

Esohe: Choice Edobor (N) 

Priest: Utetenegiabi Om-Osagie (N) 

*COORDINATION:* 

Abel Alechenu (N) 

Márk Szilágyi (FABW) 

*PARTICIPANTS:* 

Omoregie Osakpolor (2023) and coordinator Abel 

Alechenu (2022) have completed a guest semester in 

the International Class at the FABW in recent years, 

each funded by the Baden-Wuerttemberg STIPENDIUM 

of the Baden-Wuerttemberg Stiftung. 

82

83


„Die Begegnung mit 

Menschen ist das Salz 

in der Suppe“ 

84

Ein Gespräch mit Tommi Lechner, Zentraler Herstellungsleiter 

EINE FILMAKADEMIE OHNE TOMMI 

LECHNER? KAUM VORSTELLBAR! 

SEIT 1999 ORGANISIERT UND ÜBERWACHT 

ER ALS ZENTRALER HERSTELLUNGSLEITER 

DIE JÄHRLICH BIS ZU 350 PROJEKTE UN- 

SERER STUDIERENDEN. DOCH 2025 IST ES 

SOWEIT: DER WOHLVERDIENTE RUHESTAND 

STEHT VOR DER TÜR. 

Lieber Tommi, wie bist Du eigentlich an der 

Filmakademie gelandet und was hast Du vorher 

gemacht? 

Ich habe eigentlich in meinem professionellen Leben 

nichts anderes gemacht als studiert und bin ein bisschen 

Taxi gefahren. Danach bin ich sofort den Medien verfallen 

und habe mit Roland Emmerich meine ersten Filme 

gemacht. Da war er noch an der Filmhochschule in 

München und wir haben gemeinsam seinen Diplomfilm 

produziert. Das war mein Einstieg in die Branche und 

danach ging es Schritt für Schritt weiter. Das Medium 

und die Filmherstellung haben mich einfach fasziniert. 

Deswegen habe ich mein Studium der Anglistik, Amerikanistik 

und Germanistik nach dem Vordiplom beendet 

und mich nur noch auf Filme konzentriert. Insbesondere 

auf die von Roland, bei denen ich beim Drehbuch und 

der Produktion mitgearbeitet habe. Das war der Beginn 

einer langen Freundschaft und auch meiner Liebe zum 

Medium Film, die mich nie mehr losgelassen hat. 

ich meine Leidenschaft für Tiere und für Tierbeobachtung 

gefunden und war ganz glücklich damit. Bis mein 

Freund Frieder Schlaich mit der Idee kam, einen Film in 

Marokko zu produzieren. Danach habe ich mit ihm und 

Irene von Alberti 1999 den Film OTOMO in Stuttgart gedreht. 

Währenddessen kam dann ein ominöser Anruf, 

nicht aus Hollywood, sondern aus Ludwigsburg. Am anderen 

Ende der Leitung war Albrecht Ade, der Gründungsdirektor 

der Filmakademie, und sagte: „Guten Tag 

Herr Lechner, Sie haben doch diesen Film gemacht. Hätten 

Sie Interesse an einem Job an der Filmakademie?“ Zu 

dieser Zeit bekamen meine Frau und ich gerade unsere 

Tochter. Somit war klar, dass ich nicht die Hälfte des 

Jahres auf anderen Kontinenten sein wollte, um Tiere zu 

beobachten und Filme zu drehen. Also habe ich den Job 

angenommen. 

Hättest Du gedacht, dass Du hier so tiefe Wurzeln 

schlägst? 

Nein, das habe ich nicht angenommen. Ich dachte, ich 

schaue mir jetzt mal wertfrei und offen an, ob mich das 

interessiert. Es hat mir dann gleich von Anfang an gut 

gefallen. 

Obwohl ich natürlich vorhatte, weiter Filme zu produzieren, 

zu schreiben und zu inszenieren. Aber irgendwann 

ist das dann zu einem Selbstläufer geworden und 

hat sich auf 25 Jahre Zugehörigkeit zur Filmakademie 

verlängert. 

Ich wollte mich dann aber nicht primär mit Science-Fiction 

und Fantasy beschäftigen. Deshalb habe ich die Idee, 

mit Roland nach Los Angeles zu gehen, schnell verworfen. 

Die wollten in Hollywood ja auch ihn und nicht 

mich. Weil ich mich also mit anderen Inhalten beschäftigen 

wollte, habe ich dann zwei Jahre lang als Regieassistent 

in Stuttgart am Staatstheater gearbeitet, später als 

Regieassistent bei Filmen. 

Außerdem habe ich mich mit dem TV-Journalismus auseinandergesetzt, 

war in einer Produktionsfirma und habe 

in der frühen Zeit des Privatfernsehens viele Beiträge 

gedreht und geschnitten. 

Dann kam eine wirklich wichtige und prägende Zeit 

für mich, weil ich angefangen habe, viele Tierfilme zu 

drehen, vor allem für den Mitteldeutschen Rundfunk, 

damals noch in Dresden, jetzt in Leipzig. Damals habe 

Welche Fähigkeiten oder Eigenschaften sind 

Deiner Meinung nach am wichtigsten für 

jemanden in Deiner Position? 

Man darf hier in keiner Position ein „Fachidiot“ sein. Ich 

bin eher ein Filmgeneralist und habe sowohl Drehbücher 

geschrieben als auch Filme produziert. Dabei hast 

du zwangsläufig mit Kalkulationen und Finanzierungsplänen 

zu tun. Ich glaube, man braucht ein möglichst 

breites Wissen über Film. Speziell in der Herstellungsleitung 

und der physischen Produktion muss man die Gesetzmäßigkeiten 

und Schlüsselfaktoren kennen, um eine 

Produktion sicher und erfolgreich abzuschließen. 

85


Neben der fachlichen Qualifikation als Grundvoraussetzung, 

glaube ich, dass man speziell im studentischen 

Kontext eine große Empathie für junge Leute 

mitbringen muss. Man muss sich für sie und ihre Themen 

interessieren, ihnen zugewandt sein und sie einfach 

mögen, weil man sie empowert, begleitet und ihnen die 

Möglichkeiten gibt, ihre Ideen umzusetzen. 

Das ist meiner Meinung nach das Allerwichtigste. 

wissen, dass es nach uns Generationen gibt, die diese 

klimatischen Veränderungen täglich am eigenen Leib 

spüren werden. Die Auswirkungen spüren ja auch wir 

schon immer deutlicher. 

Was sind aus Deiner Sicht die gravierendsten 

Änderungen an der Filmakademie im Vergleich 

von Deinen Anfängen hier bis heute? 

Wie hat sich die Zusammenarbeit mit den Studierenden 

über die Jahre entwickelt? 

Ich glaube schon, dass Veränderungen gesellschaftlicher 

Natur sich auf die Studierenden auswirken und sich 

Themen verändern. Auch wenn die Coming-of-Age-Filme 

nach wie vor ein großer Bestandteil sind. Wo sollen 

junge Menschen denn auch ihre Ideen finden, wenn 

nicht in ihrem eigenen Umfeld? Aber es begeistert mich, 

dass sie sich auch mit ganz anderen Themen auseinandersetzen. 

Dabei spiegeln sich politische oder gesellschaftliche 

Umbrüche immer auch in den Stoffen und 

Geschichten der Studierenden, wie bei allen Filmemacher*innen 

und bei allen Künstler*innen, die versuchen, 

ihre Umwelt zu begreifen, zu interpretieren und in ihren 

Stoffen einen Kommentar zu der Welt abzugeben, in 

der sie leben. 

Wie sieht es denn zum Beispiel ganz aktuell mit 

der Klimakrise aus? Schlägt sich die in den Stoffen 

nieder? 

Durchaus, wir haben aktuell mehrere Filme, die sich 

mit diesen Themen auseinandersetzen. Einer ist zum 

Beispiel in der Südsee entstanden und beschäftigt sich 

mit der Frage, wie sich der Klimawandel auf die dortigen 

Länder auswirkt. Eine Gruppe von Studierenden aus 

dieser Region fordert jetzt das Establishment heraus und 

zieht bis vor den obersten Gerichtshof der UN, um ihre 

Forderungen zur weltweiten CO2-Beschränkung durchzusetzen. 

Dieser Dokumentarfilm wird sicher auch noch 

seinen Weg in der Festivallandschaft gehen. Die Studierenden 

haben dafür natürlich ein Bewusstsein und 

den Anspruch, dass wir Produktionen zunehmend nach 

den ökologischen Mindeststandards der Filmindustrie 

durchführen. Das Green Producing ist mittlerweile auch 

in der Branche angekommen und es gibt Auflagen der 

Fernsehanstalten und Filmförderer, dass Filme jetzt nach 

diesen Standards produziert werden müssen. An solchen 

Initiativen beteiligen wir uns gern, nicht nur aus Pflicht, 

sondern auch aus eigenem Antrieb, weil wir natürlich 

86 

Ich hatte natürlich das Glück, eine lange kontinuierliche 

und äußerst fruchtbare Zusammenarbeit mit unserem 

Direktor Thomas Schadt zu haben. In dieser Zeit haben 

wir und viele andere Mitarbeiter und Mitarbeiterinnen 

der Filmakademie eine Philosophie entwickelt, die den 

Studierenden sehr zugewandt ist. Ich glaube, dass dies 

auch der Schlüssel für den Erfolg der Filmakademie ist: 

dass wir den Studierenden und ihren Filmideen offen 

und positiv gegenüberstehen und sie als Gegenüber auf 

Augenhöhe begreifen. Diese Kontinuität in der Zusammenarbeit 

ist wirklich ein Geschenk für mich. Und ich 

bin froh, dass wir das gemeinsam schon so lange und so 

erfolgreich gestalten können. 

Das war jetzt eher die Kontinuität. Und welche 

größeren Veränderungen gab es? 

Natürlich tun sich immer wieder Veränderungen am 

Markt auf. Während meiner Laufbahn hier sind zum 

Beispiel die Streamer aufgetaucht, die mittlerweile nicht 

mehr wegzudenken und ein wichtiger Bestandteil des 

Marktes sind. Die Film- und Fernsehbranche unterliegt 

ständigen Schwankungen, sowohl finanzieller als auch 

technologischer und inhaltlicher Art, so dass man sich 

immer wieder neu erfinden muss und auch die Geschichten 

neu erfunden werden müssen. Dementsprechend 

muss man ein hohes Maß an Flexibilität mitbringen 

und beobachten, wie sich Wirklichkeiten in 

unserem Umfeld, in der Gesellschaft und auch direkt an 

der Filmhochschule verändern. 

Auch unter den Studierenden gibt es Veränderungen. 

Insbesondere die Corona-Zeit hat deutliche Spuren in 

den Filmen hinterlassen. Auch die Tatsache, dass die Studierenden 

sich fast zwei Jahre lang kaum persönlich begegnen 

und kennenlernen konnten, sondern nur online 

über den Bildschirm. Mittlerweile herrscht dadurch eine 

gewisse Distanziertheit. Ob die sich wieder rückgängig 

machen lässt, wird man sehen.

Grundsätzlich müssen wir offen sein für Veränderungen 

und sie akzeptieren. Das Leben und die Kunst sind 

ständiger Entwicklung unterworfen. Trends, bestimmte 

Strömungen und Zukunftsvisionen stellen sich immer 

wieder neu dar. Das ist auch im akademischen Kontext 

letztlich ein Gewinn für einen selbst, weil wir uns damit 

auseinandersetzen müssen, um geistig und emotional 

flexibel zu bleiben. 

Und was waren die schönsten Momente und Erfahrungen 

in den 25 Jahren? 

Immer, wenn ich die Branchenblätter aufschlage, Filmplakate 

anschaue oder in der Presse von neuen Filmen 

lese, an denen ehemalige Studierende der Filmakademie 

beteiligt sind, ist das für mich ein Glücksgefühl. Manchmal 

hat man erst vor kurzem mit ihnen gesprochen, und 

jetzt sind sie in Hollywood oder an anderen tollen Orten 

in der Filmindustrie gelandet. Ich will jetzt niemanden 

namentlich herausheben. Dafür sind es einfach zu viele. 

Das sind wirklich schöne Momente, wenn man die Filme, 

die man begleitet hat, dann auf der Leinwand sieht 

und feststellt, dass die Ideen, Wünsche und Träume von 

Menschen aufgegangen sind. Dass es ihnen gelungen ist, 

das Herz und und den Geist des Publikums zu berühren 

mit Geschichten, die ihnen wichtig sind. Man sollte 

auch niemals glauben, dass die eigenen Geschichten zu 

speziell sind und sie niemanden interessieren. Ich glaube, 

wenn die Geschichten wahrhaftig sind und man sie 

wirklich ernst nimmt, dann interessieren sich auch andere 

dafür. 

Gibt es bestimmte Projekte oder Studierende, die 

Dir besonders im Gedächtnis geblieben sind? 

Wir hatten mal hier einen Produktionsstudenten, den 

ich schon vor der Akademie kannte: Karim Debbagh 

(Diplom 2002, Anm. d. Red.). Er war damals der erste 

afrikanische Student an der Filmakademie. Wir haben 

immer noch ein ganz enges Verhältnis und ich kenne 

und liebe ihn wie einen Bruder, weil er ein wahnsinnig 

interessanter Mensch und ein toller Produzent ist, der 

mittlerweile die größten Filme in Marokko dreht und 

organisiert. Das wird mich immer begleiten, so eine Entwicklung 

unterstützt zu haben und solchen Menschen 

begegnen zu können. Das ist einfach ein Geschenk, das 

man an der Akademie bekommt und das bereichert 

mich und mein Leben immens. 

Außerdem hatte ich das Glück, den Hollywood-Workshop 

über 20 Jahre begleiten zu dürfen und dort auch 

Impulse setzen zu können in der Auswahl der Speaker 

und der Dozierenden. Wenn du eine Gruppe von Talenten 

der Filmakademie vier Wochen lang in Los Angeles 

begleiten darfst, entstehen dadurch nochmal besondere 

Kontakte. Es ist auch wunderbar, von der Entwicklung 

von Persönlichkeiten überrascht zu werden. Nora 

Fingscheidt zum Beispiel bewegt sich gekonnt zwischen 

den Welten als Arthouse- und Hollywood-Regisseurin. 

Sie macht Filme, die die Welt berühren, so wie 

SYSTEMSPRENGER oder später ihren großen Netflix-Film 

THE UNFORGIVABLE mit Sandra Bullock. 

Wenn man solche Karrieren befördern und unterstützen 

kann, ist das wunderbar. 

Was denkst Du: Welche Werte oder Prinzipien 

kannst Du den Studierenden hinterlassen? 

Wenn ich mit Studierenden in frühen Jahrgängen rede, 

predige ich immer das Zauberwort „Kommunikation“. 

Denn Kommunikation ist alles. Man muss einfach 

in der Lage sein, seine Ideen, seine Vorstellungen, seine 

Geschichten klar zu vermitteln. Und offensichtlich haben 

die Leute, die hier studieren, das Medium Film als 

ihr Medium entdeckt, wie man seine Ideen kommunizieren 

sollte. Kommunikation ist also das Allerwichtigste 

und der Schlüssel im täglichen Umgang mit Menschen 

und mit Teams, die man von den eigenen Ideen und Vorstellungen 

überzeugen will. 

Aber auch eine Offenheit für Stimmen anderer. Selbst der 

Caterer oder die Produktionsassistentin hat eine Stimme 

und kann einen Film besser machen, indem sie eine 

Idee kommunizieren. Man muss allen sein Ohr schenken 

und immer offen sein für Anregungen von anderen. 

Die Zeiten, in denen man als Regisseur*in ein Team beherrschen 

wollte, sind vorbei, und diese Attitüden gehören 

hoffentlich der Vergangenheit an. 

Und der kreative, lösungsorientierte Umgang mit Problemen 

ist wichtiger als Einschränkungen oder Verbote. 

Für die meisten Probleme im Film gibt es Lösungen. 

Und wenn es mal finanziell klemmt, kann man Kreativität 

auch aus einer solchen Einschränkung heraus finden. 

Indem man sich genau überlegt: Was will ich erzählen? 

Wie vermittle ich es? Und mit welchen Mitteln kann ich 

es umsetzen? Das ist effektiver, als immer nur zu sagen: 

Ich brauche mehr Geld, ich brauche mehr Zeit, ich brauche 

mehr Menschen. 

87


Das Wichtigste ist aber, dass man versucht, offen, ehrlich 

und verständnisvoll miteinander umzugehen, dass 

man inklusiv und tolerant ist. Du musst alle Menschen 

ernstnehmen, mit denen du zu tun hast. Ob es nun die 

Studierenden oder deine Kolleginnen und Kollegen sind. 

Am Ende muss man versuchen, andere so zu behandeln, 

wie man gerne selber behandelt werden würde. Ich hatte 

nie Probleme mit den Studierenden, auch wenn ich 

manchmal erschöpft bin und ein bisschen zu viel auf 

dem Tisch habe. Aber wenn dann Studierende mit ihren 

Themen bei mir im Büro sitzen, ist das jedes Mal spannend 

und neu. Das ist das Salz in der Suppe: die Begegnung 

mit Menschen. Das ist das Vermächtnis, das ich 

hier gern hinterlassen würde. 

Vorhaben. Wahrscheinlich ist mein Leben zu kurz, um 

die alle umzusetzen. Dem Medium Film werde ich sicherlich 

treu bleiben. Vielleicht schreibe ich auch nochmal 

ein Drehbuch. Oder ich werde in Marokko mit 

meinem Freund Karim Debbagh zusammen Filme produzieren. 

Und wenn die Akademie mich brauchen sollte, werde 

ich mir überlegen, wie ich das in mein Leben einbinden 

kann. Erstmal freue ich mich aber darauf, ein bisschen 

zurückzutreten und einige Dinge zu tun, die bisher 

zu kurz gekommen sind: auf Reisen gehen, Motorrad 

fahren, mich ein bisschen ausruhen oder Musik machen 

mit meinen Freunden, die ich zum Teil auch hier an der 

Filmakademie kennengelernt habe. 

Was sind für Dich die größten Herausforderungen, 

denen sich die Filmakademie in Zukunft 

stellen muss, damit sie ihren Spitzenplatz unter 

den internationalen Filmhochschulen behält? 

Man muss eine große Marktoffenheit haben und ihn genau 

beobachten - sowohl national auch als international. 

Was sind die Möglichkeiten, was sind die Geschichten, 

die gerade virulent, relevant und originell sind? Und 

man muss die Studierenden bestmöglich unterstützen. 

Kunst ist schwer zu regulieren und schwer zu lehren. 

Die Filmakademie darf nicht zu verschult sein. Das ist 

ein wichtiger Grund, warum sie bisher so erfolgreich 

ist. Gleichzeitig müssen wir kritisch beobachten, was in 

unserem Umfeld in unserer Gesellschaft, in den sozialen 

Brennpunkten passiert. Es gibt ständig Themen, die 

einen umtreiben und die es wert sind, aufgegriffen zu 

werden. 

Die nächste große Veränderung wird ohne Zweifel der 

Einsatz von künstlicher Intelligenz von der Stoffentwicklung 

bis zur Postproduktion sein und eine immense 

Herausforderung darstellen. 

Was wird Dir am meisten fehlen, wenn Du nicht 

mehr täglich an der Filmakademie sein kannst? 

Einmal mehr: Die Gespräche und Begegnungen mit den 

Studierenden, die einen herausfordern und auf Trab halten. 

Ich fühle mich nach wie vor jung und flexibel genug 

im Kopf, um deren Themen zu verstehen. Natürlich 

verstehe ich in meinem Alter nicht jeden neuen Internet-Hype 

oder jedes Meme. Ich stamme aus der Boomer-Generation, 

und das spüre ich täglich. Deshalb ist 

jetzt auch die richtige Zeit für mich, den Staffelstab zu 

übergeben an jemanden neuen, jüngeren, der oder die 

vielleicht die Themen nicht mehr so angehen wird wie 

ich. Ich will niemand sein, der an seinem Stuhl klebt 

und nur aufgrund seiner Erfahrungen glaubt, er könnte 

den Leuten erzählen, wie der Hase läuft. Man muss also 

spüren, wenn die Zeit gekommen ist, den Stuhl freizumachen. 

Dann muss eben mal jemand anderes dafür geradestehen, 

was hier passiert ;) 

Du bist ja leidenschaftlicher Cineast. Wirst Du 

dem Thema Film und der Branche auch nach der 

Filmakademie verbunden bleiben? Welche Pläne 

hast Du sonst noch für Deinen Ruhestand? 

Film ist seit vielen Jahren mein Leben, und im Filmgeschäft 

zu arbeiten, ist kein Nine-to-Five-Job, sondern ein 

Lifestyle. Ich denke auch an Wochenenden an Film, lese 

Drehbücher, egal wann. Und ich schaue ständig Filme, 

setze mich damit auseinander und rede mit meiner 

Familie darüber. Ich habe noch viele Ideen und viele 

88 

Tommi mit Thomas Siegle und Wolfgang Kerber 

(Projektbetreuer im Studiengang Produktion)

“Meeting 

people is 

what makes 

the world 

go round” 

Tommi with FABW Managing Director Thomas Schadt 

A conversation with Tommi Lechner, Head of Physical Production 

FILMAKADEMIE WITHOUT TOMMI LECHNER? 

A HARD TO IMAGINE! AS HEAD OF PHYSICAL 

PRODUCTION, HE HAS BEEN ORGANISING AND 

OVERSEEING UP TO 350 PROJECTS FOR OUR 

STUDENTS EVERY YEAR SINCE 1999. BUT IN 

2025 IT WILL BE TIME FOR HIS WELL-DESERVED 

RETIREMENT. 

Dear Tommi, how did you end up at the Filmakademie 

and what did you do before that? 

I didn’t actually do anything else in my professional life 

other than study and drive a taxi a bit. After that, I immediately 

fell in love with the media and made my first 

films with Roland Emmerich. He was still at film school 

in Munich and we produced his graduation film together. 

That was my entry into the industry and then 

it went on step by step. The medium and film production 

simply fascinated me. That’s why I finished my degree 

in English, American and German studies after my 

intermediate diploma and focused entirely on films. Especially 

Roland’s films, where I worked on the screenplay 

and production. That was the beginning of a long 

friendship and also of my love for the medium of film, 

which has never let go of me. 

But then I didn’t want to focus primarily on science fiction 

and fantasy. That’s why I quickly rejected the idea of 

going to Los Angeles with Roland. After all, they wanted 

him in Hollywood and not me. Because I wanted to deal 

with other content, I then worked for two years as an assistant 

director at the State Theatre in Stuttgart and later 

as an assistant director on films. 

I also got involved in TV journalism, worked for a production 

company and shot and edited many programmes 

in the early days of private television. 

Then came a really important and formative time for 

me, because I started making a lot of animal films, especially 

for broadcaster Mitteldeutscher Rundfunk, then 

89


still in Dresden, now in Leipzig. It was then that I discovered 

my passion for animals and animal observation 

and was quite happy with it. Until my friend Frieder 

Schlaich came up with the idea of producing a film in 

Morocco. I then shot the film OTOMO with him and 

Irene von Alberti in Stuttgart in 1999. In the meantime, 

I received an ominous phone call, not from Hollywood, 

but from Ludwigsburg. Albrecht Ade, the founding director 

of the Filmakademie, was on the other end of the 

line and said: “Hello Mr Lechner, you made this film. 

Would you be interested in a job at the Filmakademie?” 

At that time, my wife and I had just had our daughter. So 

it was clear that I didn’t want to spend half the year on 

other continents observing animals and making films. 

And so I took the job. 

Did you think you would put down such deep 

roots here? 

No, I didn’t think so. I thought I would take an 

open-minded and non-judgemental look at it to see if it 

interested me. I liked it right from the get-go. 

Although, of course, I intended to continue producing, 

writing and directing films. But at some point, it became 

a sure-fire success and extended to 25 years at the Filmakademie. 

In your opinion, what skills or qualities are most 

important for someone in your position? 

You can’t be a ‘technical idiot’ in any position here. I’m 

more of a film generalist and have both written scripts 

and produced films. You inevitably have to deal with calculations 

and financing plans. I think you need as broad 

a knowledge of film as possible. Especially in production 

management and physical production, you need to know 

the laws and key factors in order to finalise a production 

safely and successfully. 

How has the collaboration with the students 

developed over the years? 

I do believe that changes in society have an impact on 

students and that topics change. Even if the coming-ofage 

films are still a big part of it. Where are young people 

supposed to find their ideas if not in their own environment? 

But I’m thrilled that they also deal with completely 

different topics. Political or social upheavals are always 

reflected in the material and stories of the students, 

as with all filmmakers and artists who try to understand 

and interpret their environment and comment on the 

world in which they live in their material. 

What about the current climate crisis, for example? 

Is this reflected in the material? 

Absolutely, we currently have several films that deal 

with these issues. One, for example, was made in the 

South Pacific and deals with the question of how climate 

change is affecting the countries there. A group of students 

from this region are now challenging the establishment 

and are going all the way to the UN Supreme 

Court to push through their demands for global CO2 

restrictions. This documentary film is sure to make its 

way through the festival landscape. The students are of 

course aware of this and are demanding that we increasingly 

realise productions according to the minimum 

ecological standards of the film industry. Green producing 

has now also arrived in our industry and there are 

requirements from television stations and film funding 

organisations that films must now be produced according 

to these standards. We’re happy to participate in such 

initiatives, not only out of obligation, but also of our own 

accord, because of course we know that there will be 

generations after us who will feel these climate changes 

first hand every day. The effects are already being felt 

on a daily basis. 

In addition to professional qualifications as a basic requirement, 

I believe that you need to have a great deal of 

empathy for young people, especially in a student context. 

You have to take an interest in them and their issues, 

you have to be open to them and simply like them 

because you empower them, support them and give 

them the opportunity to realise their ideas. 

In my opinion, that’s the most important thing. 

90 

In your opinion, what are the most serious changes 

at the Filmakademie compared to your beginnings 

here until today? 

Of course, I was lucky enough to have a long, continuous 

and extremely fruitful collaboration with our managing 

director Thomas Schadt. During this time, we and many 

other members of staff at FABW have developed a philosophy 

that is very student-centred. I believe that this is 

also key to the success of the Filmakademie: that we are 

open and positive towards the students and their film

ideas and see them as equals. This continuity in our collaboration 

is truly a gift for me. And I’m delighted that 

we’ve been able to organise this together for so long and 

so successfully. 

That was the continuity. And what major changes 

have there been? 

Of course, there are always changes in the market. During 

my career here, for example, streamers have emerged, 

which are now indispensable and an important part of 

the market. The film and television industry is subject 

to constant fluctuations, both financially and in terms of 

technology and content, so you have to constantly reinvent 

yourself and reinvent the stories. Accordingly, you 

need to have a high degree of flexibility and observe how 

realities change in our environment, in society and also 

directly at the film school. 

too special and that nobody is interested in them. I believe 

that if the stories are true and you really take them 

seriously, then others will be interested in them too. 

Are there any particular projects or students that 

have stuck in your mind? 

We once had a production student here who I already 

knew before the Academy: Karim Debbagh (graduated 

in 2002, editor’s note). He was the first African student 

at the Filmakademie at the time. We still have a very 

close relationship and I know and love him like a brother 

because he’s an incredibly interesting person and a 

great producer who now shoots and organises the biggest 

films in Morocco. It will always stay with me to have 

supported such a development and to be able to meet 

such people. It’s simply a gift that you get at the Filmakademie 

and it enriches me and my life immensely. 

There are also changes among the students. The Covid-19 

period in particular has left clear traces in the films. Also, 

the fact that for almost two years the students were 

hardly able to meet and get to know each other in person, 

but only online via the screen. As a result, there is 

now a certain sense of distance. It remains to be seen 

whether this can be reversed. 

Basically, we must be open to change and accept it. Life 

and art are subject to constant development. Trends, certain 

currents and visions of the future are constantly 

changing. Even in an academic context, this is ultimately 

a benefit for us because we have to deal with it in order 

to remain mentally and emotionally flexible. 

I was also lucky enough to be able to accompany the 

Hollywood Workshop for over 20 years and to be able to 

provide impetus in the selection of speakers and lecturers. 

When you get the opportunity to accompany a group 

of talented people from the Filmakademie for four weeks 

in Los Angeles, it creates even more special contacts. It’s 

also wonderful to be surprised by the development of 

personalities. Nora Fingscheidt, for example, moves skilfully 

between the worlds of arthouse and Hollywood directing. 

She makes films that touch the world, such as 

SYSTEMSPRENGER (SYSTEM CRASHER) or later her 

big Netflix film THE UNFORGIVABLE with Sandra Bullock. 

If you can promote and support such careers, that’s 

wonderful. 

And what have been the best moments and experiences 

over the last 25 years? 

What do you think? What values or principles 

can you leave students with? 

Whenever I open the industry magazines, look at film 

posters or read in the press about new films in which 

former Filmakademie students are involved, it‘s always a 

feeling of happiness for me. Sometimes you’ve only just 

spoken to them and now they‘ve ended up in Hollywood 

or other great places in the film industry. I don’t want to 

single out anyone by name. There are just too many for 

that. These are really wonderful moments when you see 

the films you‘ve supported on the big screen and realise 

that people‘s ideas, wishes and dreams have come true. 

That they have succeeded in touching the hearts and 

minds of the audience with stories that are important to 

them. You should also never believe that your stories are 

When I talk to students in their early years, I always 

preach the magic word ‘communication’. Because communication 

is everything. You simply have to be able to 

convey your ideas, your concepts, your stories clearly. 

And obviously the people who study here have discovered 

film as their medium for communicating their ideas. 

So communication is the most important thing and 

the key in day-to-day dealings with people and teams 

that you want to convince of your own ideas and visions. 

But it is also important to be open to the voices of others. 

Even the caterer or the production assistant has a 

voice and can make a film better by communicating an 

91


idea. You have to listen to everyone and always be open 

to suggestions from others. The days when a director 

wanted to dominate a team are over and these attitudes 

are hopefully a thing of the past. 

You are a passionate film buff. Will you stay involved 

in film and the industry after the Filmakademie? 

What other plans do you have for your 

retirement? 

And dealing with problems in a creative, solution-orientated 

way is more important than restrictions or prohibitions. 

There are solutions to most problems in film. 

And if there are financial constraints, creativity can also 

be found to overcome them. By thinking carefully: 

What do I want to tell? How do I convey it? And what 

means can I use to realise it? This is more effective than 

always saying: I need more money, I need more time, I 

need more people. 

But the most important thing is to try to be open, honest 

and understanding with each other, to be inclusive and 

tolerant. You have to take everyone you deal with seriously. 

Whether it’s the students or your colleagues. In 

the end, you have to try to treat others as you would like 

to be treated yourself. I’ve never had any problems with 

students, even if I’m sometimes exhausted and have a bit 

too much on my plate. But when students sit in my office 

with their topics, it’s always exciting and new. That’s 

what makes the world go round: meeting people. That’s 

the legacy I would like to leave behind here. 

What do you think are the biggest challenges that 

the Filmakademie will have to face in the future 

in order to maintain its leading position among 

international film schools? 

You have to be very open to the market and keep a close 

eye on it – both nationally and internationally. What are 

the opportunities, what are the stories that are currently 

viral, relevant and original? And you have to give students 

the best possible support. Art is difficult to regulate 

and difficult to teach. The Filmakademie must not 

be too school-like. That is an important reason why it 

has been so successful so far. At the same time, we have 

to keep a critical eye on what is happening in our environment, 

in our society, in the social hotspots. There are 

always issues that concern us and are worth addressing. 

The next big change will undoubtedly be the use of 

artificial intelligence from story development to 

post-production, which will be an immense challenge. 

Film has been my life for many years, and working in the 

film business is not a nine-to-five job, but a lifestyle. I 

also think about film at weekends, read scripts, no matter 

when. And I’m constantly watching films, thinking 

about them and talking about them with my family. I 

still have lots of ideas and lots of plans. My life is probably 

too short to realise them all. I will certainly remain 

faithful to the medium of film. Maybe I’ll write another 

screenplay. Or I’ll produce films together with my friend 

Karim Debbagh in Morocco. 

And if the academy needs me, I’ll think about how I can 

incorporate it into my life. But for now, I’m looking forward 

to stepping back a bit and doing some things that 

have been neglected so far: travelling, riding my motorbike, 

relaxing a bit or making music with my friends, 

some of whom I met here at the Filmakademie. 

What will you miss most when you can no longer 

be at the Filmakademie every day? 

As I mentioned above, the conversations and encounters 

with the students that challenge you and keep you 

on your toes. I still feel young and flexible enough in my 

head to understand their topics. Of course, at my age I 

don’t understand every new internet hype or meme. I 

come from the boomer generation, and I feel that every 

day. That’s why now is the right time for me to hand over 

the baton to someone new and younger, who perhaps 

won‘t approach the topics in the same way as I do. I don’t 

want to be someone who sticks to their chair and thinks 

they can tell people how things are going just because of 

their experience. So you have to realise when the time 

has come to vacate the chair. Then someone else has to 

take responsibility for what happens here ;) 

92

StarterDepot: 

Ihr Einstieg in die 

Welt der Wertpapiere. 

Aktien und andere Wertpapiere 

günstig handeln und langfristig 

Vermögen aufbauen. 

Das funktioniert jetzt einfach und 

schnell mit dem StarterDepot für 

junge Leute im Alter bis 30 Jahre. 

ksklb.de/starterdepot

SPOTLIGHT: NACHHALTIGKEIT 

94

AUF DEM WEG ZU 

ÖKOLOGISCHER NACHHALTIGKEIT 

SPÄTESTENS MIT DEM PARISER KLIMA- 

SCHUTZ-ABKOMMEN 2015 WURDE DIE 

NACHHALTIGKEIT MIT IHREN STARK INEIN- 

ANDER VERZAHNTEN SOZIALEN, ÖKONO- 

MISCHEN SOWIE ÖKOLOGISCHEN ASPEKTEN 

ALS GLOBALES UND GESELLSCHAFTLICH 

RELEVANTES THEMA AUF DIE AGENDEN DER 

STAATSREGIERUNGEN, DER EU SOWIE DER 

UN GESETZT. 

Seit 2017 ist die Filmakademie Baden-Württemberg 

Unterzeichnerin der WIN-Charta, einer Initiative des 

Landes Baden-Württemberg für Unternehmen im Land, 

bei denen die Nachhaltigkeit fester Bestandteil der Unternehmensphilosophie 

ist. Seither berichtet die FABW 

im zweijährlichen Rhythmus zu den Veränderungen 

an der Akademie, mit besonderem Augenmerk auf die 

Schwerpunktthemen „Ressourcen“, „Energie und Emissionen“ 

und „Regionaler Mehrwert“. 

Nachdem auf Bundesebene die Klimaziele mit der Vorgabe 

„Klimaneutralität bis 2045“ und auf Landesebene 

sogar bis 2040 postuliert wurden, hat die Filmakademie 

im Jahr 2022 die ökologischen Aspekte der Nachhaltigkeit 

in ihr strategisches Portfolio aufgenommen. 

In Handlungsfeldern wie „Nachhaltige Administration & 

Mobilität“, „Nachhaltige Lehre & studentische Produktionen“, 

„Green IT & Future Tech“ wurden mögliche Wege 

der FABW in eine ökologisch nachhaltigere Zukunft definiert 

und vorbereitet. 

Fast zeitgleich mit den „Ökologischen Standards“ für 

die Filmbranche wurde die Arbeitsgruppe „Green Culture“ 

auf Initiative des Ministeriums für Wissenschaft, 

Forschung und Kunst Baden-Württemberg ins Leben 

gerufen, welche einen bundesweit einheitlichen Bilanzierungs-Standard 

unter dem Namen „CO2-Kulturstandard“ 

für staatliche und kommunale Kulturinstitutionen 

entwickelt hat. Der „KlimaBilanzKultur+“-Standard ist 

mit seinen erweiterten CO2-Bilanzierungs-Dimensionen 

ab 2025 auch verbindlich für die Filmakademie als landeseigene 

Institution. 

Angesichts der Vielzahl an Standards und Vorgaben geht 

die Filmakademie gemäß ihren strategischen Überlegungen 

aus dem Jahr 2022 nach dem PDCA-Prinzip (Plan- 

Do-Check-Act) vor. Die Zielvorgaben sind klar definiert, 

der Weg dorthin wird im Rahmen der budgetären und 

personellen Möglichkeiten 

der FABW realisiert 

und bei Bedarf evaluiert 

und angepasst. 

Ob die Filmakademie tatsächlich 

die bis zum Jahr 

2040 geforderte „Klimaneutralität“ erreichen kann, wird 

sich angesichts unseres Auftrags und des notwendigen 

Ressourcen-Einsatzes bei Film- und Medienproduktionen 

noch erweisen. Der Weg ist das Ziel. 

Begleitet wurde dies erfreulicherweise durch die Brancheninitiative 

des Arbeitskreises Green Shooting, unter 

der Federführung der MFG Baden-Württemberg, 

welche verbindliche Standards für die ressourcenschonende 

Produktion von Film-, TV- und Online-Formaten 

in Deutschland definiert hat. Für die studentischen 

Produktionen an der Filmakademie waren diese Standards 

Grundlage für eine FABW-Roadmap, welche seit 

2023/24 die Leitplanken für nachhaltige Produktionen 

im Rahmen des Studiums festlegt. 

95

SPOTLIGHT: SUSTAINABILITY 

ON THE ROAD TO 

ECOLOGICAL SUSTAINABILITY 

SUSTAINABILITY, WITH ITS STRONGLY INTER- 

LINKED SOCIAL, ECONOMIC AND ECOLOGI- 

CAL ASPECTS, WAS PLACED ON THE AGENDAS 

OF STATE GOVERNMENTS, THE EU AND THE UN 

AS A GLOBAL AND SOCIALLY RELEVANT TOPIC 

AT THE LATEST WITH THE PARIS CLIMATE PRO- 

TECTION AGREEMENT IN 2015. 

Ministry of Science, Research and the Arts, which has 

developed a uniform nationwide accounting standard 

under the name ‘CO2 Culture Standard’ for state and 

municipal cultural institutions. The ‘KlimaBilanzKultur+’ 

standard, with its expanded carbon footprint dimensions, 

will also be binding for the Filmakademie as a 

state-owned institution from 2025. 

Since 2017, Filmakademie Baden-Wuerttemberg has 

been a signatory to the WIN Charter, an initiative of the 

state of Baden-Wuerttemberg for companies in the state 

for which sustainability is an integral part of their corporate 

philosophy. Since then, FABW has reported on the 

changes at the academy every two years, with a particular 

focus on the key topics of ‘resources’, ‘energy and 

emissions’ and ‘regional added value’. 

In view of the large number of standards and requirements, 

FABW is proceeding according to the PDCA principle 

(Plan-Do-Check-Act) in accordance with its strategic 

considerations established in 2022. The objectives 

are clearly defined, and the path to achieving them will 

be realised within the scope of the Filmakademie‘s budgetary 

and human resources and evaluated and adjusted 

as necessary. 

After the climate targets were postulated at federal level 

with the target of ‘climate neutrality by 2045’ and 

at state level even by 2040, the Filmakademie included 

the ecological aspects of sustainability in its strategic 

portfolio in 2022. In fields of action such as ‘Sustainable 

Administration & Mobility’, ‘Sustainable Teaching & Student 

Productions’ and ‘Green IT & Future Tech’, possible 

paths for FABW towards a more ecologically sustainable 

future were defined and prepared. 

Whether the Filmakademie can actually achieve the ‘climate 

neutrality’ required by 2040 remains to be seen, 

given our mission and the necessary use of resources in 

film and media productions. The path is the goal. 

Fortunately, this was accompanied by the industry initiative 

of the Green Shooting working group, under the 

leadership of MFG Baden-Wuerttemberg, which has defined 

binding standards for the resource-saving production 

of film, TV and online formats in Germany. For student 

productions at the Filmakademie, these standards 

formed the basis for an FABW roadmap, which has defined 

the guidelines for sustainable productions as part 

of the curriculum since 2023/24. 

Almost at the same time as the ‘Ecological Standards’ 

for the film industry, the ‘Green Culture’ working group 

was set up on the initiative of the Baden-Wuerttemberg 

96

97


98

„Da, wo ich herkomme, 

spricht die Supermarktschlange 

bis zu fünf Sprachen“ 

Ein Gespräch mit Milena Aboyan, Absolventin Drehbuch und Regie / 

Szenischer Film (2023) 

MILENA ABOYAN WURDE IN JEREWAN, 

ARMENIEN, GEBOREN. IM JAHR 2010 

BEGANN SIE EINE VIERJÄHRIGE SCHAU- 

SPIELAUSBILDUNG IN DEUTSCHLAND. 

WÄHREND IHRER AUSBILDUNG WIRKTE 

SIE IN MEHREREN THEATERPRODUKTIO- 

NEN MIT. NACH IHREM SCHAUSPIELDIPLOM 

WECHSELTE SIE DAS FACH UND BEGANN, 

DREHBUCH UND REGIE AN DER FILMAKADE- 

MIE BADEN-WÜRTTEMBERG ZU STUDIEREN. 

IHR ABSCHLUSSFILM ELAHA WURDE IN DIE 

PERSPEKTIVE DEUTSCHES KINO DER 73. 

BERLINALE EINGELADEN, WAR ALS BESTER 

SPIELFILM FÜR DEN DEUTSCHEN FILMPREIS 

NOMINIERT UND GEWANN ZAHLREICHE 

FESTIVALPREISE. AUCH FÜR IHRE WEITE- 

REN ARBEITEN, DIE GESELLSCHAFTSPOLI- 

TISCHE UND SOZIALE THEMEN BEHANDELN, 

WURDE SIE VIELFACH AUSGEZEICHNET. SIE 

LEBT UND ARBEITET IN HAMBURG. 

Wie wurdest Du zu der Geschichte von ELAHA 

inspiriert? Gab es auch biografische Hintergründe 

aus Deinem persönlichen Umfeld? 

Ich bin eine Frau und habe sehr früh erkannt, was das 

bedeutet. Unsere Körper stehen immer unter Beobachtung, 

Bewertung und Kontrolle. Das hat mich schon immer 

sehr wütend gemacht. Daher wollte ich diese Wut 

nutzen und aus dieser heraus die Geschichte von ELAHA 

erzählen. Hinzu kommt, dass mir die Geschichte von 

Elaha nicht unbekannt ist. Einige in meinem Bekanntenkreis 

haben Ähnliches erleben müssen. Es ging dabei 

vielmehr darum, ob ich die Regeln akzeptiere, die mich 

in meiner Selbstbestimmung hindern, oder ob ich meiner 

Familie und Community den Rücken kehre. Unsere 

Protagonistin Elaha hinterfragt diese Regeln ebenfalls, 

aber für sie ist es keine Option, wegzugehen. Sie möchte 

bleiben und sich gegen dieses Herrschaftssystem stellen. 

Liebe Milena, Dein Abschlussfilm ELAHA war 

enorm erfolgreich. Hat Dir dieser Erfolg Türen 

geöffnet für weitere Projekte? Und arbeitest Du 

bereits an einem Debütfilm? 

Nachdem wir mit unserem Abschlussfilm auf der Berlinale 

gelaufen waren, erhielt ich einige tolle Anfragen. 

Allerdings hatte ich bereits während des Schnitts von 

ELAHA an meinem Debütfilm, der Romanadaption DREI 

KAMERADINNEN, geschrieben und mich schließlich 

darauf konzentriert. Nur beim TATORT konnte ich nicht 

widerstehen, weil es ja immer heißt, dass es „deutsches 

Kulturgut“ sei, und ich wollte etwas Deutsches machen. 

Aktuell befindet sich DREI KAMERADINNEN in der leidigen 

Finanzierung. Aber ich habe vor einigen Monaten 

gemeinsam mit Constantin Hatz den Episodenfilm VOR 

DEM ANFANG (AT) gedreht, in Co-Regie. 

Wie habt ihr die wunderbare Hauptdarstellerin 

Bayan Layla und die weitere Besetzung gefunden? 

Wir haben über 110 Frauen alleine für die Hauptfigur 

gecastet, von Berlin über Belgien bis nach Frankreich - 

wir haben überall gesucht. Bayan Layla war gleich die 

Nummer 4, und alle im Raum wussten eigentlich sofort: 

„Wir haben unsere Elaha gefunden.“ Aber da wir 

99


leider gelernt haben, dass es meistens nicht so einfach 

ist, haben wir weitere 15 Monate gecastet, bis wir uns 

für Bayan entschieden haben. Unser Cast bestand hauptsächlich 

aus Nachwuchsschauspielenden. Das war uns 

sehr wichtig. 

Frau gesetzt, die während des Films viel geweint hat. Ich 

habe während der gesamten Vorstellung ihre Hand gehalten. 

Das war ein unglaublich intensives Erlebnis. Die 

überraschendsten Reaktionen kamen jedoch von meiner 

eigenen Community. Ich hatte wirklich Angst, dass mir 

nachgesagt wird, dass ich Stereotypen reproduzieren 

oder Migranten ‚wieder mal‘ schlecht darstellen würde. 

Aber das ist tatsächlich nicht passiert. Im Gegenteil: Die 

meisten aus der Community waren da und haben unsere 

Arbeit gelobt. Dafür danke ich auch meiner Professorin 

Franziska Buch, die einmal gesagt hat, ich brauche 

vor nichts Angst zu haben, solange ich ehrlich erzähle. 

Ist es Dir besonders wichtig, gesellschaftlich relevante 

Themen in Deinen Filmen aufzugreifen? 

Ich bin ein Arbeiterkind. Da, wo ich herkomme, spricht 

die Supermarktschlange bis zu fünf Sprachen. Oftmals 

musste ich feststellen, dass die Lebensrealitäten der 

Menschen in dieser Supermarktschlange viel zu selten 

erzählt werden. Außerdem glaube ich, dass Film uns als 

große Menschenfamilie verbinden und Perspektiven eröffnen 

kann. Zumindest möchte ich das glauben. 

Spielt Dein Migrationshintergrund für Dein kreatives 

Schaffen eine Rolle? Oder für die Zusammenarbeit 

mit Kolleg*innen aus der Branche – 

im Positiven wie im Negativen? 

Hast Du direkte Reaktionen des Publikums auf 

ELAHA bei der Berlinale und anderen Festivals 

bekommen? Welche war die überraschendste 

oder schönste? 

Nach einer Vorstellung kam eine junge Frau zu mir und 

sagte: „Ich bin selbst Kurdin wie Elaha, habe nichts mit 

der Filmbranche zu tun, habe zufällig entdeckt, dass dieser 

Film hier läuft, und bin gekommen… Danke, dass 

du meine Geschichte erzählt hast.“ Dann haben wir uns 

umarmt. Sie hat geweint und ich habe geweint. Es war 

eine Verbindung, die nur entsteht, wenn wir durch Geschichten 

miteinander kommunizieren. Das war ein 

sehr schöner Moment für mich. Ein weiteres Mal habe 

ich mich in einem Kino in Simmern neben eine junge 

100 

Der negative Aspekt dabei ist, dass ich mich manchmal 

bei dem Gedanken erwische: „Oh, du bist jetzt die Quote“ 

oder „Ich bin doch nur auf diesem Panel, damit die 

Runde etwas diverser wirkt.“ Aber ich versuche, diese 

Gedanken sehr schnell beiseitezulegen, da es im Endeffekt 

egal ist und mich nur verunsichert. Bei meiner Arbeit 

spielt eher meine soziale Herkunft eine große Rolle. 

Ob beim Schreiben - Figuren erzählen, die nicht in 

das bekannte Narrativ passen - oder bei der Auswahl des 

Kreativdepartments: Ich achte darauf, dass ich mit Menschen 

zu tun habe, die eine Sensibilität für das Thema 

mitbringen oder selbst aus weniger „privilegierten“ Verhältnissen 

stammen. 

Wie beurteilst Du die aktuellen Bemühungen, in 

der deutschen Film-, TV- und Streaming-Landschaft, 

mehr Diversität abzubilden? Wie begegnest 

Du Vorwürfen eines „Woke Washing“? 

„Woke Washing“ musste ich gerade googeln (lacht). 

Hm. Ich habe die Theorie, dass es absolut nichts

ingt, nun Polizeibeamte und Oberärztinnen mit 

Schauspielenden zu besetzen, die einen Migrationshintergrund 

haben, aber im Film keine große Rolle 

spielen. Das mag zwar gut gemeint sein (oder 

als »Woke Washing« gelten), da in der Vergangenheit 

oft die Rolle des oder der „Kriminellen“ mit 

Migrant*innen besetzt wurde. Aber das allein macht 

einen Film nicht diverser. Es ist wichtig, Geschichten 

von Menschen zu erzählen, die seit Jahrzehnten 

hier in Deutschland leben, deren Geschichten aber 

fehlen. Wenn wir beginnen, diese Geschichten filmisch 

darzustellen, dann können wir auch als Gesellschaft 

einiges aufarbeiten und verarbeiten. Und 

Diversität bedeutet auch, von Frauen über 40 zu erzählen, 

von Menschen mit Behinderungen und von 

ethnischer Vielfalt. 

Wie siehst Du die Rolle von Frauen in der Filmindustrie, 

insbesondere im Bereich Regie und Drehbuch? 

Hast Du das Gefühl, dass sich die Situation 

verbessert? 

Ich bin eine schlechte Schauspielerin, also spiele ich nur 

als Komparsin in meinen eigenen Filmen mit. Aber ich 

hätte mal richtig Lust, ein Theaterstück zu inszenieren. 

Den Roman WORAUF WIR HOFFEN von Fatima Farheen 

Mirza würde ich gerne mal als Theaterstück inszenieren. 

Welche Unterschiede und Gemeinsamkeiten 

siehst Du zwischen Theater- und Filmregie? 

Unterschiede: Im Film kann ich auch nach den Dreharbeiten 

den Figuren etwas hinzufügen, was sie vielleicht 

so nicht gesagt haben und damit den Kontext einer 

Handlung verändern und im Schnitt Einfluss auf 

einiges nehmen. Das geht im Theater nicht, da die Aufführung 

live und ohne nachträgliche Bearbeitungsmöglichkeit 

stattfindet. 

Gemeinsamkeiten: In beiden Medien gibt es ein intensives 

Arbeiten zwischen Regie und Schauspiel. 

Hier eine Statistik (nach Anzahl der Filme): Laut einer 

Studie der Universität Rostock gab es im Jahr 2023 38,8 

Prozent Filme von Regisseurinnen und 62,2 Prozent von 

Regisseuren. Das ist im Vergleich zu 2010, als das Verhältnis 

13 Prozent zu 87 Prozent betrug, immerhin ein 

leichter Anstieg. Leider spiegelt sich dieser geringe Fortschritt 

auch in den Förderungen wider. Bei der FFA-Projektförderung 

zum Beispiel werden geringere Summen 

an Filme mit weiblicher Regie vergeben: 19,3 % an Frauen 

und 80,7 % an Männer. Kurz gesagt – es ändert sich 

ganz, ganz langsam in unserer Branche etwas zugunsten 

der Frauen, aber es ist zu langsam und ja, auch nicht 

genug. 

Das ELAHA-Team beim Deutschen Filmpreis 

Du bist Autorin und Regisseurin. Was macht 

mehr Spaß: schreiben oder inszenieren? 

Schreiben! Ganz klar schreiben! Manchmal stehe ich am 

Set und frage mich: „Warum tue ich mir das an?“, aber 

wenn man dann das geschriebene Wort fertig als Film 

betrachten kann, dann war doch die harte Arbeit in jeder 

Hinsicht lohnenswert. 

Gibt es ein Genre, das Du noch nicht ausprobiert 

hast, aber gerne in Zukunft erkunden würdest? 

Du hast auch eine Schauspielausbildung und 

hast in Theaterproduktionen mitgewirkt. Würde 

es Dich reizen, ein Theaterstück zu inszenieren? 

Oder auch mal wieder als Darstellerin in Erscheinung 

zu treten? 

Komödien, am liebsten romantische Komödien im Stil 

der 1990er Jahre. 

101


Was war das wertvollste Feedback, das Du 

während Deines Studiums oder Deiner Karriere 

erhalten hast? 

Thomas Schadt sagte: »Das Ergebnis ist temporär. Es 

kommt darauf an, dass du etwas dabei lernst.« Das hat 

mir sehr geholfen, mit dem Druck, einen guten Film zu 

machen, umzugehen. Ich habe mich immer darauf fokussiert, 

zu lernen. 

Wie beurteilst Du Dein Studium in Ludwigsburg? 

Würdest Du die Filmakademie weiterempfehlen? 

Ich habe der Filmakademie vieles zu verdanken, einschließlich 

der Aufnahme. Ich bin dort oftmals gescheitert, 

gewachsen, habe sehr viel Selbstbewusstsein getankt 

und gelernt, mich zu fokussieren. Und natürlich 

gab es die besten Partys an der „AKA“! 

Was wirklich viel wert ist, sind die Verbindungen, Synergien 

und Freundschaften, die man an der Filmakademie 

in einer kleinen schwäbischen Stadt aufbaut. Sie 

überdauern die Studienzeit, und später arbeitet man oft 

mit den Menschen zusammen, mit denen man gelernt 

hat. Das ist sehr viel wert in einer unbeständigen Filmbranche. 

Ob ich die AKA weiterempfehlen würde? Allein schon 

die Bibliothek von Hansl (langjähriger Bibliothekar der 

FABW, Anm. d. Red.) ist es wert, an der Filmakademie 

zu lernen. 

LINKS: 

AGENTUR: 

HTTPS://SCHLAG-AGENTUR.DE/ 

MILENA-ABOYAN#!/1 

Großer Auftritt auf der Berlinale 

INSTAGRAM: 

HTTPS://WWW.INSTAGRAM.COM/ 

MILENAABOYAN/ 

102

103


“Where I come from, the supermarket 

queue speaks up to five languages” 

A conversation with Milena Aboyan, Graduate, screenwriting and directing / 

fiction film (2023) 

Dear Milena, your graduation film ELAHA was 

hugely successful. Has this success opened doors 

for you for further projects? And are you already 

working on a debut film? 

Milena and Bayan Layla 

with their New Faces Awards 

After our graduation film screened at the Berlinale, I 

received some great enquiries. However, I had already 

written my debut film, the novel adaptation DREI KAM- 

ERADINNEN (SISTERS IN ARMS), during the editing 

of ELAHA and finally concentrated on it. The only thing 

I couldn’t resist was a TATORT crime thriller, because 

it’s always said to be “German cultural heritage” and I 

wanted to make something German. DREI KAMERAD- 

INNEN is currently in the midst of the tiresome financing 

process. But a few months ago, I co-directed the episodic 

film VOR DEM ANFANG (Before the Beginning, 

working title) with Constantin Hatz. 

MILENA ABOYAN WAS BORN IN YERE- 

VAN, ARMENIA. IN 2010 SHE BEGAN A 

FOUR-YEAR ACTING TRAINING PROGRAMME 

IN GERMANY. DURING HER TRAINING, SHE 

TOOK PART IN SEVERAL THEATRE PRODUC- 

TIONS. AFTER HER ACTING DIPLOMA, SHE 

CHANGED SUBJECTS AND BEGAN STUDYING 

SCREENWRITING AND DIRECTING AT FILM- 

AKADEMIE BADEN-WUERTTEMBERG. HER 

GRADUATION FILM ELAHA WAS INVITED 

TO THE PERSPEKTIVE DEUTSCHES KINO AT 

THE 73RD BERLINALE, WAS NOMINATED 

FOR THE GERMAN FILM AWARD FOR BEST 

FEATURE FILM AND WON NUMEROUS FES- 

TIVAL AWARDS. SHE HAS ALSO RECEIVED 

SEVERAL AWARDS FOR HER OTHER WORKS, 

WHICH DEAL WITH SOCIO-POLITICAL AND 

SOCIAL ISSUES. SHE LIVES AND WORKS IN 

HAMBURG. 

How were you inspired to tell the story of ELA- 

HA? Were there also biographical backgrounds 

from your personal environment? 

I am a woman and realised very early on what that 

means. Our bodies are always under observation, judgement 

and control. This has always made me very angry. 

That’s why I wanted to utilise this anger and use it 

to tell the story of ELAHA. What’s more, Elaha’s story is 

not unknown to me. Some of my acquaintances have had 

similar experiences. It was more a question of whether 

I would accept the rules that hinder my self-determination 

or whether I would turn my back on my family and 

community. Our protagonist Elaha also questions these 

rules, but for her, leaving is not an option. She wants to 

stay and stand up to this system of domination. 

How did you find the wonderful lead actress 

Bayan Layla and the rest of the cast? 

104

We cast over 110 women for the main character alone, 

from Berlin to Belgium to France – we looked everywhere. 

Bayan Layla was the fourth to take her turn, and 

everyone in the room knew immediately: “We’ve found 

our Elaha.” But unfortunately, we learnt that it’s usually 

not that easy, so we cast for another 15 months until we 

decided on Bayan. Our cast consisted mainly of young 

actors and actresses. That was very important to us. 

Did you get any direct reactions from the audience 

to ELAHA at the Berlinale and other festivals? 

Which was the most surprising or most 

beautiful? 

The negative aspect is that I sometimes catch myself 

thinking: “Oh, you‘re the quota now” or “I’m only on 

this panel to make it look a bit more diverse’. But I try to 

put these thoughts to one side very quickly, as in the end 

it doesn’t matter and just makes me feel insecure. My social 

background plays a big role in my work. Whether in 

writing - telling stories about characters that don’t fit into 

the familiar narrative – or in choosing the creative department: 

I make sure that I deal with people who bring 

a sensitivity to the subject matter or who come from less 

“privileged” backgrounds themselves. 

After a screening, a young woman came up to me and 

said: “I’m Kurdish like Elaha myself, I have nothing to do 

with the film industry, I discovered by chance that this 

film was being shown here and I came... Thank you for 

telling my story.” Then we hugged each other. She cried 

and I cried. It was a connection that only happens when 

we communicate through stories. That was a very beautiful 

moment for me. Another time, in a cinema in Simmern, 

I sat down next to a young woman who cried a lot 

during the film. I held her hand throughout the entire 

film. That was an incredibly intense experience. However, 

the most surprising reactions came from my own 

community. I was really afraid that I would be accused 

of reproducing stereotypes or portraying migrants negatively 

“again”. But that didn’t actually happen. On the 

contrary: most people from the community were there 

and praised our work. I would also like to thank my professor 

Franziska Buch, who once said that I don’t need to 

be afraid of anything as long as I tell my story honestly. 

Is it particularly important to you to address socially 

relevant topics in your films? 

I am a working-class child. Where I come from, the supermarket 

queue speaks up to five languages. I’ve often 

realised that the realities of the lives of the people in 

this supermarket queue are told far too rarely. I also believe 

that film can connect us as a large human family 

and open up perspectives. At least that’s what I want 

to believe. 

Does your migration background play a role in 

your creative work? Or for your collaboration 

with colleagues from the industry – in both positive 

and negative ways? 

What do you think of the current efforts to represent 

more diversity in the German film, TV and 

streaming landscape? How do you respond to accusations 

of “woke washing”? 

I just had to google “woke washing” (laughs). Hm. I have 

a theory that it’s absolutely pointless to cast police officers 

and senior doctors with actors who have a migration 

background but don’t play a major role in the 

film. This may be well-intentioned (or considered “woke 

washing”), as in the past the role of the “criminal” has 

often been played by migrants. But that alone does not 

make a film more diverse. It is important to tell the stories 

of people who have lived here in Germany for decades 

but whose stories are missing. If we start to portray 

these stories on film, then we can also come to terms 

105


with them as a society. And diversity also means telling 

stories about women over 40, about people with disabilities 

and about ethnic diversity. 

How do you see the role of women in the film industry, 

especially in directing and screenwriting? 

Do you feel that the situation is improving? 

You are a writer and director. What’s more fun: 

writing or directing? 

Writing! Definitely writing! Sometimes I stand on set 

and ask myself: “Why am I doing this to myself ?”, but 

when you can see the written word finished as a film, 

then the hard work was worthwhile in every respect. 

Here are some statistics (by number of films): according 

to a study conducted by the University of Rostock, in 

2023 38.8 per cent of films were directed by female directors 

and 62.2 per cent by male directors. Compared 

to 2010, when the ratio was 13 per cent to 87 per cent, 

this is at least a slight increase. Unfortunately, this merely 

slight progress is also reflected in the funding. In the 

case of FFA project funding, for example, smaller sums 

are awarded to films directed by women: 19.3 per cent to 

women and 80.7 per cent to men. In short – things are 

changing very, very slowly in our industry in favour of 

women, but it’s too slow and yes, not enough. 

You have also trained as an actress and have 

worked in theatre productions. Would you be interested 

in directing a theatre play? Or to appear 

as an actress again? 

I’m a bad actress, so I only act as an extra in my own 

films. But I would really like to direct a theatre play. I 

would love to stage the novel WORAUF WIR HOFFEN 

(A PLACE FOR US) by Fatima Farheen Mirza as a play. 

What differences and similarities do you see between 

theatre and film directing? 

Differences: in film, even after shooting, I can add something 

to the characters that they may not have said and 

thus change the context of a plot and influence some 

things in the editing. This is not possible in theatre, as 

the performance is live and without the possibility of 

subsequent editing. 

Similarities: in both media, there is intensive work between 

directing and acting. 

Is there a genre that you haven’t tried out yet but 

would like to explore in the future? 

Comedies, preferably romantic comedies in the style of 

the 1990s. 

What was the most valuable feedback you received 

during your studies or career? 

Thomas Schadt said: “The result is temporary. What matters 

is that you learn something in the process.” That 

helped me a lot to deal with the pressure of making a 

good film. I have always focused on learning. 

106

LINKS: 

AGENCY: 

HTTPS://SCHLAG-AGENTUR.DE/ 

MILENA-ABOYAN#!/1 

INSTAGRAM: 

HTTPS://WWW.INSTAGRAM.COM/ 

MILENAABOYAN/ 

How would you rate your studies in Ludwigsburg? 

Would you recommend the Filmakademie 

to others? 

I have a lot to thank the Filmakademie for, including 

admission. I often failed there, grew, gained a lot of 

self-confidence and learnt to focus. And of course there 

were the best parties at the “AKA”! 

What is really valuable are the connections, synergies 

and friendships that you build up at the Filmakademie 

in a small Swabian town. They outlast your time at university, 

and later you often work with the people you 

studied with. That’s worth a lot in a volatile film industry. 

Would I recommend the AKA to others? Hansl’s library 

alone (FABW librarian for many years, editor’s note) is 

worth studying at the Filmakademie. 

107

EDITION FABW 

Impressionen von der Premiere des 

Kurzgeschichtenbandes "Das ist es wert" 

108

NEUER KURZGESCHICHTENBAND 

„schräg” 

WAS SCHRÄG IST, IST NICHT GERADE – 

JEDENFALLS, WENN MAN DEN 

BEGRIFF RÄUMLICH BETRACHTET. ALS 

„SCHRÄG“ LÄSST SICH ABER AUCH EIN 

ZUSTAND BESCHREIBEN, DER JENSEITS DER 

KONVENTION LIEGT, WEIT WEG VOM „BU- 

SINESS AS USUAL“ UND, NICHT ZULETZT, 

TRIFFT SCHRÄG AUCH AUF EINIGE UNSERER 

MITMENSCHEN ZU. NÄMLICH AUF SOLCHE, 

DIE EBEN NICHT STANDARD SIND, SONDERN 

UNANGEPASST – DIE TENNISSOCKEN BIS 

ZU DEN KNIEN TRAGEN, ALLEINE DURCH 

DEN ÄRMELKANAL PADDELN ODER ALS 

HOBBY WETTERBEOBACHTUNG ODER EIS- 

BADEN ANGEBEN. KURZUM: DER BEGRIFF 

„SCHRÄG“ HAT ALLES, WAS EIN THEMA 

BRAUCHT, UM DIE ERFOLGSREIHE DER EDI- 

TION FABW IM JAHR 2025 FORTZUSETZEN. 

ER SORGT FÜR REICHLICH INSPIRATION, 

LÄDT ZUM UNKONVENTIONELLEN EIN UND 

VERSPRICHT BESTE UNTERHALTUNG. 

Es sei aber erwähnt: Trotz des hohen Einsatzes aller Beteiligten, 

von der Administration über die Gestaltung des 

Kurzgeschichtenbands bis hin zur Technik des an diesem 

Premierenabend einladend ausgeleuchteten Ade 

Studios, braucht es zur Durchführung dieses sich über 

ein ganzes Jahr spannenden Projektes auch entsprechende 

Finanzen. Und da konnte sich die Filmakademie erneut 

auf die Unterstützung der Wüstenrot Stiftung verlassen. 

Wie schon im letzten Jahr machte sie durch ihre 

Förderung den siebten Kurzgeschichtenband der Edition 

FABW erst möglich. Und sie stellte sogar eine weitere 

Unterstützung des Projekts bereits in Aussicht. Wir dürfen 

uns also vorsichtig schon einmal auf die nächste Veröffentlichung 

der Edition FABW im April 2025 freuen - 

es werde „schräg“! 

Michael Achilles 

Herausgeber 

Und dass die Autorinnen und Autoren der Filmakademie 

und der Akademie für Darstellende Kunst Baden- 

Württemberg es draufhaben, sowohl Kurzgeschichten zu 

schreiben als auch darzubieten, haben sie bei der Premiere 

des siebten Kurzgeschichtenbands der Edition 

FABW zum Thema „Das ist es wert“ am 17. April im Albrecht 

Ade Studio unter Beweis gestellt: Die Studierenden 

aus dem 2. Jahrgang der ADK lasen und performten nach 

einer Inszenierung der FABW-Regiestudentin Alina Yklymova, 

die auch die Moderation übernahm und unterhaltsame 

Interviews mit den Autorinnen und Autoren 

führte. Währenddessen organisierten die anderen Verfasser*innen 

des Kurzgeschichtenbands, allesamt Studierende 

der Filmakademie und der ADK, Buchverkäufe 

und den Getränkeverkauf. Man kann es nicht anders sagen: 

Die Premiere des siebten Kurzgeschichtenbands war 

eine tolle Koproduktion und ein voller Erfolg! 

109

EDITION FABW 

110

NEW SHORT STORY COLLECTION 

„schräg” (”slanted”) 

SLANTED IS NOT STRAIGHT - AT LEAST 

WHEN CONSIDERING THE TERM SPA- 

TIALLY. HOWEVER, THE GERMAN WORD 

“SCHRÄG” CAN ALSO DESCRIBE A STATE 

THAT IS BEYOND CONVENTION, FAR REMO- 

VED FROM “BUSINESS AS USUAL”, IN THE 

SENSE OF “WEIRD” OR “QUIRKY”. AND THAT 

ALSO APPLIES TO SOME OF OUR FELLOW 

HUMAN BEINGS, NAMELY THOSE WHO ARE 

NOT STANDARD, BUT NON-CONFORMIST 

- WHO WEAR TENNIS SOCKS UP TO THEIR 

KNEES, PADDLE ALONE ACROSS THE ENG- 

LISH CHANNEL OR NAME WEATHER OBSER- 

VATION OR ICE BATHING THEIR HOBBY. IN A 

NUTSHELL, THE TERM “SCHRÄG” CONTAINS 

EVERYTHING A THEME NEEDS TO HAVE 

IN ORDER TO CONTINUE THE SUCCESSFUL 

PUBLISHING SERIES OF EDITION FABW IN 

2025. IT PROVIDES PLENTY OF INSPIRATI- 

ON, INVITES THE UNCONVENTIONAL, AND 

PROMISES FINEST ENTERTAINMENT. 

commitment of all those involved, from the administration 

to the design of the short story collection, right up 

to the technology of the invitingly lit Ade Studio on this 

premiere evening, the realisation of this exciting project 

over a whole year also requires appropriate funding. 

And the Filmakademie was once again able to rely 

on the support of the Wüstenrot Stiftung. As in the previous 

year, it was this support that made the seventh volume 

of short stories from Edition FABW possible in the 

first place. And the foundation has even promised further 

support for the project. So, we can be cautiously optimistic 

and look forward to the next Edition FABW publication 

in April 2025 - let it be “weird”! 

Michael Achilles 

Editor 

And the authors from the Filmakademie and the Academy 

of Performing Arts Baden-Wuerttemberg (ADK) 

proved that they have what it takes to both write and perform 

short stories at the premiere of Edition FABW‘s seventh 

volume of short stories on the theme of “It‘s worth 

it”, on 17 April in the Albrecht Ade Studio. The students 

from the second year of the ADK read and performed according 

to a production by FABW directing student Alina 

Yklymova, who also took over the moderation and conducted 

entertaining interviews with the authors. Meanwhile, 

the other authors of the short story collection, 

all students of the Filmakademie and the ADK, organised 

book sales and drinks sales. There‘s no other way to 

put it: the premiere of the seventh volume of short stories 

was a great co-production and a complete success! 

Not to be forgotten though, is that, despite the great 

111


112

„Es gibt altes Wissen, 

das nicht veraltet“ 

Ein Gespräch mit Prof. Hans Beller, 

Dozent im Studienschwerpunkt Montage/Schnitt 

ER WAR DABEI, ALS DIE FILMAKADEMIE 

BADEN-WÜRTTEMBERG 1991 GEGRÜNDET 

WURDE, SEIT 2007 LEHRT ER HIER ALS PRO- 

FESSOR FÜR MONTAGE/SCHNITT UND FILM- 

GESCHICHTE: HANS BELLER, JAHRGANG 

1947, ABSOLVENT DER HOCHSCHULE FÜR 

PLOMIERTER 

FERNSEHEN UND FILM IN MÜNCHEN UND DI- 

WAHRNEHMUNGSPSYCHOLO- 

GE. DAS VON IHM HERAUSGEGEBENE BUCH 

„HANDBUCH DER FILMMONTAGE – PRAXIS 

UND PRINZIPIEN DES FILMSCHNITTS“ (1993) 

GILT BIS HEUTE ALS STANDARDWERK. 

Seit Anfang der 1970er Jahre hat Hans Beller als Regisseur 

und Autor dokumentarische Fernsehfilme und cineastische 

Porträts gedreht, darunter DER TRAUM- 

FABRIKANT CARL LAEMMLE (1982/83), HENRI 

CARTIER-BRESSON – DER ENTSCHEIDENDE 

AUGEN BLICK UND LORIOT – FERNSEHEN AUF DEM 

SOFA (1991). 

Hans Beller hat in Rosenheim Szenografie gelehrt, in 

Karlsruhe Dokumentarfilm und in Köln Fernsehpraxis. 

Er hat kontinuierliche Lehraufträge an der HFF München 

und der Filmuniversität Babelsberg. 

Nun hat der Menschenfreund mit dem kritischen Geist 

mit 76 Jahren seinen Rückzug angekündigt – allerdings 

keinen vollständigen, wie er im Interview verrät. 

Lieber Hans, wie würdest Du Dich selbst 

bezeichnen: Schnitt- und Montageexperte? 

Filmhistoriker? 

drüberstülpen. Der Stoff des Films ist die Welt. Und du 

kannst jede Theorie, die es über die Welt gibt, drüberstülpen 

über den Ausschnitt, den der Film von dieser 

Welt zeigt. Und dich dann mit dem Ödipuskomplex beschäftigen 

oder mit feministischer Filmtheorie. Sobald 

ein Mann eine Frau anguckt, kannst du über den männlichen 

Blick räsonieren – auch den spezifischen, filmisch 

gestalteten männlichen Blick. 

Wie erklärst Du Deinen Studierenden die Begriffe 

Schnitt und Montage? 

Harun Farocki hat das auf den Punkt gebracht: Schnitt 

ist, wenn du es nicht merkst, Montage ist, wenn du es 

merkst. Montage ist immer auch ein Appell an die grauen 

Hirnzellen, weil du zwei Sachen zusammenbringst, 

die in der Alltagswahrnehmung nicht aneinanderpassen. 

Crosscutting, alternierende Montage, Parallelmontage, 

Simultanmontage, auch die russische Agitprop, Eisenstein, 

die intellektuelle Montage. Da ist nicht mehr eins 

und eins gleich zwei, sondern da ergibt A plus B im Kopf 

der Zuschauer C, und das C ist nicht ganz berechenbar. 

Wann ist Dein Interesse dafür erwacht? 

An der Münchner Filmschule saßen Cutter vom Bayerischen 

Rundfunk am Schneidetisch immer mit dem Rücken 

zu uns, wir wussten gar nicht, was die da machen. 

Als wir gefordert haben, selbst schneiden zu dürfen, waren 

sie beleidigt: Dann guckt mal, wo ihr bleibt! Ich habe 

meinen Abschlussfilm 1971 schon hingekriegt, aber 

eine Editorin hat drübergeschaut – von wegen Synchronizität 

und so. 

Ich bin ein Filmwissenschaftler. Kein akademischer 

Kopfgesteuerter, kein Abstrahierender, der das Libidinöse 

am Film verloren hat, weil er meint, er muss jetzt 

mit Filmsemiotik alles sezieren. Im schwäbischen Sinne 

„schaffend“: An der Sache dranbleiben und nichts 

Wie hast Du dein Wissen dann vertieft? 

Nach meinem Abschlussfilm war ich 23 und wusste: Du 

bist zu jung fürs Fernsehen. Also habe ich mich für ein 

psychosoziales Moratorium entscheiden: Man schiebt 

113


noch mal etwas in sein Leben ein, bevor man richtig 

loslegt. Und das war die Wahrnehmungspsychologie. Ich 

wollte Filme tiefenpsychologisch analysieren. Mein Diplomvater 

hat gesagt: Dich interessieren Warnungspsychologie 

und Filmschnitt, dazu wissen wir gar nichts, 

das ist Terra incognita – mach doch dazu was! Da habe 

ich erfahren, wie schön es ist, auf einem Gebiet einer 

der ersten zu sein. 

Du hast dann ein Buch zu Schnitt und Montage 

herausgegeben, das bis heute als Standardwerk 

gilt… 

Es ist mir ein völliges Rätsel. Als es lektoriert war und 

1993 erschienen ist, kam gerade der Schnittcomputer, 

der im Buch gar nicht vorkommt. Das Buch ist zum Digital 

Turn erschienen und hat sich trotzdem durchgesetzt. 

Es gibt altes Wissen, das nicht veraltet. 

Wie steigst in Deine Lehrveranstaltung über 

Schnitt und Montage ein? 

und sagen: Ich hätte gerne, dass wir dort drei Felder früher 

rausgehen und dort drei Felder früher rein. Einfach 

nur so. Das ist dann eine reine Machtfrage und sorgt 

meistens für schlechte Stimmung. 

Wie bist Du überhaupt auf Film gekommen? 

Ich wollte ursprünglich Arzt werden wie mein Vater. 

Als Sanitäter bei der Bundeswehr habe ich gemerkt: Das 

ist nicht mein Ding. Dieses Geheule baumstarker Kerle, 

weil sie im Suff wieder durch eine Scheibe gehagelt sind! 

Ich wollte nicht von morgens bis abends leidende Leute 

sehen. Ich hatte mir eine Spiegelreflexkamera mit Wechselobjektiven 

gekauft, mein Erweckungsfilm war BLOW 

UP, da geht es ja um einen Fotografen. Die Filmschule in 

München war frisch eröffnet, und ich wollte zum Fernsehspiel. 

Aber der Professor war der Gründungsdirektor 

Otto B. Roegele, und der konnte mich nicht ausstehen. 

Das Aufnahmegremium hat dann die Dokumentarabteilung 

angespitzt: Ladet ihr den Beller doch ein, wir kriegen 

ihn am Chef nicht vorbei. 

Ich zeige den Studierenden 10 Einstellungen à 5 Sekunden, 

die ergeben einen 50 Sekunden langen Film. Wie 

viele Filme kann man mit 10 Einstellungen machen? 

Walter Murch, der amerikanische Leonardo da Vinci des 

Filmschnitts, von dem ich viel gelernt habe, hat das ausrechnen 

lassen: Es gibt über 3,6 Millionen Möglichkeiten. 

Man muss also ein Konzept haben, Muster und Ordnungsschemata. 

Wenn jemand sagt: Stell doch mal in 

der Mittagspause am Schnittcomputer die Alternativen 

zusammen, dann frage ich zurück: Wie lange willst du 

Mittagspause machen? Da sind riesige Turbulenzen im 

Hirn, wenn man nicht weiß, was man will. Man muss 

wahnsinnig viele Entscheidungen treffen. Dabei hilft 

Bewusstsein. Das Problem damit ist: Wenn man eines 

hat, kann man nicht alles mitmachen. Aber es hilft sehr, 

sich Sachen bewusst zu machen und nicht wider besseres 

Wissen gegen das eigene Empfinden zu arbeiten. Das 

Bauchgefühl ist ganz wichtig. Man staunt, was der Bauch 

dem Hirn sagt, dazu gibt es ganz neue Untersuchungen. 

Was sollten Menschen, die Editorin oder Editor 

werden wollen, über die Arbeitspraxis wissen? 

Man sitzt oft wochenlang mit jemandem in einem Raum, 

man verbringt mehr Zeit miteinander als mit der Partnerin 

oder dem Partner. Da ist es wichtig, dass man sich 

klar artikuliert. Manchmal gerät man an sogenannte 

„Framefucker“. Die haben meistens diese Pythonhaltung 

114 

Was hat Dein Interesse an der Filmgeschichte 

geweckt? 

1982 habe ich in einem Antiquariat „Die Geburt der Illusion. 

So wurde Hollywood.“ von Curt Riess entdeckt. 

Der erzählte von einem Carl Laemmle, der aus Laupheim 

ausgewandert ist nach Amerika. Er hat 1915 die 

Universal Studios gegründet, die größte Filmstadt der 

Welt. Er hat das Star-System erfunden, 9.000 Filme produziert, 

darunter viele Horrorfilme. Und IM WESTEN 

NICHTS NEUES, den pazifistischsten Film überhaupt 

nach dem Roman von Erich Maria Remarque. Der bekam 

1930 die Oscars für den besten Film und die beste 

Regie. Ich habe gedacht: Warum weiß das niemand? Der 

Regionalbezug war gegeben, das war der Satz des Fernsehdirektors 

beim Süddeutschen Rundfunk (SDR). Es 

gab einen Sammler, der hatte Laemmles Home-Movies, 

das war noch Nitrofilm. Ich habe mit ihm den Deal gemacht, 

dass wir die Filme überspielen und dafür die Lizenz 

bekommen – das hat dem SDR viel Geld gespart, also 

durfte ich einen Zweiteiler machen. Das war für mich 

der Durchbruch. Plötzlich galt ich als jemand, der etwas 

von Filmgeschichte versteht. 

Was war besonders an Laemmle? 

MGM machte damals Filme mit Männern in weißen 

Smokings, Frauen in weißen Pelzen und Cabrios mit

Weißwandreifen – alles weiß. Die Italiener haben das 

nachgeahmt und das Genre „Telefoni Bianchi“ genannt, 

weil oft auch die Telefone weiß waren. Und Laemmle 

setzte dem Horror entgegen, FRANKENSTEIN und 

DRACULA. Die Eskapismustheorie geht in zwei Richtungen: 

Einmal in das Entsetzen, einmal in romantische 

Träumerei, die der Theoretiker Siegfried Kracauer 

in den 1970ern in seinem Essay „Die Ladenmädchen gehen 

ins Kino“ beschrieben hat. Vor allem war Laemmle 

ein Global Player. Randolph Hearst wollte IM WES- 

TEN NICHTS NEUES auch haben, aber Laemmle hat 

ihm den Stoff weggeschnappt. Er hatte zu der Zeit ein 

Imperium, in dem nie die Sonne unterging, mit Kinos 

auf der ganzen Welt, in Bangkok, in Brasilien. Er brauchte 

den deutschen Markt nicht. Möglicherweise war er 

der mächtigste Produzent seiner Zeit. Leider hat er das 

Imperium verspielt, er hat sich bei einem Deal mit den 

Banken verspekuliert. 

Du hast 1984 einen Dokumentarfilm über IM 

WESTEN NICHTS NEUES gemacht. Wie reagieren 

Studierende heute auf den Film? Hat die 

Neuverfilmung neues Interesse geweckt? 

Diese Neuverfilmung ist eine Art Glücksfall, der Stoff ist 

jetzt plötzlich wieder präsent. Ich finde sie beachtlich. 

Allerdings habe ich ein Waterloo erlebt. Ich wollte als 

Final Lesson an zwei Tagen die zwei Filme zeigen. 

Gekommen sind genau drei Studierende. Jemand hat 

mir dann gesagt: Hans, die wollen gerade nichts von 

Krieg wissen wegen der Ukraine. Das hat sie alle belastet. 

Tatsächlich sage ich zu den Studierenden immer: Schaut 

euch um, ihr jungen Männer wärt jetzt an der Front! 

Heute gibt es sogar einen Carl-Laemmle-Filmpreis. 

Wieso war er vergessen, als Du 

ihn 1982 wiederentdeckt hast? 

Der war vergessen und verdrängt, 

weil er in den Augen der Nazis 

ein „Filmjude“ war. Laemmle 

galt schon im ersten Weltkrieg 

als Persona non grata, weil er antideutsche 

Filme gegen den Kaiser 

gemacht hat. Er stand unter Generalverdacht, 

weil er amerikanischer 

Staatsbürger und der einzige 

deutschstämmige Hollywood-Boss 

war. Der Knackpunkt war aber 

1930 IM WESTEN NICHTS NEU- 

ES. Junge Männer gehen in den 

Krieg und kommen darin um oder 

sind gezeichnet fürs Leben. Die 

Autorin Gertrude Stein hat Anfang 

der 1920er Jahre den Begriff 

der „Lost Generation“ geprägt. Das 

ist eine Botschaft, die kein Militär der Welt haben will. 

Der Film wurde überall zensiert. Aber die Nazis haben 

ihn gehasst. Die SA hat in Kinos weiße Mäuse und 

Stinkbomben losgelassen. Nach dem Krieg hätten viele 

Laemmle gern totgeschwiegen. In Laupheim, einst die 

größte jüdische Gemeinde Baden-Württembergs, bekamen 

im Zuge der Arisierung ganze Straßenzüge neue 

Bewohner. Die wollten später nicht an die Umstände erinnert 

werden. 

Bei seinem Abschlussfilm FAR OUT - DAS 

ENDE EINER BEWEGUNG an der HFF, 

den er 1971 in den USA drehte, war Hans 

Beller auch als Kameramann und Editor 

tätig. Im Oktober 1971 wurde der Film beim 

Internationalen Filmfestival in Mannheim 

gezeigt. 

115


Du hast 1968 miterlebt und hast dann Deinen 

Abschlussfilm über das schnelle Ende dieser 

Ära gemacht: FAR OUT – DAS ENDE EINER 

BEWEGUNG. 

Ich bin gerade noch 68er, ich war damals erst 20. Der 

Film handelt davon, wie das Imperium zurückschlägt, 

wie die amerikanische Gesellschaft alles plattmacht, 

Open-Land-Kommunen, Hausboote in Sausalito in Kalifornien. 

Die Black Panther waren alle erschossen oder 

im Knast. Ich habe einen ihrer Rechtsanwälte interviewt 

und die Yippies von der Youth International Party, 

die waren auch alle angeklagt. Ich war in Madison, 

Wisconsin, wo damals die National Guard einschritt, als 

die Kriegsdienstverweigerer demonstrierten. Am Anfang 

meines Films stehen die Chicago Seven als Beispiel. 

Filmstudenten hier haben, dann müssen die bei uns was 

lernen! Herr Beller, kommen Sie mal mit, da werden gerade 

jetzt Ansagerinnen getestet! Daraus hat er einen 

kleinen Sketch gemacht. Der Fernsehdirektor hatte eine 

der Ansagerinnen geheiratet. 

Du hast 1991 einen Fernseh-Zweiteiler über Loriot 

gedreht – wieso gibt es den nirgends zu sehen? 

Soweit ich weiß, wollten die Töchter nachträglich noch 

Tantiemen für die Sketche und Trickfilme, was die 

Honorarabteilung ablehnte. Der SDR hatte mir diesen 

Film angeboten und Loriot war beim Drehen sehr offen 

und großzügig, nicht dieser sonore englische Gentleman. 

Wir hatten aber keinen Vertrag – die Rechte waren 

unklar. 

Wie hast du die treibenden Kräfte der 68er erlebt? 

Ich hatte zu denen immer ein etwas distanziertes Verhältnis, 

verbunden mit einem gewissen Sarkasmus. Bei 

den deutschen SDS-Leuten dachte ich immer: So wird 

das nichts, wenn ihr Arbeiter überzeugen wollt, mit 

euch eine Revolution zu machen. Meine Mutter war die 

Erbin eines Bauunternehmens, ich habe viel auf dem 

Bau gejobbt und wusste, wie Menschen ticken, die mit 

harter Arbeit ihr Geld verdienen. 

Was bleibt von 1968? 

Für die Frauen war es eine echte Befreiung. Sie haben 

die amerikanische Literatur gelesen. Und Simone de Beauvoir. 

Meine erste Frau war da firm. Ich habe unseren 

Sohn Paul in seinen ersten drei Jahren versorgt, während 

sie ins Büro ging. Da war ich isoliert. Wenn Freunde 

gesehen haben, wie ich die Windeln wechsle, waren 

sie irritiert. Denen musste ich immer was kochen, damit 

sie überhaupt kommen! 

Du hast viel für den damaligen Süddeutschen 

Rundfunk (SDR) gemacht – was war dort 

prägend für Dich? 

Besonders einer: Vicco von Bülow, genannt Loriot. 

Er hat in der Dokumentarabteilung die Sendung 

CARTOON moderiert. Da zeigten sie Trickfilme aus England, 

Frankreich, und auch seine eigenen. Dann hat er 

angefangen, Sketche zu machen, bei denen er Regisseur, 

Autor und Darsteller war. Der sagte: Wenn wir schon 

Du hast auch einen Film über den berühmten 

Fotografen Henri Cartier-Bresson gemacht – wie 

hast du Deine Protagonisten ausgesucht? 

Einer der wichtigsten Fotografen, einer der größten 

Filmproduzenten, einer der größten deutschen Humoristen… 

– ich habe aber nie einen Film gemacht über 

Leute, die ich nicht mag. Der Sender hat mir Leni 

Riefenstahl angetragen. Ich habe gesagt: Die lügt mich 

doch von hinten bis vorne an! Und jedes Mal muss ich 

sie korrigieren, und sie sagt dann: Ja, wenn sie es besser 

wissen als ich, dann machen sie doch den Film ohne 

mich! Mit so einer Zicke will ich mich nicht rumärgern. 

Ich habe versucht, sie zu bekommen für den Laemmle. 

Die Sekretärin hat sich so viele Ausreden einfallen lassen, 

dass ich ein Spiel daraus gemacht habe, immer wieder 

anzurufen. 

Abschied nehmen ist nicht immer leicht – 

wie gehst Du damit um? 

Das ist kein harter Schnitt, das würde ich nicht hinbekommen. 

Ich bin jetzt Gastdozent, nicht mehr Stammdozent, 

und blende mich langsam aus. Ich bin ja der 

Dienstälteste! Jetzt darf ich noch ein bisschen die Rampensau 

geben bei der Einführung in die Filmgeschichte. 

Da klatschen die Studierenden heute Beifall. Das haben 

sie früher nicht gemacht. 

Das spricht dafür, dass es Dir gelingt, ihr Interesse 

zu wecken – wie schafft man das? 

116

Ich kann ich es nicht sagen. Wenn es mich interessiert, 

interessiert es anscheinend auch andere. Filmstudierende 

sind ja auch interessante Leute, da hast du die ganze 

Person. Die müssen Sinn fürs Libidinöse haben und fürs 

Merkantile, für Töne und für Menschen, sie müssen empathiefähig 

sein. Das ist eine außergewöhnliche Vielfalt, 

die einem da entgegenkommt. 

Was war und ist Dir als Dozent besonders wichtig? 

An Filmstudierenden muss man nah dran sein. Die haben 

Krisen, weinen auch in der Sprechstunde. Und man 

kann ihnen helfen, da durchzukommen. Inhaltlich haben 

mich die American Film Studies geprägt. Die habe 

ich entdeckt, als ich 1982 wegen Laemmle in den USA 

war. Da geht es zum Beispiel um Gliederung, um ein Coverage 

System. Steven Spielberg, George Lucas und Martin 

Scorsese haben das in ihrem Studium gelernt. Ich habe 

einen Koffer mit Büchern gefüllt, der war so schwer, 

dass mir am JFK Airport der Henkel abgerissen ist. Und 

dann habe ich das Ludwigsburger Filmstudierenden nahegebracht. 

Zu Beginn der Tätigkeit an der Filmakademie 

entstand 1991 Hans Bellers zweiteilige SWR- 

Dokumentation LORIOT-FERNSEHEN AUF 

DEM SOFA. 

117


”There is old knowledge 

that doesn’t become outdated” 

An interview with Prof Hans Beller, lecturer in the editing study programme 

HE WAS THERE WHEN FILMAKADEMIE 

BADEN-WUERTTEMBERG WAS ESTAB- 

LISHED IN 1991 AND HAS BEEN TEACHING 

EDITING AND FILM HISTORY HERE AS A PRO- 

FESSOR SINCE 2007: HANS BELLER, BORN 

IN 1947, IS A GRADUATE OF THE UNIVERSITY 

OF TELEVISION AND FILM IN MUNICH AND 

HOLDS A DEGREE IN PERCEPTUAL PSYCHOL- 

OGY. HIS BOOK ‘HANDBUCH DER FILMMON- 

TAGE - PRAXIS UND PRINZIPIEN DES FILM- 

SCHNITTS’ (1993) IS STILL CONSIDERED A 

STANDARD WORK ABOUT EDITING TODAY. 

Dear Hans, how would you describe yourself: 

editing expert? Film historian? 

I am a film scholar. I’m not an academic driven by theory, 

not an abstractionist who has lost the libidinal aspect 

of film because he thinks he has to dissect everything 

with film semiotics. In the Swabian sense of ‘working’: 

sticking to the matter at hand and not foisting anything 

on it. The material of the film is the world. And you can 

superimpose every theory there is about the world onto 

the section of this world that the film shows. And then 

deal with the Oedipus complex or feminist film theory. 

As soon as a man looks at a woman, you can discuss 

the male gaze – including the specific, cinematically designed 

male gaze. 

How do you explain the concepts of editing to 

your students? 

Since the early 1970s, Hans Beller has directed and 

written documentary television films and cinematic 

portraits, including DER TRAUMFABRIKANT CARL 

LAEMMLE (1982/83), HENRI CARTIER-BRESSON - 

DER ENTSCHEIDENDE AUGENBLICK and LORIOT – 

FERNSEHEN AUF DEM SOFA (1991). 

Hans Beller taught scenography in Rosenheim, documentary 

film in Karlsruhe and television practice in 

Cologne. He has ongoing teaching assignments at HFF 

Munich and the Babelsberg Film University. 

Now, at the age of 76, the philanthropist with a critical 

spirit has announced his retirement – but not a complete 

withdrawal, as he reveals in this interview. 

Harun Farocki put it in a nutshell: editing is when you 

don’t notice it, montage is when you do. Montage is always 

an appeal to the grey cells of the brain, because 

you bring together two things that don’t fit together in 

everyday perception. Crosscutting, alternating montage, 

parallel montage, simultaneous montage, Russian agitprop, 

Eisenstein, intellectual montage. The rule of one 

plus one equals two no longer applies, it’s now A plus B 

equals C in the mind of the viewer, and C is not entirely 

predictable. 

When did you become interested in this? 

At the Munich film school, editors from Bayerischer 

Rundfunk always sat at the editing table with their backs 

to us, we didn’t even know what they were doing. When 

we demanded to be allowed to edit ourselves, they were 

offended: ‘You’ll see where that will take you!’ I managed 

to make my graduation film in 1971, but an editor went 

over it – because of synchronicity and such like. 

118

How did you then deepen your knowledge? 

After my graduation film, I was 23 and knew I was too 

young for television. So I decided to take a psychosocial 

moratorium: you insert something into your life before 

you really get going. And that was the psychology 

of perception. I wanted to analyse films by applying 

depth psychology. My supervisor said: You’re interested 

in warning psychology and film editing, we don’t know 

anything about that, it’s terra incognita – why don’t you 

do something about it? That’s when I learnt how nice it 

is to be one of the first in a field. 

You then published a book on editing and montage, 

which is still considered a standard work today... 

It’s a complete mystery to me. When it was proofread 

and published in 1993, the editing computer had just 

arrived, which doesn’t appear in the book at all. The 

book was published at the time of the digital turn and 

still managed to catch on. There is old knowledge that 

doesn’t become outdated. 

It’s important to be able to articulate yourself clearly. 

Sometimes you end up with what we call ‘framefuckers’. 

They usually have this python attitude and say: I’d like 

us to go out three spaces earlier there and come in three 

spaces earlier there. Just like that. It’s purely a question 

of power and usually creates a bad atmosphere. 

How did you get into film in the first place? 

I originally wanted to be a doctor like my father. As a 

medic in the army, I realised that it wasn’t my thing. 

All that howling from guys as strong as trees because 

they’ve smashed through a window again while drunk! 

I didn’t want to see people suffering from morning to 

night. I had bought an SLR camera with interchangeable 

lenses and my awakening film was BLOW UP, which 

is about a photographer. The film school in Munich had 

just opened and I wanted to get into television drama. 

But the professor was the founding director Otto 

B. Roegele, and he couldn’t stand me. The admissions 

committee then told the documentary department: Why 

don’t you invite Beller, we can’t get him past the boss. 

How do you start your course on editing and 

montage? 

I show the students 10 takes of 5 seconds each, which result 

in a 50-second film. How many films can you make 

with 10 shots? Walter Murch, the American Leonardo 

da Vinci of film editing, from whom I learnt a lot, calculated 

this: there are over 3.6 million possibilities. So 

you need to have a concept, patterns and organisation 

schemes. If someone says: Why don’t you put together 

the alternatives on the editing computer during your 

lunch break, then I ask back: How long do you want to 

take your lunch break? There’s huge turbulence in the 

brain when you don’t know what you want. You have 

to make an incredible number of decisions. Awareness 

helps with this. The problem with that is: if you have 

one, you can’t do everything. But it helps a lot to be 

aware of things and not work against your own feelings 

against your better judgement. Your gut feeling is very 

important. It’s amazing what your gut tells your brain, 

and there’s a lot of new research on this. 

What sparked your interest in film history? 

In 1982 I bought ‘The Birth of Illusion. This is how Hollywood 

came to be’ by Curt Riess. It told the story of a 

Carl Laemmle who emigrated from Laupheim to America. 

In 1915 he founded Universal Studios, the largest film 

city in the world. He invented the star system and produced 

9,000 films, including many horror films. And 

IM WESTEN NICHTS NEUES (ALL QUIET ON THE 

WESTERN FRONT), the most pacifist film ever based on 

the novel by Erich Maria Remarque. It won the Oscars 

for best film and best director in 1930. I thought: Why 

doesn’t anyone know that? There was a regional connection, 

that was what the television director at broadcaster 

Süddeutscher Rundfunk (SDR) said. There was a collector 

who had Laemmle’s home movies, that was still Nitrofilm. 

I made a deal with him that we would transfer 

the films and get the licence in return – that saved SDR a 

lot of money, so I was allowed to make a two-parter. That 

was my breakthrough. Suddenly I was seen as someone 

who knew something about film history. 

What should people who want to become an editor 

know about working practice? 

You often sit in a room with someone for weeks on end, 

you spend more time together than with your partner. 

What was special about Laemmle? 

At the time, MGM made films with men in white dinner 

jackets, women in white furs and convertibles with 

whitewall tyres - all white. The Italians imitated this 

119


and called the genre ‘Telefoni Bianchi’ because the telephones 

were often white too. And Laemmle countered 

this with horror: FRANKENSTEIN and DRACULA. The 

escapism theory goes in two directions: One into horror, 

the other into romantic reverie, which the theorist Siegfried 

Kracauer described in the 1970s in his essay ‘The 

shop girls go to the cinema’. Above all, Laemmle was a 

global player. Randolph Hearst wanted to have ALL QUI- 

ET ON THE WESTERN FRONT, but Laemmle snatched 

the material away from him. At the time, he had an empire 

where the sun never set, with cinemas all over the 

world, in Bangkok, in Brazil. He didn’t need the German 

market. He was probably the most powerful producer of 

his time. Unfortunately, he gambled away the empire, he 

speculated in a deal with the banks. 

Today there is even a Carl Laemmle film prize. 

Why was he forgotten when you rediscovered 

him in 1982? 

Hans, they don’t want to know anything about the war 

because of Ukraine. That put a strain on them all. In fact, 

I always say to the students: Look around you, you young 

men would be at the front now! 

You lived through 1968 and then made your graduation 

film about the rapid end of this era: FAR 

OUT – THE END OF A MOVEMENT. 

I was still in 1968, I was only 20 at the time, and the film 

is about how the empire strikes back, how American 

society is flattening everything, open land communes, 

houseboats in Sausalito in California. The Black Panthers 

were all shot or jailed. I interviewed one of their lawyers 

and the Yippies from the Youth International Party, they 

were all on trial too. I was in Madison, Wisconsin, where 

the National Guard intervened when the conscientious 

objectors demonstrated. At the beginning of my film, I 

use the Chicago Seven as an example. 

He was forgotten and suppressed because he was a ‘film 

Jew’ in the eyes of the Nazis. Laemmle was already considered 

persona non grata during the First World War 

because he made anti-German films against the Kaiser. 

He was under general suspicion because he was an 

American national and the only Hollywood boss of German 

descent. But the crux of the matter was ALL QUI- 

ET ON THE WESTERN FRONT in 1930. Young men 

go to war and are killed or scarred for life. The author 

Gertrude Stein coined the term ‘Lost Generation’ in the 

early 1920s. It’s a message that no military in the world 

wants to hear. The film was censored everywhere. But 

the Nazis hated it. The SA released white mice and stink 

bombs in cinemas. After the war, many would have liked 

Laemmle to be hushed up. In Laupheim, once the largest 

Jewish community in Baden-Wuerttemberg, entire 

streets were given new residents in the course of Aryanisation. 

Later, they didn’t want to be reminded of the 

circumstances. 

You made a documentary film about ALL QUI- 

ET ON THE WESTERN FRONT in 1984. How do 

students react to the film today? Has the remake 

sparked new interest? 

How did you experience the driving forces of 1968? 

I always had a somewhat distanced relationship with 

them, combined with a certain sarcasm. With the German 

SDS people, I always thought: that’s not going to 

work if you want to convince workers to join you in a 

revolution. My mother was the heiress of a construction 

company, I worked a lot in construction and knew what 

makes people tick who earn their money with hard labour. 

What remains of 1968? 

It was a real liberation for women. They read American 

literature. And Simone de Beauvoir. My first wife was 

firm about this. I looked after our son Paul during his 

first three years while she went to the office. I was isolated 

then. When friends saw me changing nappies, they 

were confused. I always had to cook them something to 

get them to come over! 

You did a lot of work for the broadcasting company 

that was then Süddeutscher Rundfunk (SDR) – 

what was formative for you there? 

This new film adaptation is a kind of stroke of luck, the 

material is now suddenly present again. I think it’s remarkable. 

However, I experienced a Waterloo. I wanted 

to show the two films over two days as a final lesson. Exactly 

three students turned up. Someone then said to me: 

120 

One person in particular: Vicco von Bülow, known as 

Loriot. He presented the CARTOON programme in the 

documentary department. They showed animated films 

from England and France, as well as his own. Then he 

started making sketches in which he was the director,

author and actor. He said: Since we already have film 

students here, then they must learn something with us! 

Mr Beller, come with me, they’re testing announcers 

right now! He made a little sketch out of it. The TV director 

had married one of the announcers. 

have to be able to empathise. That’s an extraordinary diversity 

that comes your way. 

What was and is particularly important to you 

as a lecturer? 

You made a two-part TV programme about 

Loriot in 1991 – why isn’t it available anywhere? 

As far as I know, the daughters wanted royalties for the 

sketches and animated films afterwards, which the royalties 

department refused. SDR had offered me this film 

and Loriot was very open and generous during filming, 

not this sonorous English gentleman. But we didn’t have 

a contract – the rights were unclear. 

You also made a film about the famous photographer 

Henri Cartier-Bresson – how did you choose 

your protagonists? 

You need to be close to film students. They have crises 

and also cry during consultation hours. And you can 

help them get through it. In terms of content, I was influenced 

by American Film Studies. I discovered it when 

I was in the USA in 1982 because of Laemmle. For example, 

it’s about organisation, about a coverage system. Steven 

Spielberg, George Lucas and Martin Scorsese learnt 

this during their studies. I filled a suitcase with books 

that was so heavy that the handle tore off at JFK Airport. 

And then I brought it to Ludwigsburg film students. 

One of the most important photographers, one 

of the greatest film producers, one of the greatest 

German humourists... – but I’ve never made 

a film about people I don’t like. The broadcaster 

offered me Leni Riefenstahl. I said: She will 

be lying to me from back to front! And every 

time I have to correct her, she will say: ‘If you 

know better than me, then make the film without 

me!’ I don’t want to put up with a bitch like 

that. I tried to get her for Laemmle. The secretary 

came up with so many excuses that I made 

a game out of calling her again and again. 

Saying goodbye is not always easy – how do 

you deal with it? 

It’s not a hard cut, I wouldn’t be able to manage 

that. I’m now a guest lecturer, no longer a 

regular lecturer, and I’m slowly fading out. After all, I’m 

the most senior teacher! Now I’m allowed to be a bit of 

a stage hog during the introduction to film history. The 

students applaud today. They never used to do that. 

Hans Beller also worked as cinematographer 

and editor on his graduation film FAR 

OUT - THE END OF A MOVEMENT at the 

HFF, which he shot in the USA in 1971. The 

film was shown at the International Film 

Festival in Mannheim in October 1971. 

That suggests that you’re succeeding in arousing 

their interest – how do you manage that? 

I can’t say. If it interests me, it seems to interest others 

too. Film students are also interesting people and complex 

characters. They need to have a sense for the libidinous 

and the mercantile, for sounds and for people, they 

121

SPOTLIGHT: DIVERSITÄT 

VIELFALT DER STIMMEN 

UND PERSÖNLICHKEITEN 

AKApella – Der Chor der Filmakademie Baden-Württemberg 

KUNST KANN BRÜCKEN ÜBER SCHEIN- 

BAR UNÜBERWINDBARE GRÄBEN BAU- 

EN. WO ANDERE MITTEL VERSAGEN UND 

SICH FRONTEN VERHÄRTEN, WO UNTER- 

SCHIEDE AUFEINANDERPRALLEN, SICH TEIL- 

WEISE SOGAR GEGENSEITIG ABSTOSSEN, 

KANN UNS KUNST DIE HAND REICHEN UND 

UNS ZUEINANDER FÜHREN. MUSIK ALS 

KUNSTFORM STRECKT SICH DABEI OFT ÜBER 

DIE GRENZEN VON SPRACHE UND KULTU- 

RELLEN UNTERSCHIEDEN HINAUS. 

Wir müssen Musik nicht analytisch verstehen, um von 

ihr berührt zu werden, brauchen kein theoretisches 

Wissen, um die gesamte Bandbreite menschlicher Emotionen 

in ihr klingen zu hören. Es braucht nicht einmal 

unbedingt einen Liedtext - also etwas sprachlich Greifbares 

- dafür. Sie kann Erinnerungen wecken, steigt uns 

in die Ohren wie ein Duft in die Nase und ist manchmal 

untrennbar mit Szenen und Erlebnissen, mit Menschen 

und Orten verbunden, die wir lieben und die uns 

geprägt haben. Ob wir an ein Schlaflied denken, das uns 

unsere Eltern vielleicht vorgesungen haben, oder an einen 

Song, der während eines wichtigen Moments lief, 

irgendwie ist sie doch immer dabei. 

Was Musik, wenn sie gemeinsam und freiwillig von 

Menschen gemacht wird, immer tut, ist uns miteinander 

zu verbinden. Diese Verbindung spiegelt sich für 

mich gerade im gemeinsamen Singen wider. Die Stimme 

ist das Instrument, mit dem die meisten Menschen auf 

die Welt kommen. Sie begleitet uns von Anfang an und 

ist damit der unmittelbarste musikalische Ausdruck, den 

wir erschaffen können. 

Seit 2019 treffen sich Studierende der Filmakademie, des 

Animationsinstituts sowie Alumni regelmäßig montagabends 

zum Chor. Im Laufe der Jahre ist daraus unter 

dem Namen AKApella eine studiengangübergreifende 

Gruppe entstanden, die klanglich und menschlich zusammengewachsen 

ist. Es haben sich tiefe Freundschaften 

und ein ebenso tiefes Verständnis für Musik gebildet. 

Alle Mitglieder prägen dabei den Chor mit ihrer Stimme 

und ihrer Persönlichkeit. Jede*r einzelne ist wichtig, 

denn wenn jemand nach dem Studium geht, fehlt dieser 

Mensch. Eine Farbe geht verloren, wie im Orchester 

ein Instrument. 

Durch seine bunte und wechselnde Zusammensetzung 

aus Studierenden aller an der Filmakademie und ihrem 

Animationsinstitut vertretenen Gewerke bietet AKApella 

Studierenden und Alumni eine Möglichkeit, sich besser 

kennenzulernen, sich auszutauschen und auch über das 

Ende gemeinsamer Filmprojekte oder ihres Studiums 

hinweg in Kontakt zu bleiben. Der Chor schafft somit 

einen Raum der Begegnung, der uns lieb und wichtig 

ist. Dabei wird immer an einem gemeinsamen künstlerischen 

Ziel gearbeitet, sei es ein Auftritt beim Sommerfest 

oder der Diplomverleihung, das jährliche Weihnachtssingen 

der Stadt Ludwigsburg im Forum am Schlosspark 

oder das Benefizkonzert im Dezember 2023, welches der 

Chor in Zusammenarbeit mit der Abteilung Filmton/ 

Sounddesign und zahlreichen weiteren Musiker*innen 

an der Filmakademie für einen an einer seltenen Krebsart 

erkrankten ehemaligen Chorsänger und Kommilitonen 

veranstaltet hat. 

122

Musikalisch ist der Chor ebenso divers aufgestellt wie 

seine Menschen. Mit Werken aus Filmmusik, Klassik, 

Gospel und vielem mehr finden sich alle Sänger*innen 

auch in unserem Repertoire wieder. Dabei war es uns 

von Anfang an wichtig, dass alle willkommen sind. 

Unabhängig von musikalischer Erfahrung darf wirklich 

jede*r mitsingen und wird mitgenommen. AKApella ist 

für uns zum festen Teil des Lebens an der Filmakademie 

geworden. Im Hinblick auf das nächste Studienjahr 

erarbeiten wir uns wieder ein Konzertprogramm und 

freuen uns auf das gemeinsame Singen, Auftritte, Karaoke-Abende, 

neue Begegnungen, neue Sängerinnen und 

Sänger. 

Vielleicht ja auch bald auf dich? 

TEXT UND CHORLEITUNG: 

SOPHIA SÄMANN-BRANDES 

KONTAKT: 

E-MAIL: AKAPELLA.CHOR@FILMAKADEMIE.DE 

INSTAGRAM: AKAPELLA.FILMAKADEMIE_BW 

Benefizkonzert Dezember 2023 

123

SPOTLIGHT: DIVERSITY 

DIVERSITY OF VOICES 

AND PERSONALITIES 

AKApella - The choir of Filmakademie Baden-Wuerttemberg 

ART CAN BUILD BRIDGES ACROSS WHAT 

INITIALLY APPEARS TO BE INSUR- 

MOUNTABLE DIVIDES. WHERE OTHER MEANS 

FAIL AND FRONTS HARDEN, WHERE DIF- 

FERENCES RESULT IN CLASHES AND PEOPLE 

REPELLING ONE ANOTHER, ART CAN REACH 

OUT AND BRING US CLOSER TOGETHER 

AGAIN. 

It accompanies us from the very beginning, making it 

the most direct form of musical expression we can create. 

Music as an art form often extends beyond the boundaries 

of language and cultural differences. It is not necessary 

to first understand music analytically to be touched 

by it; a mastery of the theory behind it is not needed 

to hear the full range of human emotions in it. Understanding 

the lyrics - i.e. something linguistically tangible 

– are not even required for music to touch us. It can 

evoke memories and reach our ears like a scent would 

reach our nose. Sometimes, seemingly inextricably, it is 

linked to scenes and experiences, to people and places 

we love and which have shaped us over time. Whether 

we are thinking of a lullaby that our parents may have 

sung to us, or a song that played during an important 

moment, somehow it is simply always there. 

What music always does, when voluntarily performed 

together, is to connect us with one another. For me, this 

connection is reflected in singing together. The voice is 

the instrument with which most people are born. 

Since 2019, students from the Filmakademie, 

Animations institut and alumni have been meeting 

regularly for choir practice on Monday evenings. Over 

the years, this has developed into a cross-degree programme 

group that is known under the name AKApella, 

which has grown together in terms of both sound 

and the number of members participating. It has resulted 

in the formation of deep friendships and an equally 

deep understanding of music. All members add their 

individual voice and personality, thereby giving the 

choir its unique character. Each individual is important, 

and when someone leaves after their studies, this person’s 

presence is missed. It is as if a specific colour is no 

longer there, like an instrument that is removed from 

an orchestra. 

Thanks to its colourful and ever-changing composition 

of students, from all disciplines represented at the 

Filmakademie and its Animationsinstitut, AKApella offers 

students and alumni an opportunity to get to know 

one another better, to exchange ideas and to remain in 

touch even after the end of joint film projects or their 

studies. As such, the choir creates a space for encounters 

that are dear and important to us. We are always 

working towards attaining a common artistic goal, be 

124

it a performance at the summer festival or the graduation 

ceremony, the annual Christmas carol singing of the 

city of Ludwigsburg in the Forum am Schlosspark or the 

benefit concert in December 2023, which the choir organised 

in collaboration with the Film Sound Production 

& Film Sound Design department and numerous other 

musicians at the Filmakademie for a fellow student and 

former choir singer suffering from a rare form of cancer. 

Musically, the choir is just as diverse as its members. 

With works from film music, classical music, gospel and 

many more genres, all singers are reflected in our repertoire. 

From the very beginning, it was important to us to 

ensure that everyone feels welcome. 

TEXT AND CHOIR DIRECTOR: 

SOPHIA SÄMANN-BRANDES 

CONTACT: 

EMAIL: AKAPELLA.CHOR@FILMAKADEMIE.DE 

INSTAGRAM: AKAPELLA.FILMAKADEMIE_BW 

Regardless of musical experience, everyone can sing 

along and is included. AKApella has become an integral 

part of life at the Filmakademie. We are currently working 

on a concert programme for the next academic year 

and are looking forward to singing together, hosting performances, 

karaoke evenings, facilitating new encounters, 

and getting to know new singers. 

And maybe we can meet you soon, too? 

125



Auftragsproduktionen in Baden-Württemberg - für das Staatsministerium: "Länd of Football" (oben) und 

für das Landeskriminalamt / Polizeiliche Kriminalprävention der Länder und des Bundes (ProPK): "Polizei für Zugewanderte" 

126

127


128


DES DRITTMITTELBEREICHES 

_YVES ALAIN LAMBERT, 

HERSTELLUNGSLEITER DRITTMITTEL/ 


TEL: +49 7141 969 82370 

DRITTMITTEL@FILMAKADEMIE.DE 

_CHRISTIAN MÜLLER, 

HERSTELLUNGSLEITUNG DRITTMITTEL/ 

AUFTRAGSPRODUKTIONEN UND TALENTFÖR- 

DERUNG, ANIMATIONSINSTITUT 

TEL: +49 7141 969 82817 

CHRISTIAN.MUELLER@FILMAKADEMIE.DE 

STUDIUM FINANZIEREN, ERFAHRUNGEN 

SAMMELN, EXISTENZ AUFBAUEN 

Auftragsproduktionen im Drittmittelbereich werden mit 

erfahrenen Studierenden, mit Alumni und bevorzugt 

mit Produktionsfirmen, die Absolventinnen und Absolventen 

in der Region gegründet haben, realisiert. Auch 

die Zusammenarbeit mit externen Firmen ist möglich. 

STUDIERENDE 

Diese Auftragsproduktionen der FABW ermöglichen 

den Studierenden über die Projekte in der Lehre hinaus 

wichtige Erfahrungen in der Praxis und bieten zudem 

die Möglichkeit, sich den eigenen Lebensunterhalt 

zu finanzieren. 

eingehalten werden müssen. Verbindlich und verlässlich 

zu agieren, schafft Vertrauen. Doch wie kommuniziere 

ich mit dem Marketingleiter, der Geschäftsführerin oder 

einem Familienunternehmer? Warum sind diese Menschen 

neugierig auf mich, auf meine Ideen abseits ausgetretener 

Pfade? Andererseits: Welchen Zwängen unterliegen 

meine Ansprechpersonen? Gibt es Grenzen für 

meine Kreativität? Welche Rolle spielen Corporate-Identity-Vorgaben 

und Marketing-Bibeln? 

ALUMNI 

Da uns die Förderung der Absolventinnen und Absolventen 

ein wichtiges Anliegen ist, unterstützt die FABW 

das eigene Netzwerk und bildet so eine Brücke vom 

Studium zur Berufswelt. Die Aufträge bieten jungen Produzentinnen 

und Produzenten einen Startimpuls für 

eine spätere betriebswirtschaftliche Existenzgrundlage. 

Nachfolgeprojekte kann eine Produktionsfirma eigenständig 

ohne die Filmakademie umsetzen. 

EXTERNE FILMPRODUKTIONSFIRMEN 

Auch wenn die Zusammenarbeit mit Studierenden und 

Alumni im Vordergrund steht, so sind dennoch Kooperationen 

mit externen Filmproduktionsfirmen möglich, 

wenn Studierende oder Alumni dort in relevanter Rolle 

eingebunden sind. Gewinnen Studierende oder Alumni, 

die bei einer externen Produktionsfirma arbeiten, einen 

Konzeptwettbewerb, so kann jene den Auftrag mit 

der FABW zusammen umsetzen. 

Das eigene Tun ist der Schlüssel für den Erfolg. Konzeptwettbewerbe 

bieten die Chance, sich auszuprobieren. 

Mit welcher Strategie überzeuge ich den Auftraggeber 

von meinen Ideen? Welche Haltung nehme ich dabei 

ein? Ganz im Sinne der praxisorientierten Ausbildung 

lernen die Beteiligten, bereits im Pitch unter realen Bedingungen 

zu präsentieren. 

Begleitet durch die Mitarbeiter*innen der FABW, übernehmen 

Studierende Verantwortung für ein professionelles 

Projekt. Verträge müssen erfüllt, Budgets und 

Zeitpläne eingehalten werden. Mit anspruchsvollen Auftraggebern 

werden Absprachen getroffen, die unbedingt 

Empfang der Landesregierung im neuen Schloss in Stuttgart 

129


COMMISSIONED PRODUCTIONS OF THE 

THIRD-PARTY FUNDING SECTOR 

_YVES ALAIN LAMBERT, HEAD OF 

THIRD-PARTY FUNDED PRODUCTIONS 

TEL: +49 7141 969 82370 

DRITTMITTEL@FILMAKADEMIE.DE 

_CHRISTIAN MÜLLER, HEAD OF THIRD-PARTY 

FUNDED PRODUCTIONS AND TALENT 

PROMOTION, ANIMATIONSINSTITUT 

TEL: +49 7141 969 82817 

CHRISTIAN.MUELLER@FILMAKADEMIE.DE 

FINANCE YOUR STUDIES, GAIN EXPERIENCE, 

BUILD A LIVELIHOOD 

Commissioned productions in the Third-party Funding 

sector are realized with experienced students, with 

alumni and preferably with production companies that 

graduates have founded in the region. Cooperation with 

external companies is also possible. 

STUDENTS 

These commissioned productions at FABW enable students 

to gain important practical experience over and 

above the projects that are part of their curriculum. They 

also offer them the opportunity to finance their own living 

expenses. 

manner creates trust. Yet how do I communicate with 

the marketing manager, the managing director or a family 

entrepreneur? Why are these people curious about 

me, about my ideas off the beaten track? On the other 

hand, within what constraints are my contacts working? 

Are there limits to my creativity? What is the role of corporate 

identity guidelines and marketing bibles? 

ALUMNI 

Since the promotion of graduates is an important concern 

to us, FABW supports its own alumni network. This 

way, it builds a bridge from studies to the professional 

world. The commissions offer young producers a starting 

impulse for their livelihood in business later on. Follow-up 

projects can be independently realized by a production 

company, without the Filmakademie. 

EXTERNAL FILM PRODUCTION COMPANIES 

Even if the focus is on cooperation with students and 

alumni, cooperation with external film production companies 

is also still possible if students or alumni are involved 

there in a relevant role. If students or alumni 

who work for an external production company win a 

concept competition, the company can realize the commission 

together with FABW. 

Doing your own work is the key to success. Concept competitions 

offer the chance to try things out. What strategy 

do I use to convince the client of my ideas? What attitude 

do I adopt? In keeping with the practice-oriented 

training, the participants learn how to present their ideas 

under real conditions during the pitch. 

Accompanied by FABW staff, students assume responsibility 

for a professional project. Contracts must be fulfilled, 

and budgets and schedules adhered to. Agreements 

are made with demanding clients that must be 

adhered to at all costs. Acting in a binding and reliable 

130

131

1 MILLION € 1 MILLION € 1 MILLION € 1 MILLION € 1 MILLION € 

Caligari-Verleihung 2024

1 MILLION € 1 MILLION € 1 MILLION € 1 MILLION € 1 MILLION €

FÖRDERVEREIN 

EINE MILLION EURO FÜR STUDENTISCHE PROJEKTE 

SEIT 1993 UNTERSTÜTZT DER FÖRDER- 

VEREIN DIE STUDIERENDEN DER FILM- 

AKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG. ALS 

ZENTRALE VERANSTALTUNG DIENT DABEI 

DIE JÄHRLICHE VERGABE DER CALIGA- 

RI-PREISE. MIT DEN AUSZEICHNUNGEN 

ERHALTEN BESONDERS INNOVATIVE UND 

KÜNSTLERISCH WERTVOLLE STUDIEN- 

PROJEKTE EINE ZUSATZFÖRDERUNG. DIE 

EINGEREICHTEN EXPOSÉS, TREATMENTS, 

DREHBÜCHER ODER ARBEITSFASSUNGEN 

WERDEN VON EINER FACHJURY BEURTEILT, 

DIE IM ANSCHLUSS DIE AUSGEZEICHNETEN 

PROJEKTE BESTIMMT. JEDER „CALIGARI” 

IST MIT EINEM PREISGELD VON 5.000 EURO 

VERBUNDEN. ÜBER DIE JAHRE IST SO EINE 

STATTLICHE GESAMTFÖRDERSUMME ZUSAM- 

MENGEKOMMEN, DIE IN DIESEM JAHR DIE 

„MAGISCHE“ GRENZE VON EINER MILLION 

EURO ÜBERSCHRITTEN HAT! 

Im Jahr 2024 konnten insgesamt zwölf Trophäen überreicht 

werden. Drei Preise werden direkt aus den Beiträgen 

der über 400 Mitglieder des Fördervereins finanziert. 

Die weiteren Auszeichnungen werden von 

verschiedenen Sponsoren und Förderern bereitgestellt. 

Folgende Institutionen und Unternehmen haben einen 

Preis gestiftet: 

• Andreas Stihl AG & Co. KG, Waiblingen 

• Ministerium für Umwelt, 

Klima und Energiewirtschaft, Stuttgart 

• royal film GmbH, Stuttgart 

• Stadt Ludwigsburg 

• Stiftung Kunst, Kultur und Bildung 

der Kreissparkasse Ludwigsburg 

• SV SparkassenVersicherung Holding AG, Stuttgart 

• UFA GmbH, Berlin 

• Wüstenrot Stiftung, Ludwigsburg 

• YTF Young Talent Foundation Berlin gGmbH 

Die Caligari-Förderpreise bieten den jungen Filmemacherinnen 

und Filmemachern über die Standardfinanzierung 

durch die Filmakademie hinaus noch bessere 

Möglichkeiten, ihre Projekte zu realisieren und 

sich in der Branche weiter zu etablieren. Die feierliche 

134 

Verleihung der Awards fand am 16. April 2024 im Albrecht 

Ade Studio der FABW statt. Moderiert wurde die 

Veranstaltung von Jürgen Walter, dem 1. Vorsitzenden 

des Fördervereins, und seinem Stellvertreter Wolfgang 

Kerber. Für die musikalische Begleitung sorgte wie in 

den letzten Jahren die Caligari-Band unter der Leitung 

von Andreas Fuchs. Der Förderverein konnte sich über 

beeindruckende 40 eingereichte Projekte aus verschiedenen 

Genres und Studienschwerpunkten wie Animation, 

Dokumentarfilm, Journalistischer Film, Szenischer 

Film und Werbefilm freuen. Die Projekte stammen von 

Studierenden des 3. und 4. Studienjahrs. 

„Die eingereichten Projekte haben uns durch ihre herausragende 

Qualität und kreative Vielfalt beeindruckt. 

Es ist inspirierend zu beobachten, wie Studierende ihr 

Talent in zahlreichen Genres und Formaten entfalten 

und dabei auch kontroverse Themen ohne Vorurteile angehen,“ 

so Jürgen Walter. 

Wer die Caligari-Förderpreise als Privatperson oder 

Firma unterstützen und Mitglied werden möchte, kann 

sich gern an den Förderverein wenden (Kontakt s.u.) 

Für Studierende der FABW ist die Mitgliedschaft für die 

Zeit ihres Studiums und bis 1 Jahr nach dem Abschluss 

kostenlos. Für Privatpersonen beträgt der Jahresbeitrag 

60,00 EUR, für Startup-Unternehmen 175,00 EUR und 

für etablierte Unternehmen 350,00 EUR. 

DER FÖRDERVEREIN DER FILMAKADEMIE 

BADEN-WÜRTTEMBERG 

VORSTAND 

1. VORSITZ: Jürgen Walter 

STELLVERTRETUNG: Wolfgang Kerber 

Wiltrud Baier, Matthias Drescher, Dr. Michael Hartmann, 

Dirk Hibbeler, Friedrich Müller, Armin Schneider, 

Sabine Willmann 

ASSISTENZ 

Ute Puschmann 

E-Mail: ute.puschmann(at)filmakademie.de 

1 MILLION € 1 MILLION € 

1 MILLION €

1 MILLION € 1 MILLION € 1 MILLION € 

FRIENDS OF 

FILMAKADEMIE BADEN-WUERTTEMBERG 

ONE MILLION EUROS FOR STUDENT PROJECTS 

FRIENDS OF FILMAKADEMIE BADEN- 

WUERTTEMBERG (FÖRDERVEREIN) 

HAS BEEN SUPPORTING STUDENTS AT THE 

FILMAKADEMIE SINCE 1993. THE ANNUAL 

AWARDING OF THE CALIGARI PRIZES IS THE 

KEY EVENT. THE AWARDS PROVIDE ADDITI- 

ONAL FUNDING FOR PARTICULARLY INNO- 

VATIVE AND ARTISTICALLY NOTEWORTHY 

STUDENT PROJECTS. THE SUBMITTED 

EXPOSÉS, TREATMENTS, SCREENPLAYS OR 

WORKING VERSIONS ARE ASSESSED BY A 

JURY OF EXPERTS, WHO THEN SELECT THE 

WINNING PROJECTS. EACH ‘CALIGARI’ PRO- 

VIDES 5,000 EUROS IN PRIZE MONEY. OVER 

THE YEARS, THIS HAS RESULTED IN AN 

IMPRESSIVE TOTAL AMOUNT OF FUNDING, 

WHICH THIS YEAR EXCEEDED THE ‘MAGIC’ 

THRESHOLD OF ONE MILLION EUROS! 

A total of twelve trophies were presented in 2024. Three 

prizes are financed directly from the contributions of the 

more than 400 members of the Friends of FABW. The 

other awards are provided by various sponsors and supporters. 

The following institutions and companies have 

sponsored a prize: 

• Andreas Stihl AG & Co. KG, Waiblingen 

• Ministry of the Environment, Climate Protection 

and the Ennergy Sector Baden-Wuerttemberg, 

Stuttgart 

• royal film GmbH, Stuttgart 

• City of Ludwigsburg 

• Foundation for Art, Culture and Education of 

Kreissparkasse Ludwigsburg 

• SV SparkassenVersicherung Holding AG, Stuttgart 

• UFA GmbH, Berlin 

• Wüstenrot Foundation, Ludwigsburg 

• YTF Young Talent Foundation Berlin gGmbH 

In addition to standard funding via the Filmakademie, 

the Caligari Awards offer young filmmakers even better 

opportunities to realise their projects and further establish 

themselves in the industry. The awards ceremony 

took place on 16 April 2024 at the Albrecht Ade Studio of 

FABW. The event was hosted by Jürgen Walter, 1st Chairman 

of the Friends, and his deputy Wolfgang Kerber. As 

in previous years, the Caligari Band under the direction 

of Andreas Fuchs provided the musical background. The 

Friends were delighted to receive an impressive 40 submitted 

projects from various genres and specialisations 

such as animation, documentary film, film journalism, 

fiction film and advertising film. The projects were submitted 

by 3rd and 4th year students. 

„The projects submitted impressed us by their outstanding 

quality and creative diversity. It is inspiring to see 

how students develop their talent in numerous genres 

and formats and also tackle controversial topics without 

prejudice, ’ says Jürgen Walter. 

Individuals or companies wishing to support the 

Caligari Awards and become a member are welcome to 

contact the Friends of FABW (see contact below) 

For FABW students, membership is free for the duration 

of their studies and up to one year after graduation. The 

annual membership fee is EUR 60.00 for private individuals, 

EUR 175.00 for start-ups and EUR 350.00 for established 

corporations. 

FRIENDS OF FILMAKADEMIE 

BADEN-WUERTTEMBERG (FÖRDERVEREIN) 

BOARD OF DIRECTORS 

1ST CHAIR: Jürgen Walter 

DEPUTY CHAIR: Wolfgang Kerber 

Wiltrud Baier, Matthias Drescher, 

Dr Michael Hartmann, Dirk Hibbeler, Friedrich Müller, 

Armin Schneider, Sabine Willmann 

ASSISTANT 

Ute Puschmann 

Email: ute.puschmann(at)filmakademie.de 

135

FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG GMBH 

AKADEMIEHOF 10 

D - 71638 LUDWIGSBURG 

filmakademiebw 

filmakdemie_bw 

TEL: +49 7141 969 0 

E-MAIL: INFO@FILMAKADEMIE.DE 

WWW.FILMAKADEMIE.DE 

Filmakademie Baden-Württemberg GmbH 

@FilmakademieBW 

filmakademiebw 

IMPRESSUM / IMPRINT 

HERAUSGEGEBEN VON DER / PUBLISHED BY 

Filmakademie Baden-Württemberg GmbH 

Ludwigsburg 

VERANTWORTLICH IM SINNE DES PRESSERECHTS / 

RESPONSIBLE ACCORDING TO THE GERMAN PRESS LAW 


REDAKTION / EDITORS 

Andreas Friedrich, Fenja Schnizer 

REDAKTION / EDITORS ANIMATIONSINSTITUT 

Christiane Ortmann, Julia Graf, Amelie Kant 

TEXTE UND INTERVIEWS / TEXTS AND INTERVIEWS 

Michael Achilles, Andreas Friedrich, Bernd Haasis, Dorothee 

Martin, Yves Alain Lambert, Guido Lukoschek, Jan Pinkava, 

Justin Roessler, Sophia Sämann-Brandes, Fenja Schnizer, 

Sebastian Uhlig 

GESTALTUNG / LAYOUT + DESIGN 

Kommunikationsdesign Heide Sorn-Daubner, 

Stuttgart 

DRUCK / PRINT 

Druckmanufaktur Raisch, 

Reutlingen 

CAMPUS MAGAZIN(E) 24/25 + 

CAMPUS 24/25 

Druckprodukt 

CO₂ kompensiert 

klima-druck.de 

ID-Nr. 24179886 

Mehr Informationen zur Berechnungsmethodik, zur 

Kompensation und dem gewählten Goldstandard- 

Klimaschutzprojekt finden Sie unter klima-druck.de/ID. 

AUFLAGE / PRINT RUN 

800 

Druckprodukt 

CO₂ kompensiert 

klima-druck.de 

ID-Nr. 24179890 

Mehr Informationen zur Berechnungsmethodik, zur 

Kompensation und dem gewählten Goldstandard- 

Klimaschutzprojekt finden Sie unter klima-druck.de/ID. 

136

FOTONACHWEIS / PHOTO CREDITS 

Umschlag vorn / cover: Steven M. Schultz / ADK 

Umschlag hinten / back cover: 

Animationsinstitut Diploma Showroom Project: THE UNDYING PAIN OF EXISTENCE 

S. 2 Thomas Schadt + Jan Pinkava: FABW / Fotografin Anja Fellerhoff 

S. 6 Porträt Thomas Schadt: FABW / Fotograf Roland Mönch 

S. 7 Porträt Jan Pinkava: FABW / Fotografin Anja Fellerhoff 

S. 10 Drehbericht: FABW / Fotografin Marlen Medvedovskyy 

S. 10 Thomas Lechner: FABW / Fotograf Felix Dahm 

S. 10 Milena Aboyan: Linda Rosa Saal 

S. 10 Edition FABW: Steven M. Schultz / ADK 

S. 10 Chor AKApella: Felix Dahm 

S. 11 FMX: Dominique Brewing 

S. 11 Roland Stuprich: privat 

S. 11 International Networks: Jane Frances Okegbe Nkem 

S. 11 Commissioned Productions: Thomas Harke 

S. 12-19: Dominique Brewing 

S. 20-25: FABW / Fotografin Marlen Medvedovskyy 

S. 26: Roman Kutzowitz 

S. 27: Eventpress / Deutscher Filmpreis 2024 


S. 31-32: Neue Visionen Filmverleih GmbH 


S. 35: Neue Visionen Filmverleih GmbH 

S. 37: Neue Visionen Filmverleih GmbH 

S. 40: FABW / Fotografin Anja Fellerhoff 

S. 42: FABW / Fotograf Felix Dahm 

S. 45: Jannik Jochim 

S. 49: Clelia Iovine 

S. 52: privat 

S. 53: GettyImages / Fotograf Roy Rochlin 

S. 56-59: FABW / Fotografin Anja Fellerhoff 

S. 60: Tobis Eckerlin 

S. 62 oben: Mike Razniewski 

S. 62 unten: Sofija Zivkovic 

S. 65 oben: Mike Razniewski 

S. 65 unten: Tobis Eckerlin 

S. 67: Mike Razniewski 

S. 70/74 Porträt Rebecca Hartung: Joel Arias 

S. 70/74 Porträt Giulia Colombini: privat 

S. 71 oben: Eve Kirchner 

S. 75 oben: Diaba Touré 

S. 75 Mitte und unten: Guilhem Vermeulen 

S. 76/77: Jane Frances Okegbe Nkem 

S. 79: FABW / Fotograf Márk Szilágyi 

S.81: FABW / Fotograf Márk Szilágyi 

S. 83: FABW / Fotograf Benjamin Rost 



S. 95-96 CO2 Logo: AdobeStock_813121299 

S. 98: Porträt Milena Aboyan: Linda Rosa Saal 

S. 99-107: Setfotos/Behind-the-Scenes ELAHA: Jakob Fliedner 

S. 100-106 Filmstills ELAHA: FABW / Christopher Behrmann 

S. 101/102/104: Festivals + Preisverleihungen ELAHA: privat 

S. 108-111: Steven M. Schultz / ADK 

S. 112, 115: privat 

S. 117: SWR 

S. 121: privat 

S. 122-125: Felix Dahm 

S. 126 oben und unten rechts: Mario Dahl 

S. 126 Mitte und unten links: Thomas Harke 

S. 127: Kato Film / Katharina Herrmann 

S. 128: Mario Dahl 

S. 129-130: Morten Pieper 

S. 131: Kato Film / Katharina Herrmann 

S. 132-133: FABW / Fotograf Max Rechtsteiner 

Weitere Fotos: Filmakademie Baden-Württemberg GmbH (FABW) 

137

Filmakademie Baden-Württemberg GmbH | Akademiehof 10 | 71638 Ludwigsburg 

WWW.FILMAKADEMIE.DE | WWW.ANIMATIONSINSTITUT.DE

Filmakademie Baden-Württemberg Campus Magazin 24/25

Verwandeln Sie Ihre PDFs in ePaper und steigern Sie Ihre Umsätze!

Template löschen?

Als Template speichern ?